Métodos de bellas artes. Fundamentos psicológicos y pedagógicos para la implementación del tema. Consideremos las características de cada uno de los métodos verbales.

Jasánov Yu.A.

Escuela de arte infantil Kotovsky, correo electrónico: [correo electrónico protegido]

Los métodos de enseñanza de bellas artes se reducen a enseñar la capacidad de ver y sentir la expresividad de los dibujos y el modelado. Ésta es una de las tareas importantes a las que se enfrenta un profesor de bellas artes. Al mismo tiempo, la naturaleza de las preguntas y comentarios de los adultos debería proporcionar una cierta respuesta emocional en el alma de los niños.

Los métodos de enseñanza de bellas artes se utilizan según el tipo de lección. Por ejemplo, al dibujar una trama durante una conversación, cuando a los niños se les enseña a transmitir una trama, es necesario ayudarlos a imaginar el contenido de la imagen, la composición, las características de transmisión del movimiento, las características del color de la imagen, es decir, pensar detenidamente. medios visuales para transmitir la trama. La maestra aclara con los niños algunas técnicas técnicas de trabajo y la secuencia de creación de una imagen. Dependiendo del contenido de la imagen, la metodología de la conversación tiene sus propias particularidades: sobre una obra literaria, sobre temas de la realidad circundante, sobre un tema libre.

El método de observación es la base de todo el sistema de enseñanza de las bellas artes. El éxito del desarrollo de sus habilidades creativas depende de qué tan bien los niños desarrollen su capacidad para observar su entorno, establecer conexiones entre los fenómenos de la realidad e identificar lo general y lo individual. Pero las observaciones por sí solas antes de la clase no garantizarán plenamente la posibilidad de representar lo visto. Es necesario enseñar al niño técnicas especiales de representación, formas de utilizar diversos materiales visuales. Sólo en el proceso de aprendizaje sistemático en el aula se forman plenamente las capacidades de los niños.

En las clases de artes visuales se utilizan una variedad de métodos y técnicas, que se pueden dividir en visuales y verbales.

Método de enseñanza determina la naturaleza de todas las actividades tanto del alumno como del maestro en una lección determinada y se caracteriza por un enfoque unificado para resolver la tarea.

Entrenamiento de recepción- Esta es una herramienta auxiliar que tiene solo un significado educativo limitado y no determina todos los detalles de la actividad en la lección.

A veces, los métodos individuales pueden actuar solo como una técnica y no determinar la dirección del trabajo en la lección en su conjunto. Por ejemplo, si leer un poema (cuento) al comienzo de una lección tenía como único objetivo despertar el interés en la tarea y atraer la atención de los escolares, entonces, en este caso, la lectura sirvió como una técnica para ayudar al maestro a resolver un problema estrecho. tarea: organizar el comienzo de la lección.

Métodos y técnicas de enseñanza visual.. Los métodos y técnicas visuales de enseñanza incluyen el uso de la naturaleza, reproducciones de pinturas, muestras y otras ayudas visuales; examen de objetos individuales; demostración por parte del profesor de técnicas de imagen; Exhibición del trabajo de los estudiantes al final de la lección, durante su evaluación.

Bajo en especie en bellas artes entendemos un objeto o fenómeno que se representa a través de la observación directa. Trabajar desde el natural implica representar un objeto desde un determinado punto de vista, en la posición en la que se encuentra en relación con el ojo del artista. Esta característica de la imagen de la vida también determina la originalidad de la percepción durante la lección. Lo principal aquí será la percepción visual, y cuando se representa en un plano (dibujo, aplique), el objeto se percibe solo desde un lado; Al modelar y diseñar, los estudiantes deberían poder rotar el modelo y analizar la forma tridimensional en varios planos.

La capacidad de percibir un objeto ya es característica de un niño en edad preescolar, sin embargo, representar un objeto de la vida presupone la capacidad de analizar la relación de las partes, su ubicación en el espacio, que un niño en edad escolar es capaz de realizar de manera tan analítica y sintética. percepción sólo bajo la condición de una orientación pedagógica adecuada.

A pesar de la capacidad del niño en edad escolar para hacer un análisis simple de objetos de imagen, trabajar a partir de la vida a esta edad tiene sus diferencias con el uso de la naturaleza por parte de artistas consagrados. La naturaleza, en primer lugar, facilita el trabajo de la memoria, ya que el proceso de visualización se combina con la percepción; ayuda al alumno a comprender y transmitir correctamente la forma y estructura de un objeto, su color.

Al percibir un objeto, el estudiante debe mostrar su volumen, el cual se asocia con el uso de luces y sombras, transmitiendo cambios de perspectiva en el objeto y mostrando ángulos complejos. En la etapa inicial de aprendizaje de bellas artes, estas técnicas no están disponibles. Por lo tanto, como naturaleza para principiantes, seleccionan objetos de forma simple que tengan contornos y divisiones de partes claras.

La naturaleza está situada de manera que todos los escolares la perciban desde su lado más característico. El profesor debe examinar detalladamente la naturaleza con los alumnos, guiando y facilitando el proceso de análisis con palabras y gestos. Este proceso requiere una cierta cultura de percepción y un pensamiento analítico desarrollado. Estas habilidades comienzan a desarrollarse en niños de 5 a 6 años y en la escuela primaria. A esta edad aprenden a comparar y corregir su trabajo al dibujar de acuerdo con la naturaleza. Por ejemplo, en primer grado, al representar una rama de abeto de la vida real, los niños transmiten la ubicación de la rama en el espacio (oblicua o vertical), el número y tamaño de las ramas a la izquierda y a la derecha, y dibujan agujas gruesas en un color oscuro. o tono claro.

Como naturaleza se pueden utilizar hojas, ramas, flores, frutas, así como juguetes que representan personas, animales y vehículos. A mayor edad, la naturaleza se vuelve gradualmente más compleja. No se recomienda utilizar aves y animales vivos como la naturaleza. Sus movimientos y sonidos distraerán a los estudiantes del dibujo y no les permitirán concentrarse en percibir el objeto en la posición deseada.

Así, el uso de la naturaleza como método de enseñanza abarca todo el proceso de representación: análisis inicial del tema, comparación de la imagen con la naturaleza en forma, posición, color, valoración de los resultados del trabajo comparando el dibujo y la naturaleza.

Muestra, como la naturaleza, puede actuar como método y como técnica de enseñanza independiente. En aquel tipo de actividades visuales donde el objetivo principal no es consolidar impresiones de la percepción del entorno, sino que las tareas son desarrollar aspectos individuales de esta actividad, el modelo se utiliza como método de enseñanza.

A veces, si los estudiantes ya dominan una habilidad, se pueden incluir varias muestras para su selección. Por lo tanto, se puede ofrecer una muestra sin instrucciones especiales del maestro, y los estudiantes, después de examinarla, hacen el trabajo de forma independiente. En este caso, el uso de la muestra contribuirá al desarrollo del pensamiento analítico-sintético del estudiante. A veces un modelo actúa como técnica de enseñanza. Por ejemplo, al dibujar o esculpir objetos, se utiliza una muestra para aclarar las ideas de los estudiantes sobre el objeto que se representa, y no con el propósito de copiarlo.

El uso de muestras con imágenes esquemáticas y simplificadas tiene un efecto negativo en el desarrollo de las capacidades creativas de los escolares. Simplificar la imagen a un diagrama sólo crea una simplificación aparente de la tarea asignada a los estudiantes.

La idea formada a partir de una percepción concreta no debe sustituirse por una imagen esquemática y plana, desprovista de rasgos individuales. Dicho diagrama no ayudará al estudiante a resaltar lo principal del tema, sino que simplemente reemplazará la imagen de un tema específico.

Con el uso constante de muestras esquemáticas ya preparadas, la formación en última instancia se reduce a una tarea limitada: desarrollar la capacidad de crear formas simples. El entrenamiento de la mano está aislado en la creación de tal forma del trabajo de la conciencia. Como resultado, aparecen patrones en los dibujos de los niños. Esto empobrece el dibujo, la actividad visual se divorcia de la realidad. Una imagen esquemática adquirida inconscientemente a menudo pierde su semejanza con un objeto real, ya que el alumno sólo repite las formas aprendidas sin pensar.

Los medios de expresión artística proporcionan una imagen percibida visualmente con la ayuda de la cual el artista crea una obra de arte.

Para aclarar las ideas de los estudiantes sobre la realidad circundante y explicar los medios y métodos de representación, se utilizan principalmente pinturas.

La pintura, como obra de arte, transmite la imagen de forma vívida y emocional. Las observaciones de la realidad circundante suelen ser a corto plazo, por lo que el uso de una imagen resaltará la característica principal de la imagen posterior y no solo garantizará la repetición de la percepción.

Se puede recomendar mirar pinturas en los casos en que el artículo requerido no esté disponible. Al mismo tiempo, puede servir como medio para familiarizar a los niños con algunas técnicas de representación en un avión. Por ejemplo, un maestro muestra una imagen para explicar la imagen de objetos distantes que en la vida el niño percibía ubicados en un terreno plano. Al mirar la imagen, el niño ve que la Tierra no está representada por una línea, sino por una franja ancha, y los objetos distantes están ubicados arriba, los cercanos, abajo, hasta el borde de la hoja.

Para que el alumno comprenda la técnica utilizada por el artista es necesario explicarla, ya que en el cuadro el alumno percibe sólo el resultado final. Es más conveniente realizar dicho examen y análisis de la imagen antes de la lección o al comienzo de la misma. Una imagen dejada frente a los estudiantes durante la lección puede llevar a un rediseño mecánico. Copiar en la etapa inicial del aprendizaje causa un gran daño: inhibe el desarrollo de las habilidades visuales. Es imposible para un principiante comprender todas las técnicas y medios visuales utilizados por el artista, por lo que dibujará sin entender por qué fue dibujado de esta manera y no de otra manera.

La demostración por parte del profesor de métodos de imágenes es una técnica visualmente eficaz. La demostración puede ser de dos tipos: demostración mediante gestos y demostración de técnicas de imagen. En todos los casos, la demostración va acompañada de explicaciones verbales. El gesto explica la ubicación del objeto en la hoja. Un gesto puede restaurar en la memoria del alumno la forma básica de un objeto, si es simple, o de sus partes individuales.

Es eficaz repetir el movimiento con el que el profesor acompañó su explicación durante la percepción. Esta repetición facilita la reproducción de las conexiones formadas en la conciencia. Un gesto que reproduce la forma de un objeto ayuda a la memoria y permite mostrar el movimiento de la mano del cajón durante la imagen. Cuanto más joven es el alumno, más importante es la demostración de los movimientos de las manos en su aprendizaje.

También existe una técnica muy conocida, cuando un profesor del primer año de estudios dibuja una imagen junto con el alumno, llevándolo de la mano. Un gesto puede delinear todo el objeto si su forma es simple o los detalles de la forma son simples. El maestro demuestra detalles más pequeños al dibujar o modelar.

La naturaleza de la demostración depende de las tareas que el profesor establezca para esta lección. Mostrar una imagen del objeto completo se proporciona si la tarea es enseñar cómo representar correctamente la forma básica del objeto. Por ejemplo, para enseñar a los escolares a dibujar formas redondas, el maestro dibuja una pelota o una manzana y explica sus acciones.

Durante los ejercicios repetidos para consolidar habilidades y luego usarlas de forma independiente, las demostraciones se realizan sólo de forma individual a los estudiantes que no dominan una habilidad en particular. Demostrar constantemente cómo completar una tarea enseñará a los estudiantes a esperar instrucciones y ayuda del maestro en todos los casos, lo que conduce a la pasividad y la inhibición de los procesos de pensamiento. La demostración del profesor siempre es necesaria a la hora de explicar nuevas técnicas.

El desarrollo del pensamiento analítico, que se traduce en una actitud crítica ante lo percibido, permite a los escolares evaluar objetivamente el trabajo realizado por sus compañeros y su propio trabajo.

A una edad temprana, un niño no puede controlar ni evaluar plenamente sus acciones y sus resultados. Si el proceso de trabajo le produjo placer, estará satisfecho con el resultado y esperará la aprobación del maestro. En el primer año de formación, el profesor al final de la lección muestra varios trabajos bien hechos sin analizarlos. El propósito de la exhibición es atraer la atención de los estudiantes sobre los resultados de sus actividades. El profesor también aprueba el trabajo de otros estudiantes. Una valoración positiva de ellos ayuda a mantener el interés por las artes visuales.

En el segundo año de estudio, utiliza la visualización y el análisis del trabajo de los estudiantes como técnica para ayudarlos a comprender los logros y errores en la imagen. La capacidad de ver con qué precisión se representa un objeto ayuda a desarrollar una actitud consciente hacia la elección de medios y métodos de trabajo para mejorar toda actividad creativa.

No se debe considerar un error en el trabajo de un alumno junto con el de todos los demás del grupo, ya que ser consciente de ello sólo le importará a ese alumno. Es mejor analizar las causas del error y las formas de solucionarlo en una conversación individual.

En el tercer y cuarto año de estudio, todos los estudiantes deben participar en el análisis. Sin embargo, en ocasiones el propio profesor da la valoración. Por ejemplo, queriendo animar a un alumno que dibuja mal y anticipándose a las críticas de otros alumnos a su trabajo, el profesor es el primero en señalar los aspectos positivos del dibujo.

El análisis del trabajo se puede realizar en varios planes. La mayoría de las veces, para ahorrar tiempo, el profesor toma selectivamente varios trabajos para analizarlos. Debes evitar mostrar el trabajo del mismo alumno en cada clase, incluso si realmente destaca. Como resultado de los elogios constantes, puede desarrollar una confianza injustificada en sí mismo y un sentimiento de superioridad sobre otros escolares. Los estudiantes superdotados deben trabajarse de forma individual, teniendo en cuenta sus capacidades y destrezas visuales.

En ocasiones, el profesor confía a los alumnos la elección del trabajo a analizar. En estos casos, se disponen todas las obras sobre una mesa (o pegadas al tablero) y se pide a los niños que elijan las que más les gusten. Luego el profesor analiza detalladamente con ellos las obras seleccionadas.

Métodos verbales y técnicas de enseñanza. Los métodos y técnicas verbales de enseñanza incluyen la conversación, las instrucciones del profesor al principio y durante la lección y el uso de una imagen artística verbal.

Las clases de artes visuales comienzan con una conversación entre el profesor y los alumnos. El objetivo de la conversación es evocar en la memoria de los niños imágenes previamente percibidas y despertar el interés por la actividad. El papel de la conversación es especialmente importante en aquellas clases en las que los niños trabajarán basándose en presentaciones, sin utilizar ayudas visuales.

La conversación debe ser breve, pero significativa y emotiva. El profesor presta atención principalmente a lo que será importante para el trabajo posterior. Para aclarar las ideas de los estudiantes, el maestro, durante o después de la conversación, muestra el objeto o imagen deseado y, antes de que los estudiantes comiencen a completar la tarea, demuestra el método de trabajo. La conversación, tanto como método como técnica, debe ser breve y no durar más de 3-5 minutos. Así, una conversación adecuadamente organizada contribuirá a una mejor realización de la tarea por parte de los estudiantes. Una imagen artística plasmada en una palabra (poema, cuento, acertijo, etc.) tiene una claridad única. Contiene eso característico, típico que es característico de este fenómeno y lo distingue de los demás.

La lectura expresiva de obras de arte contribuye a la creación de un estado de ánimo creativo, un trabajo activo de pensamiento e imaginación. Para ello, la palabra artística se puede utilizar no sólo en las clases de ilustración de obras literarias, sino también en la representación de objetos después de su percepción.

En todos los grupos de edad, se puede comenzar una lección con un acertijo que evocará una imagen vívida de un objeto en la mente de los escolares, por ejemplo: "Una cola con dibujos, botas con espuelas..." El acertijo señala algunos detalles de la forma: una hermosa cola, espuelas y hábito de gallo, que lo distinguen de otras aves.

Para revivir en la memoria de los estudiantes imágenes de objetos previamente percibidas, se pueden utilizar poemas cortos y extractos de obras de arte. Al mismo tiempo, el profesor debe abordar seriamente la selección de obras de arte y extractos de ellas para ilustración. Una imagen verbal debe incluir aspectos pictóricos y mostrar aquellas características de un objeto que están asociadas con su percepción visual.

Las instrucciones del profesor acompañan necesariamente a todas las técnicas visuales, pero también pueden utilizarse como método de enseñanza independiente. Esto depende de la edad de los estudiantes y de los objetivos de la lección. Normalmente, el profesor da instrucciones en relación con la explicación de los objetivos de aprendizaje asignados.

A todos los estudiantes se les suele dar instrucciones al inicio de la clase para explicarles el tema del trabajo y cómo realizarlo. Dichas instrucciones deben ser muy concisas, claras y concisas. Para comprobarlo, el profesor puede preguntar a uno de los niños sobre la secuencia y los métodos de realización del trabajo. Esta repetición verbal de la tarea ayuda a los estudiantes a comprender mejor sus acciones.

Una vez que todos los niños hayan comenzado a trabajar, el maestro no debe apresurarse a brindar instrucciones y ayuda individuales. Es necesario determinar quién necesita ayuda actualmente, quién no ha comenzado a trabajar o lo ha comenzado incorrectamente. Con estos alumnos, el profesor averigua los motivos de la mala comprensión de la tarea y repite su explicación, mostrando algunas técnicas de trabajo.

Sin embargo, no siempre es necesario prevenir las dificultades que enfrentan los estudiantes si el maestro confía en que pueden resolver el problema por sí solos, pero en este caso simplemente les falta paciencia y perseverancia. Además, para fomentar la actividad creativa, es muy importante que el alumno encuentre dificultades y aprenda a superarlas.

La forma de las instrucciones puede no ser la misma para todos los estudiantes. Para algunos, es necesario un tono alentador que despierte interés en el trabajo y confianza en sus capacidades. Los estudiantes seguros de sí mismos deberían ser más exigentes.

Las instrucciones del profesor no deben ser un dictado directo sobre cómo describir el tema, sino que deben hacer pensar al alumno. Al mismo tiempo, no se debe explicar cómo corregir el error; dejar que el alumno lo piense por sí mismo. Los comentarios deben hacerse en un tono amigable para que los estudiantes sientan el interés del profesor por su trabajo.

Las instrucciones individuales no deben atraer la atención de todos los estudiantes, por lo que deben darse en voz baja. Se dan instrucciones durante la lección a todos los estudiantes en caso de que muchos cometan errores. Luego el profesor invita a todos a dejar de trabajar y escuchar su explicación. Estos descansos sólo deben tomarse cuando sean absolutamente necesarios, ya que interrumpen el proceso creativo.

Técnicas de aprendizaje basadas en juegos. eficaz para estudiantes de primaria. Cuanto más pequeño es el niño, más lugar debe ocupar el juego en su crianza y educación. Las técnicas de enseñanza de juegos ayudarán a atraer la atención de los niños hacia la tarea que tienen entre manos y facilitarán el trabajo del pensamiento y la imaginación.

Así, aprender a dibujar en el primer año de estudio comienza con ejercicios lúdicos para hacer más eficaz el proceso de aprendizaje de los niños, por ejemplo, en la creación de las formas lineales más simples e intensificar el desarrollo de los movimientos de las manos. Al utilizar momentos de juego, el docente no debe convertir todo el proceso de aprendizaje en un juego, ya que esto puede distraer a los niños de la tarea educativa e interrumpir el sistema en la adquisición de conocimientos, habilidades y habilidades.

Así, a modo de resumen, podemos concluir que la elección de determinados métodos y técnicas depende de:

– sobre la edad de los estudiantes y su nivel de desarrollo;

– sobre el tipo de materiales visuales que los estudiantes utilizan en la lección.

En las clases donde la atención se centra, por ejemplo, en las tareas de consolidar ideas sobre el mundo que nos rodea, se utilizan métodos verbales, como la conversación, preguntas a los niños, que ayudan al alumno a recordar lo que ha visto. Por ejemplo, la tarea de enseñar composición en temas de la trama requiere una explicación de la imagen en el dibujo, mostrando en el dibujo cómo los objetos distantes se dibujan más arriba y los cercanos más abajo. Sin pensar detenidamente en las tareas que tenemos entre manos, el material del programa de la lección y la edad y las características psicológicas del desarrollo de los escolares de este grupo, no se puede utilizar ni una sola técnica.

Se combinan métodos y técnicas visuales y verbales separados y se contribuyen mutuamente en el proceso de aprendizaje.

Literatura

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1. Arte primitivo. El surgimiento y características del desarrollo de las bellas artes en la sociedad primitiva. Métodos de enseñanza del dibujo en el Antiguo Egipto.

La conversión de los pueblos primitivos a un nuevo tipo de actividad para ellos, el arte, es uno de los mayores acontecimientos de la historia de la humanidad. El arte primitivo reflejó las primeras ideas del hombre sobre el mundo que lo rodeaba, gracias a él se conservaron y transmitieron conocimientos y habilidades, las personas se comunicaron entre sí. La Edad de Piedra (hace más de 2 millones de años hasta el VI milenio a. C.) se divide en Paleolítico. , Mesolítico y Neolítico. Las primeras obras de arte primitivo se crearon hace unos 30 mil años. Las imágenes escultóricas más antiguas son venus paleolítica - figuras femeninas primitivas. Además de mujeres, representaban animales hechos de piedra o hueso. Los habitantes de la Edad de Piedra dieron un aspecto artístico a los objetos cotidianos: herramientas de piedra y vasijas de barro. Más tarde, los artesanos primitivos comenzaron a prestar más atención a los detalles: representaban la lana con trazos y aprendieron a usar colores adicionales) En el duodécimo milenio antes de Cristo. mi. El arte rupestre alcanzó su apogeo. La pintura de esa época transmitía volumen, perspectiva, color y proporciones de figuras y movimiento. Al mismo tiempo, se crearon enormes pinturas pintorescas. lienzos , cubriendo las bóvedas de cuevas profundas. Aún no se ha establecido el momento exacto de creación de las pinturas rupestres. En las paredes de las cuevas están representados decenas de animales de gran tamaño: mamuts y osos de las cavernas. Los colorantes minerales mezclados con agua, grasa animal y savia vegetal hacían que el color de las pinturas rupestres fuera especialmente vibrante. (Cueva de Altamira, Cueva de Lascaux)

Arte mesolítico. En la era Mesolítica, o Edad de Piedra Media (XII-VIII milenio a. C.), (regiones montañosas costeras del este de España, entre las ciudades de Barcelona y Valencia), figuras de personas representadas en rápidos movimientos, composiciones de múltiples figuras y escenas de caza con claras de huevo, sangre, miel.

Arte neolítico (5000-3000 aC) Las pinturas rupestres del Neolítico se volvieron cada vez más esquemáticas y convencionales: las imágenes se parecían sólo ligeramente a una persona o un animal. Así, por ejemplo, se encuentran en Noruega pinturas rupestres de ciervos, osos, ballenas y focas que alcanzan los ocho metros de longitud. Además del esquematismo, se distinguen por una ejecución descuidada. Junto a los dibujos estilizados de personas y animales, aparecen diversas formas geométricas (círculos, rectángulos, rombos y espirales, etc.), imágenes de armas y vehículos (barcos y barcos). Las primeras pinturas rupestres se descubrieron en 1847-1850. en el norte de África y el desierto del Sahara (Tassilin-Ajjer, Tibesti, Fezzan, etc.)

bronce (obtuvo su nombre de la entonces extendida aleación de metal: bronce). La Edad del Bronce comenzó en Europa occidental hace unos cuatro mil años. en la Edad del Bronce elaboraban todo tipo de artículos para el hogar, ricamente decorados con ornamentos y de alto valor artístico. En el III-II milenio antes de Cristo. mi. Aparecieron estructuras enormes y únicas hechas de bloques de piedra, menhires, piedras verticales de más de dos metros de altura. (Península de Bretaña en Francia) Los dólmenes son varias piedras excavadas en el suelo, cubiertas con una losa de piedra, originalmente utilizadas para entierros. Numerosos menhires y dólmenes se ubicaron en lugares considerados sagrados. Particularmente famosas son las ruinas en Inglaterra cerca de la ciudad de Salisbury, las llamadas. Stonehenge (II milenio antes de Cristo). Stonehenge está construido con ciento veinte bloques de piedra que pesan hasta siete toneladas cada uno y tiene treinta metros de diámetro.

En el resto de Egipto, surgió y se fortaleció una escuela de arte especial, y la formación se llevó a cabo de forma sistemática. El método y sistema de enseñanza para todos los profesores era el mismo, porque los cánones aprobados prescribían la más estricta observancia de las normas establecidas. El primero en la historia de la cultura humana sentó las bases para la justificación teórica del dibujo. Aprender a dibujar se basó en la memorización de las reglas y cánones desarrollados. Aunque los cánones facilitaron el estudio de las técnicas del dibujo, limitaron al artista y no le permitieron representar el mundo tal como él lo ve. Dibujo en Dr. Egipto era una materia de educación general y estaba estrechamente relacionada con la enseñanza de la alfabetización escrita. La principal escuela del antiguo reino era la escuela de arquitectos y escultores de la corte de Menfis. Artista Se formaron otras escuelas como centro y alrededor de él. Incluso había un instituto donde estudiaban los jóvenes. Los profesores utilizaron tablas metodológicas especiales. Los principios y métodos se basaban en la frontalidad, todos los dibujos son de naturaleza lineal, no hay tridimensionalidad, perspectiva, claroscuro, había proporciones de figuras de pie, sentadas y otras. Los monumentos de la cultura egipcia proporcionan una gran cantidad de material valioso e interesante para estudiar los métodos de enseñanza de las bellas artes: pinturas en las paredes de tumbas, palacios, templos y artículos para el hogar; dibujos para relieves y, finalmente, dibujos sobre papiros. Los artistas egipcios prestaron especial atención a la representación de la figura humana. La tarea del artista del Antiguo Egipto no incluía una representación real de la vida. La vida para ellos era como un fenómeno temporal, la existencia principal comenzaba después de la muerte. El artista combina diferentes puntos de vista sobre el tema en una imagen: algunas partes de la figura están representadas de perfil (cabeza, piernas), otras, de frente (ojos, hombros). Las características de la pintura del antiguo Egipto eran esencialmente colorantes y durante varios siglos se redujeron a llenar la silueta con un solo color, sin introducir tonos adicionales ni sombras de colores.

2. Métodos de enseñanza de las bellas artes en la antigua Grecia (Éfeso, Sikyon, escuelas tebanas)

Habiendo estudiado métodos de enseñanza en el Dr. En Egipto, los griegos abordaron el problema de la formación y la educación de una manera nueva. Pidieron un estudio cuidadoso de la vida terrenal y no del más allá. En 432 antes de Cristo mi. En Sikyon, el escultor Policleto escribió un ensayo sobre las leyes proporcionales del cuerpo humano y estudió su movilidad interna. La estatua de Doríforo sirvió como ayuda visual.

Polygnot reclamó la realidad de la imagen, dominó los medios del dibujo lineal, buscó transmitir textura sin conocer el claroscuro, dibujó en pintura policromada a tamaño natural. La línea jugó un papel primordial, se mantuvo la claridad y claridad de la imagen.

Apolodoro de Atenas y su alumno Zeusis incluyeron la mezcla de colores, la gradación e introdujeron el claroscuro en la técnica de la pintura. Parrasio introdujo la simetría en la pintura, fue el primero en transmitir las expresiones faciales y logró la primacía en los contornos.

Hacia el siglo IV a.C. mi. El arte griego alcanza un alto nivel de desarrollo. En Grecia se produjeron varias obras famosas. Escuelas de dibujo: Sición, Éfeso y Tebana.

Carretera Fivanskaya -cuyo fundador fue Arístides, o Nicómaco, concedía gran importancia a “los efectos en blanco y negro, la transmisión de sensaciones e ilusiones de la vida”. La escuela de Efeso, cuyo fundador se considera Efrano de Corinto y, según otras fuentes, Zeuxis, se basaba en la "percepción sensual de la naturaleza y la belleza exterior". Esta escuela se esforzó por la ilusión, pero no fue impecable en el dibujo.

Carretera Sikyonskaya -sostener Los datos científicos de las ciencias naturales y las leyes de la naturaleza, buscaban acercar y enseñar al estudiante a respetar las leyes de la estructura de la naturaleza. fundada por Eupompus, se basó en datos científicos de las ciencias naturales y se adhirió estrictamente a las leyes de la naturaleza. Esta escuela exigía “la mayor precisión y rigor en el dibujo”. Tuvo una gran influencia en los métodos de enseñanza del dibujo y en el desarrollo posterior del arte. arte.

Los artistas aprendieron a transmitir en un plano no sólo el volumen (tridimensionalidad) de los objetos, sino también los fenómenos de la perspectiva. Mientras aprendían a dibujar del natural, los artistas griegos también estudiaban anatomía.

Los artistas-maestros griegos establecieron el método correcto de enseñar dibujo, que se basaba en el dibujo del natural. (Policlito. Doríforo. Mármol. Siglo V a.C. Museo Napolitano.)

Las bellas artes del mundo antiguo, en comparación con las egipcias, se enriquecieron con nuevos principios y métodos de construcción de imágenes y, al mismo tiempo, con nuevos métodos de enseñanza. Por primera vez en la historia del desarrollo del dibujo educativo, los artistas griegos introdujeron el claroscuro y dieron ejemplos de construcción en perspectiva de imágenes en un plano, sentando las bases para el dibujo realista de la vida.

Los artistas-maestros griegos establecieron el método correcto de enseñar dibujo, que se basaba en el dibujo del natural. Por primera vez entre los griegos, el dibujo como materia académica recibió la dirección correcta. En este sentido, merecen especial atención la escuela de dibujo de Sikyon y su actual director, Pánfilo, gracias a la cual el dibujo empezó a considerarse como una materia de educación general y se introdujo en todas las escuelas secundarias de Grecia. El mérito de Pánfilo radica en que fue el primero en comprender que la tarea de aprender a dibujar incluye no sólo copiar objetos de la realidad, sino también el conocimiento de las leyes de la naturaleza. Fue el primero en comprender que el dibujo desarrolla el pensamiento espacial y la representación figurativa, necesarios para personas de todas las profesiones. Después de Pánfilo, todos los pensadores progresistas de Grecia empezaron a comprender esto; Se dieron cuenta de que la enseñanza de las artes contribuye al desarrollo integral de la persona.

La era de la antigua Grecia fue la era más brillante en la historia del desarrollo de las bellas artes del mundo antiguo. La importancia de las bellas artes griegas es extremadamente grande. Aquí se estableció el método de comprensión científica del arte. Los artistas-maestros griegos animaron a sus estudiantes y seguidores a estudiar directamente la naturaleza, observar su belleza y señalaron de qué se trataba. En su opinión, la belleza reside en la correcta proporcionalidad de las partes, cuyo ejemplo perfecto es la figura humana. Dijeron que el patrón proporcional del cuerpo humano en su unidad crea una armonía de belleza. El principio fundamental de los sofistas era: "El hombre es la medida de todas las cosas". Esta posición formó la base de todo el arte de la Antigua Grecia.

. Métodos de enseñanza de las bellas artes en la Antigua Roma.

Métodos de enseñanza del dibujo en la antigua Roma.

A los romanos les gustaba mucho el arte. arte, especialmente las obras de artistas griegos. El arte del retrato se generalizó, pero los romanos no introdujeron nada nuevo en la metodología y el sistema de enseñanza, y continuaron utilizando los logros de los artistas griegos. Además, perdieron muchas posiciones valiosas del dibujo al no poder conservarlas. Los artistas de Roma copiaron principalmente las obras de los artistas de Grecia. La modalidad de enseñanza era diferente a la de las escuelas griegas:

En Roma, el maestro estaba más interesado en el aspecto artesanal y técnico del asunto, que en preparar a un artista-artesano (más artesanos para decorar sus casas).

En la enseñanza del dibujo, prevalecía la copia de muestras y la repetición mecánica de técnicas de trabajo, lo que a su vez obligó a los artistas-maestros romanos a desviarse cada vez más de los métodos de enseñanza utilizados por los artistas-maestros de Grecia.

En las técnicas de dibujo, los romanos fueron los primeros en utilizar la sanguina (un hermoso tono marrón rojizo) como material de dibujo: era maleable en el trabajo y se fijaba mejor sobre una superficie lisa que el carbón.

El papel de la cultura antigua fue especialmente importante en el desarrollo del arte realista, en la formación y desarrollo del sistema académico de enseñanza del dibujo. Incluso hoy, ella nos inspira a buscar métodos más efectivos para enseñar bellas artes y desarrollar científicamente métodos para enseñar dibujo.

La sociedad romana necesitaba un gran número de artistas y artesanos para decorar los locales y los edificios públicos. Los periodos de formación eran cortos; El método de enseñanza del dibujo no es científico. el dibujo se volvió convencional y esquemático.

La era del dominio romano, a primera vista, crea todas las condiciones para un mayor desarrollo de métodos de enseñanza del dibujo realista. Los romanos eran muy aficionados a las bellas artes. Valoraron especialmente las obras de los artistas griegos. Los ricos acumularon colecciones de pinturas y los emperadores construyeron pinacotecas (galerías) públicas. El arte del retrato se está generalizando. Las imágenes de personas de esa época están representadas sin ningún adorno. Con una sorprendente veracidad de la vida, transmiten los rasgos individuales de personas de diferentes edades, como, por ejemplo, un retrato pintoresco de Paquius Proculus y su esposa, un niño; retratos escultóricos: Vitelino, el joven Augusto, Julio César, etc.

Muchos nobles nobles y patricios se dedicaban al dibujo y la pintura (por ejemplo, Fabius Pictor, Pedius, Julio César, Nerón, etc.).

Parece que todo fue creado para un mayor desarrollo de las bellas artes y su enseñanza. Sin embargo, en realidad, los romanos no introdujeron nada nuevo en la metodología y sistema de enseñanza del dibujo. Sólo aprovecharon los logros de los artistas griegos; Además, no lograron preservar muchos principios valiosos de la metodología para la enseñanza del dibujo. Como lo demuestran las pinturas de Pompeya que se conservan y los informes de los historiadores, los artistas de Roma copiaron principalmente las creaciones de los artistas notables de Grecia. Algunas pinturas están ejecutadas con gran habilidad, por ejemplo, “La boda de Aldobrandino”. Sin embargo, no pudieron alcanzar la alta habilidad profesional que poseían los famosos artistas de la Antigua Grecia.

Algunas palabras sobre la técnica del dibujo. Los romanos fueron los primeros en utilizar la sanguina como material de dibujo. Las catacumbas contienen vestigios del trabajo de los artistas romanos, que utilizaron sangre para delinear los frescos. Quizás, en mayor medida que los griegos, adoptaron la técnica de trabajo de los artistas egipcios, especialmente en la pintura (utilizando témpera, trabajando sobre lienzo, papiro). Los métodos de enseñanza y la naturaleza de la formación de los artistas diferían de los de las escuelas griegas. Los artistas-maestros griegos intentaron resolver los elevados problemas del arte; llamaron a sus estudiantes a dominar el arte con la ayuda de la ciencia, a luchar por alcanzar las alturas del arte y condenaron a los artistas que abordaban el arte de manera artesanal. En la época del Imperio Romano, el artista-maestro pensaba menos en los grandes problemas de la creatividad artística y se interesaba principalmente por el aspecto artesanal y técnico del asunto;

La sociedad romana necesitaba un gran número de artistas y artesanos para decorar locales residenciales y edificios públicos, por lo que el período de formación no podía retrasarse. Por lo tanto, en la enseñanza del dibujo prevaleció la copia de muestras y la repetición mecánica de técnicas de trabajo, lo que a su vez obligó a los artistas romanos a desviarse cada vez más de aquellos métodos de enseñanza profundamente pensados ​​​​utilizados por los destacados artistas-maestros de Grecia.

4. El dibujo en la Edad Media. Arte y religión

En la era de la Edad Media y el cristianismo, los logros del arte realista quedaron relegados al olvido. Los artistas no conocían los principios de construcción de una imagen en un plano que utilizaron en Dr. Grecia. Se perdieron preciosos manuscritos: obras teóricas de grandes artistas, así como muchas obras famosas que podrían servir de modelo. La idolatría fue sometida a la mayor persecución, todas las estatuas y pinturas fueron rotas y destruidas. Junto con las estatuas y pinturas, pergaminos y notas, dibujos y reglas perecieron; el método de enseñanza del dibujo no era científico. Se considera que la base de la formación es la copia mecánica de muestras y no el dibujo del natural.

Los pintores de los primeros siglos del cristianismo todavía utilizaban las formas artísticas de la pintura antigua. En poco tiempo, las tradiciones del arte realista se olvidaron y se perdieron, y el dibujo se volvió convencional y esquemático.

Se condenó el conocimiento científico del mundo y se suprimió cualquier intento de fundamentar las observaciones de la naturaleza. No se practicaba el estudio de la naturaleza y la naturaleza en el sentido académico.

Casarse. las bellas artes centenarias rechazaban las tendencias realistas porque la naturaleza realista evocaba un sentimiento “terrenal”; todo era aprobado o rechazado por la iglesia; Casarse. Los artistas centenarios no trabajaban del natural, sino de muestras cosidas en cuadernos, que eran bocetos de contornos de composiciones de diversas escenas de iglesias, figuras individuales, motivos de cortinas, etc. Se guiaban por ellos al realizar ambas pinturas murales. y trabajos de pintura de caballete, etc. porque las relaciones laborales en esta época contribuyeron al desarrollo del trabajo artesanal y a la creación de corporaciones. La formación en dibujo la impartió un maestro que no seguía ni un sistema estricto ni métodos de enseñanza claros. En su mayoría, los estudiantes estudiaban solos, observando de cerca el trabajo del maestro.

Los grandes maestros de Grecia se esforzaron por lograr una imagen real de la naturaleza, los artistas de la Edad Media, sometiéndose a los dogmas de la iglesia, se alejaron del mundo real hacia la creatividad abstracta y mística. En lugar de la hermosa desnudez del cuerpo humano, que inspiró y enseñó a los artistas griegos, aparecieron cortinas pesadas, estrictas y angulosas que distrajeron a los artistas del estudio de la anatomía. Haciendo caso omiso de la vida terrenal y preocupándose únicamente por la otra vida, los eclesiásticos consideraban que el deseo de conocimiento era la fuente del pecado. Condenaron el conocimiento científico del mundo y suprimieron cualquier intento de fundamentar las observaciones de la naturaleza.

Los ideólogos de las bellas artes medievales rechazaron las tendencias realistas no porque estuvieran en contra de la interpretación real de las imágenes, sino porque la naturaleza transmitida de manera realista evocaba un sentimiento "terrenal" en el espectador. Una representación creíble de la forma del mundo real infundía alegría en el alma del espectador, lo que iba en contra de la filosofía religiosa. Cuando la interpretación real de la forma, que a veces llegaba al punto de la ilusión naturalista, correspondía a la trama religiosa, era aceptada favorablemente por la iglesia. Conocemos muchas obras de la Edad Media que se distinguen por rasgos realistas. Se parecen a imágenes de personas de esa época.

. El dibujo en el Renacimiento. Artistas del Renacimiento y su contribución a los métodos de enseñanza del dibujo (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Durero, Miguel Ángel. Método de chipping. Método del velo)

El Renacimiento abre una nueva era no sólo en la historia del desarrollo del arte, sino también en el campo de los métodos de enseñanza del dibujo. En este momento, se está reviviendo el deseo de un arte realista, de una transmisión veraz de la realidad. Los maestros del Renacimiento emprendieron activamente el camino de una cosmovisión realista, buscaron revelar las leyes de la naturaleza y establecer una conexión entre la ciencia y el arte. En sus investigaciones se basan en los logros de la óptica, las matemáticas y la anatomía. Las enseñanzas de proporciones, perspectiva y anatomía plástica son el foco de los teóricos y practicantes del arte.

Durante el Renacimiento se restableció el gran respeto por el dibujo. El dibujo debía ser estudiado por todos los que se dedicaban al arte.

El primer trabajo científico, el "Tratado de pintura", pertenece a Cennino Cennini. La base del entrenamiento debe ser aprender de la vida. cree, con razón, que dominar el arte requiere un trabajo diario por parte del alumno. al mismo tiempo, presta demasiada atención a copiar los dibujos de los maestros.

La siguiente obra más reciente sobre dibujo es "Tres libros sobre pintura", creada por el mayor arquitecto florentino Leon Battista Alberti. Esta es la obra más notable de cuanto se ha escrito sobre la teoría del dibujo durante el Renacimiento. Tratado de dibujo y reglas básicas para la construcción de una imagen en un plano. Alberti considera el dibujo como una disciplina científica seria, con leyes y reglas tan precisas y accesibles para estudiar como las matemáticas.

La obra de Alberti es de especial valor desde un punto de vista pedagógico. En su tratado, dio una serie de disposiciones metodológicas y pautas para la enseñanza del dibujo. Escribe que la eficacia de la enseñanza del arte reside, ante todo, en la justificación científica. Alberti concede gran importancia al estudio de la anatomía. Alberti sugiere basar todo el proceso de aprendizaje en el dibujo del natural

Fue el primero en hablar abiertamente sobre el significado profundo del arte, en darse cuenta de la necesidad de enriquecer el arte con la experiencia de la ciencia, de acercar la ciencia a las tareas prácticas del arte. Alberti es un gran científico y artista-humanista.

El siguiente trabajo más reciente en el campo de la teoría del dibujo es "El libro de la pintura" de Leonardo da Vinci. Este libro contiene una amplia variedad de información: sobre la estructura del Universo, sobre el origen y propiedades de las nubes, sobre escultura, sobre poesía, sobre perspectiva aérea y lineal. También hay instrucciones sobre cómo dibujar reglas aquí. Leonardo da Vinci no propone nuevos métodos y principios; básicamente repite principios ya conocidos.

Leonardo da Vinci, al igual que Alberti, cree que la base de la metodología para la enseñanza del dibujo debe ser dibujar del natural. La naturaleza obliga al estudiante a observar atentamente, estudiar las características estructurales del tema de la imagen, pensar y reflexionar, lo que a su vez aumenta la efectividad del aprendizaje y despierta el interés por aprender sobre la vida.

Leonardo da Vinci concedió gran importancia a la educación científica. El propio Leonardo se dedicó a una investigación científica seria. Así, estudiando la estructura anatómica del cuerpo humano, realizó numerosas autopsias de cadáveres y fue mucho más lejos en esta materia que sus contemporáneos.

Leonardo da Vinci también da pautas metodológicas justas para dibujar un objeto del natural. Señala que el dibujo debe comenzar por el todo y no por las partes. Leonardo presta especial atención al dibujo de la figura humana. También es de interés el método de consolidar el material estudiado dibujando de memoria.

Entre los artistas del Renacimiento que se ocuparon de cuestiones educativas, ocupa un lugar destacado el artista alemán Alberto Durero. Sus trabajos teóricos son de gran valor, tanto en el campo de los métodos de enseñanza como en el campo del planteamiento de problemas del arte. Los escritos de Durero contribuyeron en gran medida al desarrollo de los métodos de enseñanza del dibujo. Durero creía que en el arte no se puede confiar únicamente en los sentimientos y la percepción visual, sino que, principalmente, es necesario confiar en el conocimiento exacto; También le preocupaban cuestiones generales de pedagogía, cuestiones de enseñanza y crianza de los niños. Entre los artistas del Renacimiento, pocos pensaron en esto.

Al enseñar dibujo y las leyes de la construcción de una imagen realista de objetos en un plano, Durero puso la perspectiva en primer lugar. El propio artista dedicó mucho tiempo al estudio de la perspectiva. La segunda obra más significativa de Durero, "La doctrina de las proporciones humanas", es el fruto del trabajo de casi toda su vida. Durero resumió todos los datos conocidos sobre este tema y le dio un desarrollo científico, adjuntando una gran cantidad de dibujos, diagramas y dibujos. El artista intentó encontrar las reglas para construir la figura humana mediante pruebas geométricas y cálculos matemáticos.

De gran valor para la pedagogía artística es el método de generalización de la forma desarrollado por Durero (más tarde llamado corte). El método de corte es el siguiente. Representar la forma de un cuerpo geométrico simple, como un cubo, según todas las reglas de la perspectiva lineal, no es particularmente difícil ni siquiera para un dibujante novato. Es muy difícil dar una imagen en perspectiva correcta de una figura compleja, por ejemplo una cabeza, una mano o una figura humana. Pero si generalizas extremadamente una forma compleja a formas geométricas rectilíneas, entonces podrás hacer frente a la tarea fácilmente. El método de corte ayuda al dibujante principiante a resolver correctamente los problemas tonales del dibujo. El método de análisis y construcción de imágenes propuesto por Durero tuvo un efecto sorprendente en la enseñanza y fue utilizado y desarrollado en la práctica pedagógica de los artistas-maestros.

Su trabajo en el campo de la perspectiva ayudó a los artistas a afrontar el difícil problema de construir la forma tridimensional de objetos en un plano. Después de todo, antes que ellos no hubo artistas que supieran construir una imagen en perspectiva de objetos tridimensionales. Los artistas del Renacimiento, de hecho, fueron los creadores de una nueva ciencia. Demostraron la exactitud y validez de sus posiciones tanto teórica como prácticamente. Los pintores del Renacimiento también prestaron mucha atención al estudio de la anatomía plástica. Casi todos los dibujantes estaban interesados ​​​​en las leyes de las relaciones proporcionales entre partes del cuerpo humano. Cada tratado analizó cuidadosamente las proporciones del rostro humano, así como de otras partes del cuerpo. Los maestros del Renacimiento utilizaron hábilmente los datos de sus observaciones en la práctica de las bellas artes. Sus obras sorprenden al espectador con su profundo conocimiento de la anatomía, la perspectiva y las leyes de la óptica. Utilizando estas ciencias como base para las bellas artes, los artistas del Renacimiento prestaron especial atención al dibujo. El dibujo, afirmaron, contiene todo lo más importante que se requiere para un trabajo creativo exitoso.

El método de dibujar de la vida usando un velo se basa en el principio de estricto cumplimiento de las leyes de la perspectiva. Para que el artista pudiera mantener estrictamente un nivel de visión constante y, en el dibujo, un punto de fuga constante, Alberti propuso utilizar un dispositivo especial: una cortina.

. Sistema académico de educación artística en los siglos XVI-XII (ideas pedagógicas de J. A. Comenius, D. Locke, J. J. Rousseau, Goethe)

A finales del siglo XVI aparecieron nuevas direcciones en el campo de la educación artística y la educación estética, nuevos principios y directrices pedagógicos. La metodología de enseñanza del dibujo comenzó a estructurarse de manera diferente. El siglo en la historia de los métodos de enseñanza del dibujo debe considerarse como el período de formación del dibujo como materia académica y del desarrollo de un nuevo sistema de enseñanza pedagógico: el académico. El rasgo más característico de este período es la creación de instituciones educativas especiales: academias de arte y escuelas de arte, donde se enfatizó seriamente la enseñanza del dibujo.

La más famosa fue la Academia de Bellas Artes de Bolonia, fundada por los hermanos Carracci. Los estudiantes de la Academia estudian anatomía a fondo, no a partir de libros, sino diseccionando cadáveres. Los Carracci desarrollaron detalladamente una metodología de enseñanza, considerando el dibujo como la base de las bellas artes. En sus lineamientos metodológicos indicaron que el artista debe apoyarse en los datos de la ciencia, en la razón, porque la mente enriquece el sentimiento. Las academias tenían como objetivo proporcionar una formación seria en el campo de las bellas artes. Educaron a los jóvenes utilizando ejemplos del gran arte de la antigüedad y el Renacimiento. El tradicionalismo se convirtió en un rasgo característico de todas las academias posteriores. Al estudiar el patrimonio y percibir la cultura artística de sus predecesores, las academias trasladaron todo esto a la siguiente generación de artistas, protegiendo estrictamente la gran e inquebrantable base sobre la que se creó esta tradición.

Junto con las academias estatales, siguieron existiendo escuelas privadas, donde los estudiantes recibían una formación profesional bastante sólida. El taller más grande y mejor equipado con material didáctico fue el del mayor artista flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640). En el siglo XVII fue la mejor escuela de dibujo entre los talleres privados. Los alumnos de Rubens fueron artistas muy famosos y excelentes dibujantes. En la enseñanza del dibujo, Rubens concedía especial importancia a la evidencia científica de las leyes de la perspectiva, el claroscuro y la anatomía plástica.

Por primera vez después de Pánfilo, el gran educador checo Jan Amos Comenius (1592-1670) expresó la idea de los beneficios del dibujo como materia de educación general en su "Gran Didáctica". Es cierto que Comenius aún no había decidido incluir el dibujo en el plan de estudios escolar como materia obligatoria. Sin embargo, el valor de estos pensamientos radicaba en que estaban estrechamente relacionados con cuestiones de pedagogía. En el Capítulo XXI de la “Gran Didáctica”, titulado “El Método de las Artes”, se indica que para aprender el arte se deben observar tres requisitos: el uso correcto y la dirección razonable;

Komensky, considerando el dibujo como una materia de educación general, no distingue marcadamente los métodos y sistemas de enseñanza del arte en la educación general y las escuelas especiales. Se basa en el sistema ya establecido de enseñanza del dibujo en las academias de arte, en métodos de enseñanza probados.

Casi simultáneamente con Comenius, el profesor y filósofo inglés John Locke (1632-1704) comenzó a defender el valor educativo general del dibujo. En su libro “Reflexiones sobre la educación” escribe: “Si un niño ha adquirido una letra hermosa y rápida, no sólo debe mantenerla con una cuidadosa práctica de la escritura, sino también mejorar su arte mediante el dibujo. Cuando viaje, el dibujo será beneficioso para el joven; A menudo, con algunas características podrá representar edificios, automóviles, ropa y otras cosas que no pueden explicarse mediante descripciones detalladas. Pero no quiero que se convierta en pintor; Esto requeriría más tiempo del que le queda para otras actividades importantes”. Sin embargo, J. Locke no da instrucciones metodológicas sobre la enseñanza del dibujo; se limita únicamente a discusiones generales sobre los beneficios de aprender a dibujar.

El filósofo y enciclopedista francés Jean Jacques Rousseau (1712-1778) habló con más detalle sobre el dibujo como materia de educación general. En su libro "Emile", Rousseau escribe que para comprender la realidad circundante, son de gran importancia los sentidos que se pueden desarrollar en un niño, enseñándole a sacar provecho de la vida. Rousseau señala correctamente que las clases de dibujo deben realizarse en la naturaleza, ya que en la naturaleza el alumno puede ver claramente los fenómenos de la perspectiva y comprender sus leyes. Además, al observar la naturaleza, el alumno desarrolla su gusto, aprende a amar la naturaleza y comienza a comprender su belleza. Rousseau cree que aprender a dibujar debe ocurrir exclusivamente por naturaleza. En este sentido, Rousseau se toma la metodología de la enseñanza del dibujo más en serio que sus predecesores. Las ideas pedagógicas de Comenius, Locke y Rousseau enriquecieron significativamente la teoría y la práctica del arte. Sus trabajos teóricos sirvieron de impulso para un mayor desarrollo de la pedagogía artística.

Durante este período, la autoridad de la academia se fortaleció no sólo como institución educativa, sino también como pionera en los gustos artísticos. Reconociendo el arte antiguo como el ejemplo más elevado y basándose en las tradiciones del Alto Renacimiento, casi todas las academias europeas están comenzando a crear una escuela ideal de bellas artes en el sentido amplio de la palabra. El dibujo en el sistema de educación artística todavía se considera la base. Pero aprender a dibujar de la vida comienza con el estudio de ejemplos clásicos de la antigüedad. Sólo un estudio serio de las esculturas griegas antiguas ayudará a un principiante a aprender las leyes de la naturaleza y el arte; sólo los ejemplos clásicos revelarán al artista las ideas y las leyes de la belleza, argumentaban en las academias.

La posición sobre los beneficios del dibujo como materia de educación general fue expresada por el gran maestro checo A. Komensky en su "Gran didáctica". Es cierto que Comenius aún no había decidido incluir el dibujo en el plan de estudios escolar como materia obligatoria. Pero el valor de sus pensamientos sobre el dibujo radicaba en que estaban estrechamente relacionados con cuestiones de pedagogía. De particular valor para nosotros son los pensamientos de Comenius sobre la necesidad de estudiar los métodos de enseñanza. Casi simultáneamente con Comenius, el profesor y filósofo inglés John Locke comenzó a defender el valor educativo general del dibujo. Sin embargo, al no ser un especialista, J. Locke no pudo dar instrucciones metodológicas en la enseñanza del dibujo. Se limitó a discusiones generales sobre los beneficios del aprendizaje. El filósofo y enciclopedista francés Jacques-Jean Rousseau habló más en detalle sobre el dibujo como materia de educación general. Creía que el dibujo debía enseñarse exclusivamente a partir de la naturaleza y que el niño no debía tener otro maestro que la propia naturaleza. Johann Wolfgang Goethe expresó muchas ideas valiosas sobre la metodología de la enseñanza del dibujo. Para dominar el arte del dibujo se necesita conocimiento, conocimiento y conocimiento, afirmó. Las ideas pedagógicas de Comenius, Locke, Rousseau y Goethe enriquecieron la teoría y la práctica de la enseñanza del dibujo. Sus trabajos teóricos sirvieron de impulso para un mayor desarrollo del pensamiento pedagógico en general y en el campo de los métodos de enseñanza del dibujo en particular.

. El papel de I.G. Pestalozzi en el desarrollo del dibujo como asignatura de educación general. Discípulos y seguidores de I. G. Pestalozzi (I. Schmidt, P. Schmidt, hermanos Dupuis)

En el siglo XVIII y la primera mitad del XIX, el dibujo comenzó a ganar firmemente su lugar en las escuelas secundarias. Esto fue iniciado por el maestro suizo Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), a quien los profesores de arte llamaron no casualmente el padre de los métodos escolares. Pestalozzi considera el dibujo en la escuela como una asignatura de educación general. Todo conocimiento, en su opinión, proviene del número, la forma y la palabra. El primer paso hacia el conocimiento es la contemplación. Para poder pensar correctamente, es necesario considerar correctamente la naturaleza circundante. Dibujar es la forma más perfecta de adquirir esta habilidad. Según Pestalozzi, el dibujo debería tener un papel especial en la escuela primaria. En su diario, que trata de la crianza de su hijo, el dibujo ocupa un lugar central. Las clases diarias comienzan con el dibujo. El dibujo, sostiene Pestalozzi, debe preceder a la escritura, no sólo porque facilita el proceso de dominar el contorno de las letras, sino también porque es más fácil de asimilar.

El propio Pestalozzi, según sus contemporáneos, no sabía dibujar, por lo que no da reglas claras y definidas para la enseñanza del dibujo, limitándose a observaciones pedagógicas generales. Pero sus instrucciones didácticas e ideas pedagógicas fueron tan importantes y vitales que sirvieron de base para un mayor desarrollo de los métodos de dibujo en las escuelas secundarias.

Pestalozzi concede gran importancia a los métodos de enseñanza. El éxito de aprender a dibujar, afirma Pestalozzi, depende de un sistema bien construido. Los artistas piensan poco en los métodos de enseñanza; toman caminos indirectos, por lo que su arte es accesible sólo a unos pocos elegidos (especialmente los más talentosos). Sin embargo, a todo el mundo se le pueden enseñar los conceptos básicos del dibujo, y el dibujo, que tiene una gran importancia educativa general, debería ocupar un lugar en la escuela junto con otras materias académicas.

Pestalozzi expuso plenamente sus puntos de vista sobre las técnicas de dibujo en el libro "Cómo enseña Gertrudis a sus hijos". El mérito de Pestalozzi también radica en que consideró necesario guiarse por las características de edad de los estudiantes a la hora de desarrollar un sistema de enseñanza.

Según Pestalozzi, integrar el material educativo en un sistema coherente y establecer una estrecha conexión entre el conocimiento y las habilidades de dibujo necesariamente desarrollará en los estudiantes la capacidad de aplicarlos conscientemente en el trabajo independiente.

Pestalozzi cree que aprender a dibujar debe darse desde la vida, ya que la naturaleza es accesible a la observación, el tacto y la medición. De acuerdo con esta actitud, define el propio término “dibujo” como el establecimiento de la forma a través de líneas; La magnitud de la forma, señala, se puede establecer mediante mediciones precisas. Según Pestalozzi, es el dibujo de la vida lo que desarrolla al niño: basta con enseñarle a dibujar modelos tomados de la vida real y de la naturaleza que lo rodea; Incluso si estos primeros contornos son imperfectos, su valor de desarrollo es mucho mayor que el de imitaciones, es decir, de dibujos ya hechos. En el dibujo, Pestalozzi concede gran importancia a los métodos de desarrollo del ojo. La capacidad de medir es el ABC de la observación.

Sus comentarios generales son de gran valor. El mérito de Pestalozzi radica en el hecho de que fue el primero en combinar la ciencia de la enseñanza escolar con el arte y planteó la cuestión de la necesidad de un desarrollo metodológico de cada posición del dibujo. Creía que para el desarrollo del ojo debería haber un método, para comprender las formas, otro, para la tecnología, un tercero. Este trabajo fue realizado por sus alumnos y seguidores.

Después de Pestalozzi, el dibujo como asignatura de educación general comenzó a introducirse en todas las escuelas primarias. Las ideas pedagógicas de Pestalozzi se desarrollan aún más. El primero de estos trabajos es el libro “Elementos de dibujo basados ​​en las ideas de Pestalozzi”, escrito por su alumno Joseph Schmidt. Al aprender a dibujar, I. Schmidt sugiere realizar ejercicios especiales: desarrollar la mano y prepararla para dibujar; ejercicios para crear y encontrar formas hermosas; ejercicios de dibujo geométrico de objetos en perspectiva;

Para facilitar el trabajo a los estudiantes, I. Schmidt propone colocar detrás de la naturaleza una hoja de cartón en la que está representada una cuadrícula de cuadrados. Al dibujar un modelo natural, el estudiante siempre podía comprobar la inclinación y la naturaleza del contorno (silueta) del objeto en relación con las líneas verticales y horizontales, y las celdas ayudaban a encontrar correctamente las proporciones. Después del curso inicial de dibujo, Schmidt aconseja pasar al dibujo artístico, donde el alumno comienza a dibujar una persona, primero a partir de un modelo de yeso y luego a partir de un modelo vivo. El curso finaliza dibujando árboles y paisajes del natural.

Otro alumno de Pestalozzi, Ramsauer, publicó una obra titulada “Enseñanza del dibujo”, donde se esboza por primera vez la idea de dibujar en una pizarra. El nuevo método era el siguiente: se dibujaban todo tipo de líneas en una gran pizarra en forma de ejercicios preliminares, se proponían ejercicios para desarrollar el ojo: dibujar líneas en ciertos puntos, dividir líneas en partes, dibujar líneas en un ángulo determinado ( inclinación). La siguiente etapa fue dibujar figuras geométricas y formas características de la naturaleza y el arte. El profesor debe representar todo esto en la pizarra y los estudiantes deben seguir el surgimiento y desarrollo de cada forma. El curso finalizó dibujando del natural, primero artículos del hogar, luego cabezas de yeso y finalmente una cabeza viva.

Las obras del profesor de arte berlinés Peter Schmid tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la metodología escolar. Introdujo por primera vez en las escuelas secundarias y desarrolló en detalle el método de dibujar del natural, utilizando para ello varios modelos geométricos. Schmid inició el desarrollo del llamado método geométrico. El mérito de Schmid fue que desarrolló una metodología para la enseñanza del dibujo, basada en principios pedagógicos generales. Según Schmid, el dibujo no es sólo un ejercicio mecánico de la mano, es también una gimnasia de la mente, y también se ejercita la observación, el sentido general de la forma y la imaginación. La secuencia de enseñanza del dibujo, según Schmid, debe ser la siguiente: primero, una imagen de la forma más simple: un paralelepípedo, luego una imagen de las formas curvilíneas de los objetos, y así gradualmente el estudiante es llevado a dibujar con cabezas de yeso y bustos. Cada tarea determina la siguiente, y la siguiente presupone la anterior y se basa en ella.

Schmid consideraba que copiar imágenes no sólo no aportaba ningún beneficio al estudiante, sino incluso perjudicial. Dijo que copiar sólo ayuda a adquirir una habilidad mecánica y de ninguna manera contribuye al desarrollo mental de los niños.

En la primera mitad del siglo XIX, el método de los hermanos Dupuis se generalizó en las escuelas secundarias. El método de enseñanza del dibujo de Dupuy se estructuró de la siguiente manera: primero, los estudiantes estudian y representan los modelos más simples (alambre) sin fenómenos de perspectiva, frontalmente, luego, modelos de alambre con cortes en perspectiva. A esto le sigue el dibujo de figuras planas, seguidas de figuras tridimensionales. La secuencia metodológica al dibujar cada grupo de modelos se siguió de la misma manera: primero, una imagen frontal del modelo, luego, una en perspectiva.

El método de enseñanza del dibujo de los hermanos Dupuis tenía una característica más: al principio los estudiantes dibujaban en pizarras con tiza y, cuando adquirieron cierta habilidad en el dibujo, pasaron a trabajar en papel. Para desarrollar el sentido de la forma, Dupuis introdujo clases de modelado en arcilla.

El método de enseñanza del dibujo de los hermanos Dupuis no ha perdido su importancia hasta el día de hoy. Algunos modelos desarrollados por él son utilizados por artistas-profesores. Así, los profesores de la facultad de arte y gráfica del Instituto Pedagógico Estatal de Moscú llevan su nombre. V. I. Lenin, al enseñar dibujo según el método de D. N. Kardovsky, se utilizan modelos Dupuis.

. Dibujo en Rusia del siglo XVIII. (Preysler, GA Gippius)

Hasta el siglo XVIII, el principal método de enseñanza del dibujo era el método de copia. Como materia de educación general, el dibujo aún no había recibido un desarrollo generalizado; comenzó a introducirse en las instituciones educativas recién a principios del siglo XVIII;

El fortalecimiento del poder de Rusia y las reformas de Pedro 1 provocaron un aumento general de la cultura en el país. Había una gran necesidad de personas que pudieran dibujar mapas, hacer dibujos e ilustrar libros.

En 1711, en la imprenta de San Petersburgo, Pedro I organizó una escuela de dibujo secular, donde los estudiantes no solo copiaban originales, sino que también dibujaban del natural.

Se invita a profesores-artistas del extranjero y se celebran contratos con ellos.

El dibujo está empezando a introducirse ampliamente en las instituciones educativas. Para organizar adecuadamente la metodología de la enseñanza del dibujo en estas instituciones educativas, se publicó el libro de I. D. Preisler “Reglas fundamentales o una breve guía para el dibujo artístico”. Este fue el primer método serio. Un manual sobre dibujo en Rusia. El libro de Preisler nos interesa especialmente desde un punto de vista metodológico. El manual describe un sistema específico para la enseñanza del dibujo. El libro dio instrucciones no solo a los aspirantes a artistas, sino también a quienes enseñaban dibujo.

La formación en el sistema Preisler comienza con una explicación del propósito de las líneas rectas y curvas en el dibujo, luego de las figuras geométricas y los sólidos y, finalmente, de las reglas para su uso en la práctica. El autor, con coherencia metodológica, muestra al alumno cómo dominar el arte del dibujo, pasando de lo simple a lo complejo.

Cualquiera que sea el objeto que Preysler ofrece para dibujar, primero intenta ayudar al estudiante a enfrentar las dificultades de analizar la forma del objeto y construirlo en un plano. Muestra claramente cómo construir sistemáticamente una imagen).

Como la mayoría de los artistas-profesores de esa época, Preysler basó su enseñanza del dibujo en la geometría. La geometría ayuda al dibujante a ver y comprender la forma de un objeto y, al representarlo en un plano, facilita el proceso de construcción. Sin embargo, advierte Preisler, el uso de figuras geométricas debe combinarse con el conocimiento de las reglas y leyes de la perspectiva y la anatomía plástica.

Preysler concede gran importancia a la capacidad de dominar el dibujo lineal.

El manual de Preysler fue muy apreciado por sus contemporáneos; fue reimpreso varias veces tanto en el extranjero como en Rusia. En ese momento, no había un desarrollo metodológico más detallado y claro sobre el dibujo educativo, por lo que el trabajo de Preisler en Rusia se utilizó durante mucho tiempo no solo en instituciones de educación general, sino también en escuelas de arte especiales.

Esta valoración del método de Preisler no puede considerarse correcta desde un punto de vista histórico. No es casualidad que su trabajo fuera un gran éxito durante todo un siglo, aunque durante este tiempo se publicaron muchos manuales y ayudas de dibujo diferentes tanto en Rusia como en el extranjero. Por supuesto, hoy en día se pueden encontrar fallos en el libro de Preisler, pero en aras de la verdad histórica hay que señalar que para su época era la mejor guía. El conocimiento que el estudiante recibió gracias al estudio del curso de Preysler le ayudó en el futuro a dibujar de la vida, así como a dibujar de la memoria y de la imaginación, lo cual es tan importante para un artista.

Así, a finales del siglo XVIII, el dibujo como materia de educación general comenzó a generalizarse. En este momento, Rusia se convirtió en una potencia poderosa. En relación con el desarrollo de la vida económica y social del país, ha aumentado considerablemente la necesidad de personas con alfabetización visual y capacidad para dibujar y dibujar.

Aparecen una serie de trabajos teóricos que demuestran la necesidad de dominar las habilidades gráficas y enfatizan la importancia del dibujo como materia de educación general.

En 1844, G. A. Gippius publicó la obra “Ensayos sobre la teoría del dibujo como materia de educación general”, dedicada al dibujo como materia de educación general. Este fue el primer trabajo importante sobre este tema; abarcó tanto cuestiones teóricas generales de pedagogía y bellas artes, como cuestiones de métodos de enseñanza del dibujo.

Se hizo mucho durante este período en el campo de la publicación de diversos manuales, manuales y tutoriales sobre dibujo.

El libro se divide en dos partes: teórica y práctica. La parte teórica describe los principios básicos de la pedagogía y las bellas artes. La parte práctica revela la metodología de enseñanza.

Gippius se esfuerza por fundamentar científica y teóricamente cada posición de la metodología para la enseñanza del dibujo. Considera el proceso de enseñanza en sí de una manera nueva. La metodología de enseñanza, dice Gippius, no debe seguir un modelo determinado; se pueden lograr buenos resultados utilizando diferentes métodos de enseñanza. En este sentido, Gippius anticipa la comprensión moderna de la metodología de la enseñanza como el arte de enseñar. Para aprender a dibujar correctamente es necesario aprender a razonar y pensar, dice Gippius, y esto es necesario para todas las personas y debe desarrollarse desde la niñez. Gippius ofrece muchos consejos y recomendaciones metodológicos valiosos en la segunda parte de su libro. Los métodos de enseñanza, según Gippius, deberían basarse no sólo en datos del trabajo práctico, sino también en datos de la ciencia y, sobre todo, de la psicología. Gippius exige mucho a su maestro. Un profesor no sólo debe saber y ser capaz de hacer mucho, sino también actuar ante los alumnos como actor. El trabajo de cada estudiante debe estar en el campo de visión del maestro.

Gippius vincula estrechamente la provisión de equipos y materiales a la clase con cuestiones de metodología.

El trabajo de G. A. Gippius fue una contribución significativa a la teoría y la práctica de la enseñanza del dibujo como materia de educación general; enriqueció enormemente los métodos de enseñanza;

No encontramos en nadie, ni siquiera en el más destacado representante del pensamiento pedagógico, un estudio tan serio y profundo de las cuestiones de la metodología de la enseñanza en ese período. Todos ellos se limitaron a la presentación de principios teóricos generales de la pedagogía en los que debía basarse la metodología; Los artistas-maestros prestaron especial atención a las reglas del dibujo. Mientras tanto, el grueso de los profesores necesitaba precisamente la divulgación de la propia metodología de enseñanza, y en este sentido Gippius hizo algo de gran importancia. Muchos investigadores de la historia de los métodos de enseñanza del dibujo omitieron estos puntos importantes en sus trabajos.

9. La educación artística en el siglo XIX. Escuelas de dibujo. “Curso de dibujo” y ayudas visuales de A. P. Sapozhnikov

Un rasgo característico de la vida artística de Rusia en el siglo XIX es la búsqueda activa de formas y métodos de educación y crianza artística de los miembros de la sociedad. En este sentido, la apertura de escuelas de arte en varias ciudades, la publicación de asociaciones y organizaciones artísticas, la promoción de las artes a través de actividades expositivas y editoriales.

En 1804 Los estatutos escolares introducen el dibujo en todas las escuelas y gimnasios del distrito.

1706-97 apareció la Escuela de Dibujo creada por Peter<#"justify">El método reveló de forma clara y sencilla los conceptos más complejos relacionados con la construcción de una imagen tridimensional en un plano y supuso una revolución en la labor educativa. Porque la mejor manera de ayudar a un estudiante a construir correctamente una imagen de la forma de un objeto es simplificarla al comienzo del dibujo: determinar el geómetra. la base de la forma del objeto, y luego pasar al refinamiento. El método de Sapozhnikov tenía mucho en común con el método de Dupuis, pero se publicó antes (Sapozhnikov, en 1834, y Dupuis, en 1842). Casi todos los métodos modernos incluyen el sistema de A. Sapozhnikov como base.

10. Puntos de vista pedagógicos de P.P. Chistyakova

Características de la escuela de arte de dibujo de P. P. Chistyakov.

P. P. Chistyakov creía que la Academia de Artes de la época en que enseñaba (1872-1892) necesitaba reformas y nuevos métodos de trabajo con los estudiantes, era necesario mejorar los métodos de enseñanza del dibujo, la pintura y la composición.

Desde 1871, Chistyakov participó activamente en la producción de dibujos en las escuelas secundarias.

El sistema de enseñanza de Chistyakov cubría varios aspectos del proceso artístico: la relación entre la naturaleza y el arte, el artista y la realidad, la psicología de la creatividad y la percepción, etc. El método de Chistyakov educó no solo a un artista-maestro, sino a un artista-creador. Chistyakov concedió una importancia decisiva al dibujo en su sistema, exigió penetrar en la esencia misma de las formas visibles y recrear su convincente modelo constructivo en el espacio convencional de una hoja. La ventaja del sistema de enseñanza de Chistyakov era la integridad, la unidad a nivel metodológico de todos sus elementos, la progresión lógica de una etapa a otra: del dibujo al claroscuro, luego al color y a la composición.

Le dio gran importancia al color, viendo el color como el medio más importante de expresividad figurativa y revelando el contenido de una obra.

La composición de un cuadro es el resultado de la formación del artista, cuando ya era capaz de comprender los fenómenos de la vida circundante, resumir sus impresiones y conocimientos en imágenes convincentes. “Según la trama y la técnica”, era la expresión favorita de Chistyakov.

Los métodos de enseñanza del dibujo de Chistyakov son comparables a los métodos de las famosas escuelas de arte de Munich.

Durante muchos años de enseñanza, Chistyakov desarrolló un "sistema de dibujo" especial. Enseñó a ver la naturaleza tal como existe y como aparece, a combinar (pero no mezclar) los principios lineales y pictóricos, a conocer y sentir el objeto, independientemente de lo que deba representarse, ya sea una hoja de papel arrugada, un yeso o una trama histórica compleja. En otras palabras, las principales disposiciones del “sistema” eran la fórmula para una “relación viva con la naturaleza”, y el dibujo era una forma de entenderla.

Los métodos de Chistyakov, bastante comparables a los métodos de las famosas escuelas de arte de Munich, su capacidad para adivinar el lenguaje especial de cada talento y su actitud cuidadosa hacia cualquier talento dieron resultados sorprendentes. La variedad de personalidades creativas de los estudiantes de maestría habla por sí sola: estos son V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov y otros.

Al analizar las actividades docentes de P. P. Chistyakov, es posible identificar los principales componentes de su sistema de trabajo, gracias a los cuales se logró un alto nivel de calidad en la enseñanza del dibujo. Consistió en la interacción de los siguientes componentes: las metas y objetivos de la enseñanza como punto de partida para el funcionamiento del sistema pedagógico; contenido de material educativo con base científica; el uso de diversos tipos y formas de clases, gracias a las cuales se organizaron actividades para que los estudiantes dominaran la alfabetización artística en dibujo; diversas formas de control, con la ayuda de las cuales se evitaron posibles desviaciones de las tareas asignadas al realizar el dibujo; Se produjo la superación personal constante del propio P.P. Chistyakov, que tenía como objetivo, en primer lugar, mejorar el impacto positivo en los estudiantes. Además, una parte integral del sistema de trabajo de Pavel Petrovich Chistyakov era una relación construida con los estudiantes, que tenía un enfoque humanista, orientado a la comunicación con los estudiantes, el diálogo y el respeto por el individuo. P. P. Chistyakov (1832-1919) es conocido no sólo como artista, sino también como un destacado profesor, cuyos muchos años de trabajo en la Academia de las Artes determinaron en gran medida el destino de la escuela realista de pintura en Rusia a finales del siglo XIX. - principios del siglo XX. Las opiniones pedagógicas de P. P. Chistyakov ya recibieron reconocimiento en la época soviética y se resumieron en una serie de obras de crítica de arte. A pesar de la existencia de una serie de obras dedicadas a las actividades de Chistyakov, su sistema pedagógico es de naturaleza tan revolucionaria y no encuentra analogías en la teoría y la práctica de otras escuelas de arte nacionales. La solución audaz y coherente a los problemas acuciantes del arte moderno que encontró Chistyakov no se basó en el rechazo, sino en el uso integral de las tradiciones existentes, lo que le permitió crear una escuela. fundamentalmente nuevo, formado por los más grandes maestros de la pintura rusa de finales del siglo pasado y principios de este siglo. El sistema de Chistyakov no fue un experimento simple, aunque talentoso, de un maestro maravilloso. Todos sus lados fueron construidos en la perspectiva del arte que expresaba y servía. Y esta dinamita interna contenida en él determinó el desarrollo ulterior de la pintura nacional, que (algunas de sus disposiciones han conservado su significado en nuestro tiempo). El sistema de Chistyakov es científico y artístico en el sentido más amplio y profundo de estos conceptos. Este sistema se basó en una revisión completa de los métodos de enseñanza previamente existentes y al mismo tiempo sirvió para sistematizarlos y repensarlos a partir de nuevas premisas ideológicas. El papel principal en el sistema de enseñanza de Chistyakov lo desempeñaba el plano pictórico, que actuaba como intermediario entre la vida y el pintor y ayudaba a comparar la imagen con la naturaleza. Por eso Chistyakov llamó a su sistema de dibujo en su conjunto “sistema de dibujo de prueba”. Considerar el dibujo como una materia académica seria; Chistyakov señaló que sus métodos de enseñanza deberían basarse en las leyes de la ciencia y el arte. El profesor no tiene derecho a engañar al alumno con su razonamiento subjetivo; está obligado a proporcionarle conocimientos fiables. Las ideas de Chistyakov sobre la relación entre el profesor y los alumnos son de gran valor para nosotros. “Un verdadero maestro, desarrollado y bueno, no golpea al alumno con un palo; en caso de error, fracaso, etc., trata de explicar cuidadosamente la esencia y lo hace con habilidad para guiarlo por el verdadero camino”. A la hora de enseñar a los estudiantes a dibujar, debemos esforzarnos en intensificar su actividad cognitiva. El profesor debe dar instrucciones, prestar atención a lo principal y el alumno debe resolver estos problemas por sí mismo. Para poder resolver correctamente estos problemas, el profesor necesita enseñar al alumno no sólo a prestar atención a la materia, sino también a ver sus aspectos característicos. En el dibujo educativo las cuestiones de observación y conocimiento de la naturaleza juegan un papel primordial. Al igual que aprender a dibujar, Chistyakov divide la ciencia de la pintura en varias etapas. La primera etapa consiste en dominar la naturaleza figurativa del color, desarrollando en el joven artista la capacidad de ser preciso en la determinación del tono del color y en la búsqueda de su posición espacial correcta. La segunda etapa es enseñar al estudiante a comprender el movimiento del color en la forma como el principal medio para transmitir la naturaleza, la tercera es enseñar cómo resolver ciertos problemas argumentales y plásticos con la ayuda del color. Chistyakov fue un verdadero innovador que se volvió pedagogía. hacia una alta creatividad. Teniendo en cuenta las exigencias modernas del arte, no solo revisó ciertos aspectos de la enseñanza, sino que también la revolucionó por completo, desde la cuestión de la relación del arte con la realidad hasta las habilidades y habilidades profesionales. Su sistema de enseñanza formó a un artista en el verdadero sentido de la palabra. La maestría surgió como la madurez del artista, y no como la base artesanal de su trabajo. El sistema se basó en un reflejo objetivo y profundamente realista del mundo a través de los sentimientos y la comprensión de la vida del artista. Chistyakov fue uno de los primeros en demostrar que una imagen artística no es la sistematización que hace el pintor de lo que ve, sino una expresión de su propia experiencia.

. Dibujo en educación general e instituciones de educación especial de Rusia en los siglos XVIII y XIX. Métodos de enseñanza del dibujo en la Academia Imperial de las Artes.

La idea de la importancia de la educación artística en las instituciones de educación primaria, secundaria y superior de diversas especialidades no artísticas y la formación sistemática de los estudiantes en bellas artes junto con otras materias de educación general (lectura, escritura, aritmética) en la pedagogía doméstica. fue formulado en el siglo XVIII.

Educación artística profesional en Rusia en el siglo XVIII. Se podía obtener en talleres privados (I. Argunov, P. Rokotov), ​​​​en la Escuela de Dibujo, organizada por Pedro I en 1711 en la Imprenta de San Petersburgo. Desde 1758, la Academia de las Tres Artes Más Notables se convirtió en el centro científico y metodológico de la educación artística.

La metodología para enseñar “dibujo” se inspiró en la Academia de las Artes: dominar las habilidades técnicas en el proceso de copiar muestras. Como originales para que los estudiantes los copiaran en las escuelas, utilizaron "Reglas fundamentales o una breve guía para el dibujo artístico" de I. D. Preysler, "Curso de dibujo" de A. P. Sapozhnikov

Así, a finales del siglo XVIII. El dibujo como asignatura de educación general se ha generalizado. En relación con el rápido desarrollo de la industria y la planificación urbana, ha aumentado el número de empresas industriales, ha aumentado la necesidad de personas con alfabetización visual y capacidad para dibujar y dibujar, lo que afectó la inclusión de la asignatura "Dibujo" en el plan de estudios.

La Academia de las Artes es una institución de educación superior especializada y su papel en la vida de Rusia fue fundamental. Inicialmente, las academias de arte eran estudios privados y comunidades creativas de maestros de arte, su objetivo era preservar y desarrollar las más altas tradiciones del arte, orientar la formación de puntos de vista estéticos, criterios y normas de la creatividad artística y crear una escuela de arte y educación profesional en este sentido. base.

En Rusia, la primera Academia de las Artes se fundó en 1757 en San Petersburgo como la "Academia de las tres artes más nobles": pintura, escultura y arquitectura. En 1764 se creó la Academia Imperial de las Artes con su Escuela de Educación. A lo largo de su historia, la Academia de San Petersburgo ha sido el principal centro ruso de educación artística. Los arquitectos, escultores, pintores y grabadores rusos más importantes recibieron una formación estricta y exigente en la Academia.

Desde sus inicios, la Academia de las Artes no solo fue una institución educativa y educativa, sino también un centro de iluminación artística, ya que organizaba exposiciones regularmente. Bajo su mando se fundaron museos y una biblioteca científica, que todavía forman parte de la estructura de la academia.

Un importante ámbito de actividad de la Academia de las Artes en el siglo XX. fue la formación de historiadores del arte y profesores de historia del arte para museos e instituciones educativas en Rusia. En 1944, el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura, creado sobre la base de la Academia de las Artes de Rusia, recibió el nombre del gran pintor ruso I. E. Repin.

El instituto mantuvo, desarrolló y formó relaciones basadas en la continuidad de las tradiciones de la escuela de San Petersburgo. Los estudiantes de la academia criaron nuevos estudiantes talentosos y también llevaron las tradiciones educativas a las ciudades de Rusia. El papel de la Academia de las Artes en el desarrollo de la educación artística rusa en la vida de Rusia fue fundamental.

. Estudios de la creatividad visual de los niños a finales del siglo XIX y principios del XX (Concepto biogenético de la creatividad visual de los niños y teoría de la educación libre. K. Ricci, Lamprecht, G. Kerschensteiner)

La educación artística se considera parte de la cultura artística. El dibujo infantil es parte del arte. cultura, y el niño es protagonista del proceso cultural. Consideración del dibujo infantil en el aspecto histórico, como fenómeno del arte. cultura. Supone: 1º Análisis desde el punto de vista del contenido y métodos del arte. educación; 2do lugar para un niño y su creatividad en el arte. cultura; 3-características psicológicas del desarrollo relacionado con la edad; 4 influencia de la individualidad pedagógica: interacción entre el estudiante y su mentor en el arte. El libro de Georg Kerschensteiner "El desarrollo de la creatividad artística del niño", publicado en Rusia en 1914, se convirtió en el primer estudio fundamental de los dibujos de niños en edad escolar de 6 a 13 años. Se presta especial atención a la expresión artística, manifestada en forma libre. y dibujo decorativo en diferentes edades de los niños. El objetivo del estudio fue estudiar el desarrollo de la capacidad de dibujar, además de las influencias externas sistemáticas.

Los científicos alemanes han establecido: diferenciación de sexos en el sentido del talento artístico; diferentes actitudes entre los niños de la ciudad y del campo; conexión del desarrollo intelectual con la capacidad de representación gráfica.

Rusia a finales del siglo XIX y principios del XX se caracterizó por un mayor interés en los métodos de enseñanza del dibujo tanto en instituciones de educación general como especiales.

Se empezó a estudiar la psicología infantil. Corrado Ricci 1911. Noté que los niños eligieron a una persona como uno de los objetos centrales de la imagen. . Ricci comparó la creatividad de los niños con el arte de las épocas prehistóricas y primitivas, lo que sirvió de base para el uso de la teoría biogenética para explicar el desarrollo de la creatividad visual de los niños. Una comparación de la creatividad infantil con la historia del arte condujo a la identificación de etapas de desarrollo comunes a todos los niños, desarrolladas en los estudios de Kershensteiner 1914, que fueron interpretadas posteriormente por Lamprecht 1909 como el descubrimiento de las formas de los dibujos infantiles: Etapa 1 - diagramas - garabatos informes y primitivismo. La segunda etapa del sentido de la forma y la línea es una mezcla de formal y esquemático, la tercera, la etapa de una imagen plausible, la etapa de siluetas y contornos. 4ª etapa de la imagen plástica. Kershensteiner evaluó los dibujos de los niños según sus características sociales: urbanas o rurales. . Sostuvo que la elaboración de un dibujo debe pasar por las 4 etapas. Independientemente de la edad, debe sobrevivir a cada etapa anterior. La negación del principio de enseñanza llevó a la ausencia de construcción de imágenes. Estaba en contra del método geométrico. La teoría de la educación gratuita.

A la hora de explorar los métodos de enseñanza del dibujo en el cambio de siglo, hay que tener en cuenta que en aquella época el dibujo incluía el dibujo del natural, el decorativo, el temático y el de conversaciones. Este período sería muy difícil y contradictorio. La claridad y el rigor del dibujo se reducen notablemente. Aparecen varios trabajos de investigación, se estudia la psique del niño. Kerschensteiner. Durante este período todo se confunde. Educación gratuita, desacuerdo entre los partidarios de los métodos geométricos y naturales y los formalistas. Los representantes del método geométrico defienden la dirección académica, los representantes del método natural se adhieren a la teoría de la educación libre. Las clases de dibujo en la escuela comenzaron a verse de manera demasiado estrecha. Algunos teóricos dicen que no hay nada que estudiar bellas artes en la escuela; dicen que esta es la tarea de una escuela de arte. Al introducir a los niños en las bellas artes, es necesario brindarles más oportunidades para la creatividad independiente. En este sentido, en las actividades visuales no vemos ninguna diferencia de edad. Todas las obras son igualmente ingenuas e indefensas en el arte; todas están unidas por el término común dibujo infantil. En muchas escuelas, el estricto sistema de enseñanza no funciona y el dibujo como materia de educación general está perdiendo su conocimiento. Picasso escribió: que se nos asegura que a los niños se les debe dar libertad, pero en realidad se les obliga a hacer dibujos infantiles. Ellos enseñan esto. El arte burgués formalista tuvo su influencia en los métodos de enseñanza en las escuelas secundarias. Todo el sistema y métodos de enseñanza de este período tenían como objetivo desarrollar la individualidad de cada alumno y la inviolabilidad de su personalidad artística. La escuela no es necesaria: en la escuela el artista pierde sus cualidades naturales. . muchos vieron el dibujo realista estricto como un grillete que limitaba las posibilidades creativas del artista. Los partidarios de la educación gratuita se opusieron al estudio académico de la naturaleza y a la escuela en general. Todo el mundo, desde los impresionistas hasta los abstraccionistas, sigue el lema: abajo la escuela, libertad de creatividad. Los movimientos formalistas tuvieron un efecto perjudicial en la escuela de arte y en los métodos de enseñanza del dibujo. Separar la forma del contenido, negar la importancia cognitiva del arte, llevó al arte al absurdo. Pero hubo escuelas y artistas individuales que continuaron defendiendo los principios del arte realista.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX se empezó a desarrollar de forma más profunda y seria la metodología escolar. Es cierto que durante este período hubo muchas disputas entre metodólogos sobre la ventaja de un método sobre otro. Los métodos de enseñanza del dibujo en la escuela siempre han estado influenciados por la estética del arte. En ocasiones esta influencia fue negativa, como por ejemplo la influencia del arte formalista. El descuido de los fundamentos del dibujo realista, el alejamiento del mundo real, la negación de la escuela: estos son los principios básicos del arte formalista que causaron graves daños al desarrollo de métodos para enseñar dibujo en las escuelas secundarias. El dibujo como asignatura de educación general está perdiendo importancia. El interés por los dibujos infantiles se limita únicamente al estudio de la creatividad de los niños. Los críticos de arte comienzan a elogiarlo, los artistas imitan a los niños. Se habla de preservar la espontaneidad infantil e ingenua de percibir el mundo y de que el aprendizaje en general tiene un efecto perjudicial sobre el desarrollo del niño.

A la edad de 30 años siglo 20 v. destacados teóricos en cuestiones de arte. criar hijos se convierte en: en Alemania-G. Kershensteiner, en América - J. Dewey, en nuestro país - A. V. Bakushinsky. A pesar de los diferentes enfoques del problema que se resuelve y sus diferentes interpretaciones, todos se inspiran en una idea común: la idea de "educación gratuita", la afirmación de la personalidad del niño con su derecho a expresar sus sentimientos y pensamientos, y la destitución del docente del liderazgo. Según ellos, los niños no necesitan dominar la alfabetización gráfica, especialmente en la etapa inicial de educación. Partiendo de la vida como uno de los medios para comprender el mundo que nos rodea, el dibujo como base del arte está perdiendo importancia cada año. Algunos teóricos de la creatividad infantil están empezando a declarar que en una escuela de educación general a los niños no se les debe enseñar alfabetización visual y gráfica; esta es una mala tarea. escuela y promover el desarrollo estético general del niño. En los años 50 siglo 20 En muchas escuelas de países extranjeros el estricto sistema de enseñanza no funciona y el dibujo como materia de educación general está perdiendo importancia. El dibujo como tal ha desaparecido por completo y, por tanto, los métodos de enseñanza del dibujo en las escuelas secundarias han desaparecido. El tema principal de todos los simposios internacionales es la educación estética, el problema del desarrollo humano integral.

. Período soviético de educación artística. La educación artística en la primera década del poder soviético. El estado de la enseñanza del dibujo y las bellas artes en la escuela soviética de los años 20 y 30 (Direcciones formalistas y realistas de la vida artística. Academia de Ciencias de Rusia. Formación de un sistema de educación gráfica superior. Sistema pedagógico de D. N. Kardovsky)

Primeros experimentos La sociedad soviética de finales de los años 20 y principios de los 30 sintió deficiencias en el sistema de educación artística. Debilitamiento de los lazos con las tradiciones de la escuela académica de bellas artes. A principios de los años 20, muchas escuelas no enseñaban a los niños a dibujar de forma correcta y realista. La dirección esquemática abstracta de la educación no solo negó la importancia de la metodología, sino que también distorsionó las metas y objetivos de la enseñanza del dibujo en las escuelas secundarias. El dibujo no sólo no aportaba a los niños nada para el desarrollo mental, sino que esencialmente interfería en su educación estética. En la década de 1920, los métodos de dibujo se desarrollaron en las escuelas en una variedad de áreas, pero dos de ellos se generalizaron: el método de desarrollo de la “creatividad libre” y el método de enseñanza “integral”.

En nuestro país se han creado todas las condiciones para el desarrollo de las bellas artes y la educación artística. La abolición de las clases, la democratización de la escuela, la separación de la escuela y la iglesia llevaron a la reestructuración de toda la educación escolar. A los trabajadores de la educación pública se les encomendó la tarea de reestructurar el contenido, las formas y los métodos de enseñanza. Un destacado representante de la “educación libre” y de la teoría biogenética que la sustenta fue A. V. Bakushinsky. A finales de los años 20 y principios de los 30, los métodos formalistas comenzaron a ser objeto de críticas justas. La revisión del contenido de los programas y planes de estudio condujo a una reestructuración de los métodos de enseñanza del dibujo en la escuela. El programa de 1931 se basó en el dibujo al natural. Junto a ello, el programa dedicó espacio al dibujo temático, la presentación y el dibujo decorativo. Las conversaciones sobre arte fueron importantes. La escuela de arte se interpuso en el camino del arte realista. Se planteó la cuestión de la creación de una nueva academia de artes. Una línea firme en la construcción de una nueva escuela y un nuevo sistema de enseñanza requería prestar seria atención a la formación del personal docente. En 1937 se abrieron el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Leningrado y el Instituto de Bellas Artes de Moscú. En estas instituciones educativas el dibujo académico ocupó un lugar destacado. La mayoría de los artistas-profesores llegan a la conclusión de que la base de cualquier método de enseñanza debe ser el dibujo de la vida, lo que proporciona una alta formación profesional a los artistas.

Kardovsky D.N. - hizo una gran contribución a la metodología, animó a los estudiantes a construir una forma tridimensional en un plano y analizarla. Al comienzo del dibujo, debes esforzarte por dividir toda la figura en un plano, cortar la forma hasta que surja una forma grande, no es necesario dibujar los detalles; Particularmente importante es la conexión constructiva entre partes de las formas de los objetos. Kardovsky se oponía a la copia irreflexiva del claroscuro. Kardovsky defendió valientemente las posiciones del arte realista y protegió a los jóvenes de la influencia del formalismo. Gracias a sus fuertes convicciones y su sistema de enseñanza del dibujo claro y metódicamente desarrollado, Kardovsky tuvo un gran número de estudiantes y fervientes seguidores.

. Formación del sistema de educación superior artística y gráfica. El estado de la enseñanza del dibujo y las bellas artes en las escuelas soviéticas de los años 40 a los 60 del siglo XX (Trabajos de investigación en el campo de la actividad visual de los niños - N. N. Volkov, L. S. Vygotsky, E. I. Ignatiev, V. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Después de la Gran Guerra Patria se llevó a cabo una reforma de la educación artística en nuestro país. El 5 de agosto de 1947 se adoptó una resolución del Consejo de Ministros de la URSS "Sobre la transformación de la Academia de las Artes de toda Rusia en la Academia de las Artes de la URSS". El gobierno encomendó a la Academia de las Artes el desarrollo constante de las bellas artes soviéticas en todas sus formas "sobre la base de la implementación consecuente de los principios del realismo socialista y el desarrollo ulterior de las mejores tradiciones progresistas del arte de los pueblos del URSS y, en particular, la escuela realista rusa”. Esto demuestra la madurez de la pedagogía artística soviética, que tenía todos los datos para mejorar aún más los métodos de enseñanza de las bellas artes. Durante este período, el dibujo comenzó a ser reconocido como la base de las bellas artes. La formación en él debe comenzar lo antes posible. Por regla general, su inicio debe preceder a la formación en pintura y escultura. El sistema de enseñanza del dibujo debe incluir necesariamente “el dibujo regular a partir de desnudos posados ​​en un ambiente especialmente creado para este fin, sin otro objetivo que el de adquirir el dominio del dibujo”, es decir, el dibujo específicamente “académico”. Para agilizar el trabajo metodológico en las escuelas en los años 50 surgió la idea de crear libros de texto especiales sobre dibujo. Hasta entonces, los libros de texto de dibujo para las escuelas secundarias no se publicaban ni en Rusia ni en el extranjero. Desde 1959 se ha creado una red de facultades de arte y gráfica en los institutos pedagógicos.

N. Yu. Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev y otros dedicaron sus trabajos al estudio de los problemas de percepción en el proceso de la actividad visual. En estas obras, la percepción se define como la capacidad creativa de aislar un objeto de su entorno, comprender los detalles más significativos, los rasgos característicos del objeto, así como descubrir conexiones estructurales que conduzcan a la creación de una imagen clara.

. Escuela rusa y pedagogía artística desde los años 60 hasta la actualidad (E. I. Shorokhov, T. Ya. Shpikalova, V. S. Shcherbakov, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A. Poluyanov, B. P. Yusov)

Rusia a finales del siglo XIX y principios del XX se caracterizó por un mayor interés en los métodos de enseñanza del dibujo tanto en instituciones de educación general como especiales. Preysler - “Reglas fundamentales o una breve guía para el dibujo artístico” Se publicó en dos idiomas: alemán y ruso. Se describe un sistema específico para la enseñanza del dibujo. El libro daba instrucciones a artistas y profesores. Comienza explicando el propósito de dibujar líneas rectas y curvas, luego geom. figuras y cuerpos, reglas para su uso en la práctica. La geometría es la base para la enseñanza del dibujo. Sin embargo, el uso de figuras geométricas debe combinarse con la aplicación de las reglas y leyes de la perspectiva de la anatomía plástica. En su libro proporciona muchas ayudas visuales. Concede gran importancia al dibujo lineal. En 1834, A.P. Sapozhnikov publicó "Curso de dibujo", el primer libro de texto para instituciones educativas compilado por un artista ruso. El curso de dibujo comenzó con una introducción a varias líneas, ángulos y luego formas geométricas. El valor del método de Sapozhnikov radicaba en el hecho de que se basaba en dibujar del natural y analizar su forma. El nuevo método propuesto por Sapozhnikov encontró una amplia aplicación antes de la publicación de su libro, reinaba la copia del original; Utilicé el método de simplificar la forma en la etapa inicial del dibujo. El profesor debe explicar verbalmente los errores del alumno. G. A. Gippius publica el libro "Ensayos sobre la teoría del dibujo como materia académica general". En él se concentran todas las ideas avanzadas de la pedagogía. El libro se divide en dos partes: teórica y práctica. En el libro fundamenta teóricamente cada posición de la metodología de enseñanza. La metodología no debe basarse en fórmulas, sino que debe basarse en datos prácticos y científicos. Chistyakov y sus ideas sobre la relación entre profesor y alumnos, que consistían en conocer al alumno, su carácter y preparación, encontrar un acercamiento al alumno y enseñarle a mirar correctamente la naturaleza, tuvieron una gran influencia en el desarrollo de los métodos de enseñanza. .

Vladimir Sergeevich Kuzin - miembro correspondiente de la Academia Rusa de Educación, doctor en pedagogía. ciencias, profesor. En su programa, el lugar principal se le da a dibujar de la vida, es decir, a enseñar a ver los objetos y fenómenos tal como existen. Es el líder de un grupo de autores del programa estatal de bellas artes.

Boris Mikhailovich Nemensky - artista, profesor, premio estatal, Miembro Correspondiente de la Academia de Ciencias Pedagógicas. Su técnica se basa en el mundo interior del niño, sus sentimientos, emociones, percepciones. el mundo circundante a través del alma de un niño. Actualmente algunas escuelas lo están utilizando. programa denominado “Bellas Artes y Obra Artística”. Métodos de enseñanza de bellas artes en instituciones educativas en Actualmente se está desarrollando de forma muy intensa. Hay muchos desarrollos interesantes a partir de tales autores como E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. Shpikalova y otros crearon ayudas educativas, metodológicas y visuales sobre dibujo, pintura, composición. Artes populares y decorativas. Libros de texto publicados por primera vez en muchos años. en bellas artes para escuelas primarias y secundarias.

. Perspectivas de la educación artística y la educación estética de los niños.

Natalya Mikhailovna Sokolnikova es una profesora metodóloga moderna que ha combinado en sus obras todo lo mejor de los métodos de enseñanza de bellas artes que han aparecido en los últimos años. Presta igual atención al dibujo de la vida y al desarrollo creativo y al desarrollo emocional de los estudiantes. La educación artística para escolares es el proceso por el cual los niños dominan un conjunto de conocimientos, destrezas, habilidades y la formación de visiones del mundo en el campo del arte y la creatividad artística. La educación artística de los escolares es el proceso de desarrollar en los niños la capacidad de sentir, comprender, evaluar, amar y disfrutar el arte; la educación y la crianza artísticas son inseparables de alentar a los niños a realizar actividades artísticas y creativas, a crear valores estéticos, incluidos los artísticos. La educación estética en una escuela integral es un proceso intencionado de formación de una personalidad creativamente activa, capaz de percibir y apreciar los fenómenos estéticos bellos, perfectos, armoniosos y otros de la vida, la naturaleza, el arte, desde el punto de vista de una comprensión accesible del ideal. y vivir y crear “según las leyes de la belleza”. El sistema de educación artística y estética en una escuela secundaria es un proceso vivo, decidido y organizado de educación, desarrollo y crianza artística y estética de los niños basado en un conjunto de principios metodológicos modernos, teniendo en cuenta la edad de los estudiantes. El sistema de educación estética para estudiantes de primaria se construye teniendo en cuenta las características psicológicas y pedagógicas de los niños relacionadas con la edad. Ya sea que estemos hablando de los requisitos de un ideal moral y estético, del gusto, de los juicios estéticos que deben ser característicos de un niño de primaria, de un adolescente, de un joven, o del carácter, los géneros y los criterios para evaluar la creatividad (incluida la artística y la creativa). ) actividad, cada vez que el requerimiento óptimo y la solución al problema deben correlacionarse con las capacidades de edad del niño. La educación estética armoniza y desarrolla todas las habilidades espirituales de una persona necesarias en diversos campos de la creatividad. Está muy relacionado con la educación moral, ya que la belleza actúa como una especie de reguladora de las relaciones humanas. Gracias a la belleza, una persona a menudo se siente atraída intuitivamente hacia el bien.

La educación estética, que introduce a las personas en el tesoro de la cultura y el arte mundiales, es solo una condición necesaria para lograr el objetivo principal de la educación estética: la formación de una personalidad integral, una individualidad desarrollada creativamente que actúa de acuerdo con las leyes de la belleza.

La educación estética se lleva a cabo en todas las etapas del desarrollo personal relacionado con la edad. Cuanto antes entre una persona en la esfera de la influencia estética específica, más motivos para esperar su eficacia. . La experiencia adquirida a través de la comunicación y la actividad forma en los niños en edad preescolar una actitud estética elemental hacia la realidad y el arte.

El sistema de educación estética está diseñado para enseñarte a ver la belleza que te rodea, en la realidad que te rodea. Para que este sistema influya más eficazmente en el niño y logre su objetivo, B. M. Nemensky destacó la siguiente característica: “El sistema de educación estética debe, ante todo, estar unificado, uniendo todas las materias, todas las actividades extracurriculares, toda la vida social. del estudiante, donde cada materia, cada tipo de actividad tiene su propia tarea clara en la formación de la cultura estética y la personalidad del estudiante." Pero todo sistema tiene un núcleo, una base sobre la que descansa. Podemos considerar el arte como base del sistema de educación estética: música, arquitectura, escultura, pintura, danza, cine, teatro y otros tipos de creatividad artística. La razón de esto nos la dieron Platón y Hegel. A partir de sus puntos de vista, se convirtió en un axioma que el arte es el contenido principal de la estética como ciencia y que la belleza es el principal fenómeno estético. El arte contiene un gran potencial para el desarrollo personal.

La belleza trae placer y placer, estimula la actividad laboral y hace que conocer gente sea placentero. Lo feo es repulsivo. Lo trágico enseña empatía. El cómic ayuda a combatir las deficiencias.

Una de las verdaderas necesidades humanas es la necesidad de belleza como deseo natural de armonía, integridad, equilibrio y orden de una persona. El hecho de que esta sea precisamente la necesidad vital de una persona se evidencia en los resultados de la investigación de los antropólogos, quienes han establecido que en una determinada etapa del desarrollo del cerebro humano, simplemente necesitaba impresiones y experiencias estéticas que contribuyeran a la formación de la personalidad de una persona. Percepción holística tanto del mundo como de sí mismo. Conociendo el efecto educativo, educativo y de desarrollo de las impresiones estéticas, los sabios de la antigüedad aconsejaron rodear el crecimiento de un niño con belleza y bondad, el crecimiento de un joven con belleza y desarrollo físico, el crecimiento de la juventud con belleza y aprendizaje. La belleza debe estar presente en todas las etapas del desarrollo de la personalidad, contribuyendo a su desarrollo y mejora armoniosa. Y de hecho, la belleza, junto con la verdad y la bondad, aparece invariablemente como parte de la tríada original de valores, que representan los fundamentos fundamentales de la existencia.

Lo mismo inicial y verdadero es la necesidad humana de creatividad, autoexpresión, afirmación de uno mismo en el mundo introduciendo en él algo nuevo creado por él. Es la posición creativa la que proporciona a la persona la estabilidad de su existencia, porque le permite responder adecuada y oportunamente a todas las situaciones nuevas en un mundo en constante cambio. La creatividad es una actividad libre a la que no se puede obligar a una persona: sólo puede crear debido a la necesidad interna de creatividad, la motivación interna, que es un factor más eficaz que cualquier presión o coerción externa.

Aquí se descubre que muchas de las verdaderas necesidades del hombre son de naturaleza estética o incluyen un componente estético necesario. De hecho, en términos de devolver a una persona a su verdadera naturaleza, a su verdadero ser, a la conciencia de sus necesidades reales, no el menor lugar pertenece a la cultura estética y a la educación estética y a la educación estética que conduce a ella (aunque no necesariamente la garantiza). . La actitud estética hacia el mundo siempre ha existido como un comportamiento omnicomprensivo, universal y puramente humano, y la valoración estética es la más holística, como si completara la percepción de un objeto en la plenitud de su naturaleza dada y su conexión con el medio ambiente. .

El papel de la educación estética en la formación de una posición creativa es que no solo contribuye al desarrollo de los sentimientos, a la formación de la sensualidad humana y a su enriquecimiento, sino que también ilumina y fundamenta, racional y emocionalmente, la necesidad de una actitud creativa hacia el mundo. Es la educación estética la que muestra el papel de los sentimientos estéticos en la formación de una imagen del mundo y desarrolla estos sentimientos.

. Metodología como ciencia. Métodos y técnicas para la enseñanza de las bellas artes en las escuelas secundarias.

La metodología es una combinación de experiencia acumulada, nuevos enfoques y la búsqueda de medios para el desarrollo espiritual y emocional de los estudiantes y del propio docente. Y luego, los métodos de enseñanza son probablemente un sistema de actividades unificadas del profesor y los estudiantes para dominar una determinada parte del contenido del programa. Se implementa mediante técnicas, acciones específicas del docente y del alumno, y diversas formas de su comunicación.

Por método de enseñanza nos referimos a la forma en que un docente trabaja con los estudiantes, con la ayuda de la cual se logra una mejor asimilación del material educativo y aumenta el rendimiento académico. La elección de los métodos de enseñanza depende de los objetivos educativos, así como de la edad de los estudiantes. El método de enseñanza (del método griego antiguo) es el proceso de interacción entre profesores y estudiantes, como resultado del cual se produce la transferencia y la asimilación. de conocimientos, habilidades y capacidades proporcionados por el contenido de la formación. Una técnica de enseñanza (técnica de enseñanza) es una interacción a corto plazo entre un profesor y los estudiantes, destinada a transferir y asimilar conocimientos, destrezas y habilidades específicas. Según la tradición establecida en la pedagogía doméstica, los MÉTODOS de enseñanza se dividen en tres grupos: - Métodos de organización e implementación de actividades educativas y cognitivas: 1. Verbal, visual, práctico (según la fuente de presentación del material educativo). 2. Reproductivo explicativo e ilustrativo, de búsqueda, investigación, problema, etc. (según la naturaleza de la actividad educativa y cognitiva). 3. Inductivo y deductivo (según la lógica de presentación y percepción del material educativo); - métodos de seguimiento de la eficacia de la actividad educativa y cognitiva: pruebas orales, escritas y autopruebas de la eficacia en el dominio de conocimientos, destrezas y habilidades; - Métodos de estimulación de la actividad educativa y cognitiva: ciertos incentivos en la formación de motivación, sentido de responsabilidad, obligaciones, interés en dominar conocimientos, habilidades y habilidades. En la práctica docente existen otros enfoques para determinar los métodos de enseñanza que se basan en el grado de conciencia de la percepción del material educativo: pasivo, activo, interactivo, heurístico y otros. Estas definiciones requieren mayor aclaración, ya que el proceso de aprendizaje no puede ser pasivo y no siempre es un descubrimiento (eureka) para los estudiantes. El método pasivo es una forma de interacción entre estudiantes y profesores, en la que el profesor es el actor principal y director de la lección, y los estudiantes actúan como oyentes pasivos, sujetos a las directivas del profesor. La comunicación entre el profesor y los alumnos en las lecciones pasivas se realiza a través de encuestas, trabajo independiente, pruebas, tests, etc. Desde el punto de vista de las tecnologías pedagógicas modernas y la eficacia de la asimilación del material educativo por parte de los alumnos, el método pasivo se considera el Más ineficaz, pero a pesar de esto, también tiene algunas ventajas. Esta es una preparación relativamente fácil para la lección por parte del profesor y una oportunidad de presentar una cantidad relativamente mayor de material educativo en el tiempo limitado de la lección. Dadas estas ventajas, muchos profesores prefieren el método pasivo a otros métodos. Hay que decir que en algunos casos este enfoque funciona con éxito en manos de un profesor experimentado, especialmente si los estudiantes tienen objetivos claros encaminados a estudiar a fondo el tema. La conferencia es el tipo más común de lección pasiva. Este tipo de clases está muy extendido en las universidades, donde estudian adultos, personas plenamente formadas, que tienen objetivos claros de profundizar en la materia. El método activo es una forma de interacción entre los estudiantes y el maestro, en la que el maestro y los estudiantes interactúan entre sí durante la lección y los estudiantes aquí no son oyentes pasivos, sino participantes activos en la lección. Si en una lección pasiva el personaje principal y director de la lección era el profesor, aquí el profesor y los alumnos están en igualdad de condiciones. Si los métodos pasivos presuponían un estilo autoritario de interacción, los activos presuponen un estilo más democrático. Muchos equiparan los métodos activos e interactivos; sin embargo, a pesar de sus puntos en común, tienen diferencias. Los métodos interactivos pueden considerarse como la forma más moderna de métodos activos. El método interactivo (interactivo ("inter" es mutuo, "actuar" es actuar) significa interactuar, estar en modo de conversación, diálogo con alguien. En otras palabras, a diferencia de los métodos activos, los interactivos se centran en una interacción más amplia de los estudiantes no solo con el maestro, sino también entre ellos y en el predominio de la actividad del estudiante en el proceso de aprendizaje. El lugar del maestro en las lecciones interactivas se reduce a la dirección. las actividades de los estudiantes para lograr los objetivos de la lección. El maestro también desarrolla un plan de lección (generalmente, estos son ejercicios y tareas interactivos durante los cuales el estudiante aprende el material). En consecuencia, los componentes principales de las lecciones interactivas son ejercicios y tareas interactivos que son realizados por los estudiantes. Una diferencia importante entre los ejercicios interactivos y las tareas regulares es que los estudiantes no solo los realizan, sino que también consolidan el material ya aprendido, sino que también aprenden otros nuevos.

. Metas y objetivos de la enseñanza de bellas artes en las escuelas secundarias.

El desarrollo de una personalidad creativa y sus habilidades artísticas está directamente relacionado con el propósito y objetivos de la enseñanza de la asignatura de arte.

Su principal OBJETIVO es el conocimiento de la cultura espiritual como forma de transmitir de generación en generación los valores humanos universales, cuya percepción y reproducción en las actividades conduce al autodesarrollo creativo y moral de la persona, preservando la integridad de su interior. mundo. Así, al unirse a la cultura espiritual, una persona se une simultáneamente a su esencia natural, desarrollando sus habilidades básicas - universales: para el pensamiento holístico e imaginativo; para la empatía con el mundo que lo rodea;

La realización de este objetivo se lleva a cabo mediante la educación estética de una persona a través del arte y la pedagogía artística. Se basan en la educación artística y la actividad artística. Sólo en su totalidad podemos imaginar la implementación de los objetivos de la educación estética. Se trata de dos formas diferentes de desarrollar la conciencia humana, que no se reemplazan sino que se complementan entre sí.

Los criterios para evaluar el desarrollo creativo humano en el campo de la educación estética se revelan de acuerdo con las tareas de formar una persona armoniosamente desarrollada. Hay tres direcciones interconectadas en él: A) preservar la integridad moral del individuo; B) desarrollar su potencial creativo C) asegurar la correlación armoniosa de sus características sociales y únicas;

Todo esto se realiza naturalmente en la actividad artística humana.

En su actividad cognitiva y creativa, el niño aprende en primer lugar su significado, que se asocia a una actitud emocional y valorativa ante la vida. El arte es un medio para acumular y concentrar la experiencia de vida de la humanidad, que está asociada a las tareas de desarrollar el potencial moral y creativo de las personas. Por tanto, uno de los principales objetivos del arte es confiar en los poderes universales del hombre para desarrollar su ideal moral, actitudes creativas, emociones y sentimientos estéticos.

El programa de arte en la escuela prevé 4 tipos principales de trabajo: dibujo del natural, dibujo temático, dibujo decorativo, conversaciones sobre arte, que están estrechamente relacionados entre sí y se complementan en la resolución de los problemas planteados por el programa.

Los objetivos de las clases de arte incluyen: Desarrollar la percepción visual de los estudiantes. Desarrollar habilidades de observación, establecer similitudes y diferencias, clasificar objetos por forma y textura. Desarrollar habilidades estéticas y artísticas, enseñar a dibujar del natural, sobre temas, realizar ilustraciones y dibujos decorativos, desarrollar habilidades gráficas y pictóricas. Desarrollar el pensamiento mental y abstracto.

El tipo de dibujo principal es el arroz. gato de la naturaleza conduce al desarrollo general de una persona: desarrolla la imaginación, el pensamiento mental, espacial y abstracto, la vista y la memoria.

Curso de arte escolar. el arte tiene como objetivo:

Preparar a miembros de la sociedad integralmente desarrollados y educados,

Educar estéticamente a los niños y desarrollar su gusto artístico.

Ayude a los niños a aprender sobre el mundo que los rodea, el desarrollo. observación, enseñar a pensar lógicamente, a darse cuenta de lo que se ve.

Enseñar a utilizar el dibujo en actividades laborales y sociales.

Brinde a los estudiantes conocimientos sobre los conceptos básicos del dibujo realista. Inculcar habilidades y habilidades en las bellas artes, familiarizarse con las técnicas técnicas básicas de trabajo.

Desarrollar las habilidades creativas y estéticas de los estudiantes, desarrollar el pensamiento espacial, la representación imaginativa y la imaginación.

Familiarizar a los escolares con obras destacadas de las bellas artes rusas y mundiales. Inculcar interés y amor por el arte. actividades.

La asignatura de métodos de enseñanza del arte está estrechamente relacionada con disciplinas especiales y psicológico-pedagógicas. La metodología como tema de estudio examina las características del trabajo del docente con los estudiantes. La metodología se entiende como un conjunto de métodos racionales de enseñanza y crianza. Este es un departamento especial de pedagogía que estudia las reglas y leyes de la construcción del proceso educativo. La metodología puede ser general, considera métodos de enseñanza inherentes a todas las materias y específicos: métodos y técnicas utilizados en la enseñanza de cualquier materia.

La metodología de la enseñanza del arte como ciencia generaliza teóricamente la experiencia práctica, ofrece métodos de enseñanza que ya han demostrado su eficacia y dan los mejores resultados. El propósito del curso es formar los fundamentos y la conciencia pedagógica profesional de un docente de arte. El objetivo del curso es el conocimiento de la historia, la teoría, los métodos de investigación científica en el campo de los métodos de enseñanza del arte, la adquisición de habilidades intelectuales y prácticas para resolver los problemas de la enseñanza del arte, la creación de las bases para la posterior formación de un creativo. acercamiento a las actividades de un docente de arte, la formación de un interés sostenible en la profesión de docente de arte. El método de enseñanza se refiere a la forma en que el docente trabaja con los estudiantes en la cual se logra una mejor asimilación del material educativo y se incrementa el rendimiento académico.

El método de enseñanza consta de métodos de enseñanza individuales: - por la fuente de adquisición de conocimientos (visual, práctica, verbal, juego) - por el método de adquisición de conocimientos (reproductivo, receptivo de información, de investigación, heurístico) - por la naturaleza de la actividad (método de organización e implementación de la actividad educativa y cognitiva, método de control y autocontrol, método de estimulación y motivación del aprendizaje) - por tipo de lección

Clases de bellas artes para los grados 1-9. El objetivo de las lecciones es enseñar a dibujar del natural, sobre temas, realizar ilustraciones y dibujos decorativos, desarrollar habilidades gráficas y pictóricas. El principal tipo de dibujo en las bellas artes es el dibujo de la vida: desarrolla el pensamiento mental y abstracto, es un método de aprendizaje visual, enseña a pensar, hace observaciones con propósito, despierta el interés en analizar la naturaleza, preparando así al estudiante para un trabajo educativo posterior. .

El dibujo temático, que representa fenómenos del mundo circundante e ilustra obras literarias, juega un papel importante en el desarrollo de la imaginación creativa. La mayoría de los dibujos sobre el tema van acompañados de bocetos y dibujos del natural. Desarrolla el pensamiento imaginativo, la imaginación, la independencia en el trabajo, la perseverancia.

DPI está estrechamente relacionado con el dibujo del natural. En las lecciones del DPI, los niños se familiarizan con los conceptos básicos del diseño artístico y estudian la creatividad ornamental de los pueblos. El dibujo decorativo desarrolla el gusto estético y artístico y desarrolla la capacidad creativa. Una característica específica de DPI es el procesamiento decorativo de formas representadas del natural. El diseño decorativo se lleva a cabo sobre la base de ciertas reglas y leyes, correspondencia, simetría y combinaciones de colores.

Conversación sobre arte En estas lecciones, los niños se familiarizan con la vida y obra de maestros destacados, desarrollan la percepción estética, el gusto artístico y adquieren conocimientos básicos del arte ruso y extranjero.

) B. M. Nemensky "Bellas artes y trabajo artístico" (grados 1-9) Objetivo: la formación de una cultura artística entre los estudiantes, como parte integral de la cultura espiritual creada por muchas generaciones.

Contenidos y soportes: introducción a la cultura artística, incluyendo el estudio de los principales tipos de arte. artes: (pintura, gráfica, escultura), DPI (arte popular, artes y artesanías populares, arte decorativo moderno). Se introducen tareas de juego sobre el tema, conexiones con la música, la historia y el trabajo. Para experimentar la comunicación creativa, se introducen tareas colectivas en el programa. La práctica presupone un alto nivel de formación teórica del docente. Nemensky B. M. “Bellas artes y trabajos artísticos, grados 1-9. “Las tareas que propuso tienen como objetivo el desarrollo estético de los estudiantes, aumentar el interés por las bellas artes, desarrollar la imaginación y la observación, realizar las habilidades creativas de los estudiantes y estudiar la cultura tradicional rusa. Es un curso integrado holístico que incluye todos los tipos principales: pintura, gráfica, escultura, arte decorativo popular, arquitectura, diseño, entretenimiento y artes cinematográficas. Incluye tres tipos de finos. actividades: constructivas (arquitectura, diseño), visuales (pintura, gráfica, escultura), artes decorativas. El núcleo semántico del programa es el papel del arte en la vida de la sociedad. Existe una conexión con la música, la literatura, la historia y el trabajo. Con el propósito de experimentar. La comunicación incluye actividades grupales. 1er grado “Tú representas, decoras, construyes” es una forma de inclusión lúdica y figurativa. 2do grado - “Tú y el arte” 3er grado “El arte que nos rodea” introducción a la cultura de tu pueblo. 4to grado - "Cada nación es un artista". Diseño del programa: La primera etapa es la escuela primaria, el pedestal de todos los conocimientos, la segunda etapa es la conexión de la vida con fechas y géneros artísticos. La tercera etapa es el arte mundial.

) V. S. Kuzin "Bellas Artes" (grados 1-9)

Objetivo: desarrollo del arte en los niños. Habilidades, buen gusto, imaginación creativa, pensamiento espacial, sentimientos estéticos.

Contenidos y medios: dibujar de la vida, de la memoria y la imaginación de objetos y fenómenos del mundo circundante, crear composiciones gráficas sobre temas, conversaciones sobre arte. arte. El lugar principal es el dibujo de la vida. Kuzin y Kubyshkina: desarrollaron un libro de texto sobre bellas artes, revisado de acuerdo con los estándares modernos de educación general y el programa de bellas artes para una escuela primaria de cuatro años. La primera parte del libro de texto se llama "Aprender a dibujar": está dedicada al lado práctico de enseñar a los escolares los conceptos básicos de las bellas artes, el dibujo del natural, el dibujo temático, la pintura, la composición, el modelado, el trabajo decorativo y las aplicaciones. La segunda parte, “El mundo mágico”, en ella los escolares aprenderán sobre los tipos y géneros de las bellas artes y sobre los artistas rusos destacados. Los libros de texto van acompañados de cuadernos de trabajo para los grados 1 a 4, así como de un manual para el profesor, que proporciona breves recomendaciones sobre cómo impartir una lección.

La implementación está disponible para especialistas de diversos niveles profesionales. preparación.

) T. Ya Shpikalova: “Bellas artes y trabajo artístico” (grados 1-6)

Objetivo: desarrollo personal basado en una cultura estética holística.

Contenidos y soportes: el programa se integra en base al art. arte y labor artística. El contenido se construye a partir de conceptos de valores: persona, familia, hogar, pueblo, historia, cultura, arte. Representa un enfoque integrado para dominar la información artística basado en el conocimiento de los estudiantes en el campo de las humanidades y las ciencias naturales. Dirigido a dominar los conceptos básicos de la representación artística del arte popular y las artes creativas, así como de las actividades artísticas y de diseño. Para implementar este programa es deseable tener una especialización en áreas decorativas y aplicadas. Shpikalova T. Ya: el objetivo principal del programa es contribuir a la formación de una personalidad del escolar con una formación artística elevada, la formación de las bases de una cultura estética holística a través del desarrollo de la memoria histórica y las habilidades creativas del niño. niño. El equipo de autores del programa combina las bellas artes y el trabajo artístico, el arte de la palabra y el canto, basado en el arte popular, en un curso integrado. La estructura del programa no es la habitual; el contenido se revela según los tipos de arte popular. El primer bloque está dedicado a las artes y oficios populares, el segundo, al arte popular oral. El DPI del Pueblo incluye las siguientes secciones del curso de formación: conceptos básicos de la representación artística; ornamento en el arte de los pueblos del mundo, estructura y tipos; Adorno popular ruso, estudio creativo en el proceso de representación; Trabajo artístico basado en el conocimiento de las artes populares y creativas. El arte popular oral incluye las siguientes secciones: material educativo para la comprensión auditiva; material educativo para la lectura independiente; fiestas folclóricas. Todos los apartados del programa incluyen un listado aproximado de juegos, ejercicios y trabajos creativos artísticos y didácticos. El maestro tiene grandes oportunidades para la creatividad pedagógica y artística al preparar y realizar formas de trabajo de clase como lecciones generales, lecciones de vacaciones, formas de trabajo colectivo, lecciones de creación y experimentación de formas. El juego se considera una de las técnicas metodológicas líderes en la organización del trabajo creativo de los niños de primaria en el aula. SOKOLNIKOVA El contenido del programa "Bellas Artes" corresponde a los siguientes objetivos: - introducir a los escolares en el mundo de las bellas artes, desarrollar su creatividad y cultura espiritual - dominar los conocimientos básicos sobre el mundo de las artes plásticas: bellas artes, artes y manualidades; , diseño arquitectónico; sobre las formas de su existencia en el entorno cotidiano del niño: educación de la capacidad de respuesta emocional y la cultura de la percepción de las obras de bellas artes profesionales y populares; Sentimientos morales y estéticos: amor por la naturaleza nativa, el pueblo, la Patria, el respeto por sus tradiciones, el pasado heroico, la cultura multinacional.

Principios didácticos básicos de la metodología de la enseñanza de las bellas artes en la escuela (Revelar la esencia de los principios de actividad y conciencia, el principio de accesibilidad y fortaleza, los principios de la enseñanza educativa, el principio de cientificidad, el principio de sistematicidad y coherencia en enseñanza de bellas artes)

La metodología es un conjunto de técnicas didácticas y educativas. Técnicas de enseñanza - momentos, del gato. está surgiendo un método de enseñanza. Un sistema de formación se forma a partir de un conjunto de técnicas y métodos de enseñanza unidos por una dirección común. Uso adecuadamente organizado y metodológicamente competente de principios didácticos y métodos de enseñanza en las lecciones de arte. el arte contribuye a aumentar eficacia de la enseñanza y la educación. proceso: Aumenta la actividad, el interés, Desarrollo del amor por el arte, Desarrolla la reproducción. , atención, imaginación, pensamiento, memoria, habla, etc. Habiéndolo dominado. conocimiento, superación en habilidades y capacidades. Forma la capacidad de aplicar los conocimientos en la práctica.

Principios didácticos importantes en relación con los métodos de enseñanza. fundamentos del arte arte en la escuela:

Principio científico: conexión entre la ciencia y la materia académica.

Principio de visibilidad: apoyado en la percepción visual.

El principio de la conciencia y la actividad del estudiante.

El principio de conexión entre teoría y práctica.

El principio de la fuerza de la adquisición del conocimiento.

El principio de sistematicidad y coherencia.

El principio de la formación educativa.

Forma una personalidad moral, jurídica, estética, física. cultura y vida, comunicación. Fomenta el desarrollo intelectual y del individuo. Habilidades cognitivas teniendo en cuenta los intereses de los estudiantes. El principio es sistemático. y consecuente aprendizaje: continuidad y conexión del nuevo material con lo aprendido, ampliación y profundización del conocimiento. Estudiante nuevo el material recuerda lo percibido anteriormente, lo aclara y lo complementa, requiere una regla estricta de no pasar a un nuevo material educativo hasta que el anterior haya sido dominado y consolidado

La esencia del principio de conciencia y actividad es el uso hábil de diversas técnicas que ayudan a estimular la necesidad y el interés por adquirir conocimientos, dando al proceso educativo un carácter problemático. Para el dominio consciente y activo de los conocimientos es necesario: acostumbrar a los escolares a plantear preguntas, tanto frente al profesor como para su respuesta y resolución independientes; Desarrollar en los estudiantes un enfoque independiente del material en estudio, pensar profundamente en las conclusiones y conceptos teóricos, ideas ideológicas y moral-estéticas que se encuentran contenidos en su contenido. Este problema no puede resolverse si el profesor no logra despertar y mantener la actividad cognitiva y la conciencia de los estudiantes en el proceso de aprendizaje.

La esencia del principio de sistematicidad y coherencia es garantizar que los estudiantes dominen sistemáticamente un determinado sistema de conocimientos en diferentes campos de la ciencia y asistan sistemáticamente a la escolarización. Garantizar un aprendizaje sistemático y consistente requiere que los estudiantes comprendan profundamente la lógica y el sistema en el contenido del conocimiento que están aprendiendo, así como un trabajo sistemático para repetir y generalizar el material que se está estudiando. Una de las razones comunes del fracaso de los estudiantes es la falta de un sistema en su trabajo académico, su incapacidad para mostrar perseverancia y diligencia en sus estudios.

El principio de fuerza refleja esa característica del aprendizaje según la cual el dominio de conocimientos, habilidades, destrezas, ideas ideológicas y morales-estéticas se logra sólo cuando, por un lado, se comprenden completamente y, por otro lado, se comprenden bien. dominado y retenido en la memoria durante mucho tiempo. La fuerza del aprendizaje se logra, en primer lugar, cuando los estudiantes completan un ciclo completo de acciones educativas y cognitivas durante el proceso de aprendizaje: percepción y comprensión primaria del material en estudio, su posterior comprensión más profunda, realizando algún trabajo para memorizarlo, aplicarlo. los conocimientos adquiridos en la práctica, y sobre su repetición y sistematización. Para una buena asimilación de conocimientos es de gran importancia la evaluación y el control sistemáticos de los conocimientos de los estudiantes.

La esencia del principio científico es que el contenido de la educación en la escuela debe ser científico y tener una orientación de cosmovisión. Para implementarlo, el docente debe: revelar de manera profunda y concluyente cada posición científica del material que se estudia, evitando errores, inexactitudes y memorización mecánica de conclusiones teóricas y generalizaciones por parte de los estudiantes; mostrar la importancia del material en estudio para comprender los acontecimientos sociopolíticos modernos y su correspondencia con los intereses y aspiraciones del pueblo.

La esencia del principio de accesibilidad radica en la necesidad de tener en cuenta la edad y las características individuales de los estudiantes en el proceso educativo y la inadmisibilidad de su excesiva complejidad y sobrecarga, en las que el dominio del material en estudio puede resultar abrumador.

Hacer accesible el aprendizaje significa: correctamente, teniendo en cuenta las capacidades cognitivas de la edad de los estudiantes, determinando su contenido, la cantidad de conocimientos, habilidades y habilidades prácticas que los escolares de cada grado deben dominar en cada materia académica. Determinar correctamente el grado de complejidad teórica y profundidad de estudio del material del programa. Determinar correctamente la cantidad de tiempo de estudio destinado al estudio de cada materia académica, teniendo en cuenta su importancia y complejidad y asegurando su asimilación profunda y duradera. Es necesario mejorar los planes de estudio y los libros de texto. El profesor debe utilizar material fáctico vívido en el proceso de enseñanza, presentarlo de forma compacta e inteligible, conectarlo con la vida y guiar hábilmente a los estudiantes a conclusiones y generalizaciones teóricas. Tener en cuenta las características individuales de la actividad mental y la memoria de los estudiantes, así como el nivel de su preparación y desarrollo.

El principio de conectar la teoría con la práctica establece que el proceso de aprendizaje alienta a los estudiantes a utilizar los conocimientos adquiridos para resolver los problemas asignados, analizar y transformar la realidad circundante, desarrollando sus propios puntos de vista. Para ello se utiliza el análisis de ejemplos y situaciones de la vida real. Una de las direcciones para implementar este principio es la participación activa de los estudiantes en actividades socialmente útiles en la escuela y fuera de ella.

. El principio de visibilidad en la enseñanza de las bellas artes. Ayudas visuales para lecciones de bellas artes. Tipos de ayudas visuales. Requisitos para ayudas visuales.

La esencia del principio de visibilidad está determinada por una serie de factores: la visibilidad del aprendizaje se deriva del hecho de que actúa como un medio para que los estudiantes comprendan el mundo que los rodea y, por lo tanto, este proceso ocurre con más éxito si se basa en observación directa y estudio de objetos, fenómenos o eventos.

El proceso cognitivo requiere la inclusión de diversos órganos de percepción en la adquisición del conocimiento. Según Ushinsky, el aprendizaje visual aumenta la atención de los estudiantes y promueve una asimilación más profunda del conocimiento.

La claridad del aprendizaje se basa en las características del pensamiento de los niños, que se desarrolla de lo concreto a lo abstracto. La visibilidad aumenta el interés de los estudiantes por el conocimiento y facilita el proceso de aprendizaje. Muchos conceptos teóricos complejos, con el uso hábil de la visualización, se vuelven accesibles y comprensibles para los estudiantes. Las ayudas visuales incluyen: objetos y fenómenos reales en su forma natural, modelos de automóviles, maniquíes, ayudas ilustrativas (pinturas, dibujos, fotografías), ayudas gráficas (esquemas, gráficos, diagramas, tablas), diversos medios técnicos (películas educativas, formación en software, ordenadores).

Funciones de visibilidad: ayuda a recrear la forma, esencia de un fenómeno, su estructura, conexiones, interacciones para confirmar posiciones teóricas;

ayuda a poner en funcionamiento todos los analizadores y los procesos mentales asociados de sensación, percepción y representación, como resultado de lo cual surge una rica base empírica para la actividad mental generalizadora-analítica de niños y maestros;

forma cultura visual y auditiva en los estudiantes;

da retroalimentación al maestro: basándose en las preguntas formuladas, los estudiantes pueden juzgar su dominio del material, el movimiento de sus pensamientos hacia la comprensión de la esencia del fenómeno.

Tipos de visualización educativa

Modelos de materiales naturales (objetos reales, maniquíes, cuerpos geométricos, maquetas de objetos, fotografías, etc.)

Imágenes gráficas convencionales (dibujos, croquis, esquemas, gráficas, mapas geográficos, planos, esquemas, etc.)

Modelos de signos, fórmulas y ecuaciones matemáticas, químicas y otros modelos interpretados.

Modelos visuales dinámicos (películas de cine y televisión, transparencias, dibujos animados, etc.)

22. La lección como forma principal de organización del proceso educativo en bellas artes en la escuela. Tipos de lecciones. Estructura de una lección de arte. Objetivos educativos de la lección. Requisitos modernos para preparar y impartir lecciones de bellas artes.

Cla ?ssno-uro ?sistema personal ?mi estudio ? niya: la organización predominante y generalizada del proceso de aprendizaje en la educación moderna, en la que, para las sesiones de formación, los estudiantes de la misma edad se agrupan en pequeños grupos (clases) que conservan su composición durante un período de tiempo determinado (generalmente un año académico). ), y todos los estudiantes trabajan para dominar el mismo material. En este caso, la principal forma de formación es la lección. Una lección es una lección impartida por un profesor con una composición constante de alumnos del mismo nivel de formación, unidos en un subgrupo o equipo de clase. Las lecciones se alternan, según un horario fijo, e incluyen el trabajo frontal, en equipo e individual de los escolares utilizando diferentes métodos de enseñanza. La duración de una lección en talleres es de dos horas académicas (45 minutos cada una). Los orígenes de la forma de educación de clase-lección se pueden encontrar en las civilizaciones antiguas y en la era de la antigüedad, por ejemplo, agoge, el sistema educativo espartano. donde la forma de clase estaba representada por "ángeles" - escuadrones. La forma de educación de clase-lección basada en un plan de estudios y un plan de organización educativa "una clase - un año", surgió a principios del siglo XVI en Europa. el reformador Johann Agricola (plan de estudios de Eisleben) (1527), sistema de organización desarrollado por el humanista y educador Philip Melanchthon, escuelas y universidades alemanas (Carta Sajona) (1528), Gimnasio de Johann Sturm en Estrasburgo (1537), plan de estudios de Württemberg. El reformador suabo John Brenz (1559), etc. El profesor checo Jan Amos Comenius, resumiendo la experiencia de las escuelas, colegios y universidades progresistas de Europa, desarrolló un sistema clase-lección-asignatura contenido en su teoría de la educación y la crianza universales. -El sistema de enseñanza actualmente se refiere a la educación tradicional. Cumplida su misión histórica, este sistema comienza a perder eficacia en las condiciones socioculturales y económicas modernas. Deben reconocerse las principales desventajas del sistema clase-lección-asignatura: la imposibilidad de tener en cuenta muchos factores sociales que afectan al niño, la imposibilidad del autodesarrollo creativo del niño, la incapacidad de absorber información e innovaciones tecnológicas, la incapacidad para mantenerse al día con el ritmo de los cambios en la sociedad, y otros. La modernización más decisiva del sistema de clases presenciales (Brown, Trump, Parkhurst y otros) se basó en una selección diferente de contenidos. El rechazo más radical del sistema subordinado, llevado a cabo por los reformadores (Kilpatrick, Linke, Dekrol, etc. ), se redujo a una diferenciación diferente del contenido. Por lo tanto, no resolvieron el problema en esencia y, en el mejor de los casos, mejoraron el sistema aula-leccion-asignatura en determinadas condiciones sociopolíticas y económicas. Tipos y estructura de lecciones. La estructura de una lección es un conjunto de elementos de una lección que garantiza su integridad y la preservación de las características principales de la lección en varias opciones. Elementos estructurales de la lección. I. Organización del inicio de la lección (2 minutos). Interesar a los niños, atraer su atención sobre la lección, comunicar el tema y el propósito de la lección. II. Revisar la tarea (3 minutos). el nivel de material aprendido del tema anterior y la preparación para la percepción de nueva información. III. Parte principal. Aprendizaje de material nuevo (20 minutos). Presentación científica, apasionante y accesible de material nuevo con la participación de los estudiantes. IV. Consolidación primaria de conocimientos (5 minutos). Puede utilizar tareas especiales después de explicar el material nuevo. Llevar a cabo una conversación para desarrollar habilidades y aplicar conocimientos. V. Resumiendo la lección (2 minutos). Descubra qué aprendieron los niños en la lección, qué cosas nuevas aprendieron y justifique la evaluación de los conocimientos de los estudiantes. VI. Información de tareas (3 minutos). Informar la tarea y explicar cómo completarla. Tipos. La clasificación más común utilizada en la práctica fue presentada por B.P Esipov e identificó los siguientes tipos de lecciones: 1. Aprender material nuevo. 2. Lección para consolidar conocimientos y desarrollar habilidades. 3. Lección de generalización y sistematización del conocimiento. 4. Lección de control y corrección de los conocimientos, destrezas y habilidades de los estudiantes. 5. Lección combinada o mixta. Tipo 1: Aprendizaje de material nuevo. Tipo de lección: - conferencia, - lección con elementos de conversación, - conferencia con elementos de presentación, lección, conferencia, excursión, trabajo de investigación. El propósito de la lección: aprender nuevos conocimientos y consolidarlos inicialmente. Tipo 2: Lección para consolidar conocimientos y desarrollar habilidades. Tipo de lección: - taller, - excursión - trabajo de laboratorio - juego de negocios, - discusión de lecciones. Objeto de la lección: Consolidación secundaria de los conocimientos adquiridos, desarrollo de habilidades y destrezas para su aplicación. Tipo 3: Lección de generalización y sistematización del conocimiento. Tipo de lección: - seminarios, conferencias, lecciones generalizadas, lecciones de entrevista, lecciones de discusión, debates. Propósito de la lección: Generalización del conocimiento de los estudiantes en el sistema. Probar y evaluar los conocimientos de los estudiantes. Este tipo de lección se utiliza al revisar grandes secciones del material estudiado. Tipo 4: Lección de control y corrección de los conocimientos, destrezas y habilidades de los estudiantes. Tipo de lección: examen - prueba, Propósito de la lección: Determinar el nivel de conocimientos, destrezas y habilidades de los estudiantes e identificar la calidad del conocimiento de los estudiantes, reflejo de sus propias actividades. Tipo 5: Clase combinada o mixta. Tipo de lección: - práctica - conferencia - seminario - prueba - conferencia, Objetivo de la lección: Desarrollar las habilidades de aplicación independiente de conocimientos en un complejo y transferirlos a nuevas condiciones. Estructura de la lección. I. Organización del inicio de la lección (2). Interesar, llamar la atención sobre la lección, comunicar el tema y el propósito de la lección. II. Marque hasta s (3). Un cierto nivel de dominio del material del tema anterior y preparación de los escolares para percibir nueva información (dependiendo de la forma de formación, puede que no esté presente). III. Parte principal. Aprender material nuevo (20). Presentación científica, apasionante y accesible de material nuevo con la participación de los estudiantes. IV. Consolidación primaria de conocimientos (5). Puede utilizar tareas especiales después de explicar el material nuevo. Llevar a cabo una conversación para desarrollar habilidades y aplicar conocimientos. V. Resumiendo la lección (2 minutos). Descubra qué aprendieron los niños en la lección, qué cosas nuevas aprendieron y justifique la evaluación de los conocimientos de los estudiantes. VI. Información de tareas (3 minutos). Informar la tarea y explicar cómo completarla.

. Tipos de actividades visuales y su importancia en el desarrollo mental, moral, estético y físico de los escolares. (Dibujo, modelado, apliques, diseño)

Actividades principales:

Imagen en plano y en volumen (de la naturaleza, de la memoria y de la imaginación);

trabajos decorativos y constructivos;

aplique;

modelado volumétrico-espacial;

actividades de diseño y construcción;

fotografía artística y filmación de videos;

percepción de la realidad y obras de arte;

discusión sobre el trabajo de los compañeros, los resultados de la creatividad colectiva y el trabajo individual en clase;

estudio del patrimonio artístico;

selección de material ilustrativo para los temas en estudio;

escuchar obras musicales y literarias (folclóricas, clásicas, modernas).

La educación mental se centra en el desarrollo de las capacidades intelectuales de una persona, el interés por comprender el mundo que la rodea y a sí mismo.

Se supone:

desarrollo de la fuerza de voluntad, la memoria y el pensamiento como principales condiciones de los procesos cognitivos y educativos;

formación de una cultura del trabajo educativo e intelectual;

estimular el interés por trabajar con libros y nuevas tecnologías de la información;

así como el desarrollo de cualidades personales: independencia, amplitud de miras, capacidad de ser creativo.

Las tareas de la educación mental se resuelven mediante formación y educación, entrenamientos y ejercicios psicológicos especiales, conversaciones sobre científicos, estadistas de diferentes países, concursos y olimpiadas, participación en el proceso de búsqueda creativa, investigación y experimentación.

La ética constituye la base teórica de la educación moral.

Las principales tareas de la educación ética son:

acumulación de experiencia moral y conocimiento sobre las reglas de comportamiento social (en la familia, en la calle, en la escuela y otros lugares públicos);

uso razonable del tiempo libre y desarrollo de las cualidades morales del individuo, como una actitud atenta y solidaria hacia las personas; honestidad, tolerancia, modestia y sensibilidad; organización, disciplina y responsabilidad, sentido del deber y honor, respeto a la dignidad humana, trabajo duro y cultura de trabajo, respeto al bien nacional.

En el proceso de educación moral se utilizan ampliamente métodos como la persuasión y el ejemplo personal, el consejo, los deseos y la retroalimentación aprobatoria, la evaluación positiva de las acciones y los hechos y el reconocimiento público de los logros y méritos de una persona. También es recomendable llevar a cabo conversaciones y debates éticos utilizando ejemplos de obras de arte y situaciones prácticas. Al mismo tiempo, el espectro de la educación moral implica tanto la censura pública como la posibilidad de castigo disciplinario y diferido.

El objetivo de la educación estética es el desarrollo de una actitud estética ante la realidad. La actitud estética presupone la capacidad de percibir emocionalmente la belleza. Puede manifestarse no sólo en relación con la naturaleza o una obra de arte. Por ejemplo, I. Kant creía que al contemplar una obra de arte creada por la mano del genio humano, nos familiarizamos con lo “bello”. Sin embargo, sólo percibimos como “sublimes” un océano embravecido o una erupción volcánica que el hombre no puede crear. (Kant I. Crítica de la capacidad de juzgar. M. 1994.) Gracias a la capacidad de percibir la belleza, una persona está obligada a llevar la estética a su vida personal y a la vida de los demás, a la vida cotidiana, a las actividades profesionales y a la panorama social. Al mismo tiempo, la educación estética debería protegernos de caer en el “esteticismo puro”. En el proceso de educación estética se utilizan obras artísticas y literarias: música, arte, cine, teatro, folklore. Este proceso implica la participación en la creatividad artística, musical y literaria, la organización de conferencias, conversaciones, encuentros y veladas de conciertos con artistas y músicos, la visita a museos y exposiciones de arte y el estudio de la arquitectura de la ciudad. La organización estética del trabajo, el diseño atractivo de las aulas, auditorios e instituciones educativas y el gusto artístico manifestado en el estilo de vestir de los alumnos, estudiantes y profesores tienen importancia educativa. Esto también se aplica al panorama social de la vida cotidiana. Los ejemplos incluyen limpieza de entradas, paisajismo de calles, diseño original de tiendas y oficinas.

Los principales objetivos de la educación física son: el desarrollo físico adecuado, el entrenamiento de la motricidad y del aparato vestibular, diversos procedimientos para endurecer el cuerpo, así como el desarrollo de la fuerza de voluntad y el carácter, destinados a aumentar el rendimiento de la persona. La organización de la educación física se realiza mediante ejercicios físicos en el hogar, en la escuela, en la universidad y en las secciones deportivas. Presupone control sobre el régimen de actividades educativas, trabajo y descanso (gimnasia y juegos al aire libre, caminatas y competiciones deportivas) y prevención médica de enfermedades de la generación más joven. Para criar a una persona físicamente sana, es extremadamente importante cumplir con los elementos de una rutina diaria: sueño prolongado, nutrición rica en calorías y una combinación reflexiva de varios tipos de actividades.

. Patrones de manifestación de las habilidades creativas de los escolares en las lecciones de bellas artes. Fundamentos del trabajo de investigación en el campo de las actividades visuales infantiles.

La creatividad de los estudiantes se entiende como una solución independiente a las nuevas tareas que se les asignan. Las clases de dibujo proporcionan todos los requisitos previos para el desarrollo de la creatividad. Su manifestación puede asociarse no solo a la solución de un problema de imagen complejo, como en una composición temática, sino también al problema monosilábico más simple, resuelto en un boceto de la vida, de la memoria y la imaginación. Llevar a un niño a la independencia de resolver un nuevo problema, a descubrimientos es mi trabajo.

El trabajo sistemático en las bellas artes desarrolla cualidades de la personalidad como el pensamiento espacial, un agudo sentido del color, la vigilancia de la vista y forma las cualidades del intelecto de una persona, que en última instancia son importantes no solo para el trabajo de crear un dibujo, boceto o modelo de un objeto, sino también para cualquier especialidad, que luego el alumno elegirá por sí mismo. Estas cualidades incluyen, en primer lugar, la representación imaginativa y el pensamiento lógico; son las condiciones de la creatividad en cualquier actividad humana. Estas cualidades ya se manifiestan en los niños en edad de asistir a la escuela primaria en sus estudios de bellas artes, que se convierten en una necesidad para una personalidad en desarrollo. En mayor medida, estas actividades contribuyen a la manifestación de la individualidad del estudiante, lo que crea condiciones especialmente favorables para el desarrollo de habilidades creativas.

Al supervisar las actividades visuales, debo recordar que esta no es una lección educativa ordinaria en la que simplemente aprenden algo, aprenden algo, sino una actividad artística y creativa que requiere que los niños tengan una actitud emocional positiva, el deseo de crear una imagen. , una imagen, aplicando Esto es un esfuerzo físico y mental. Sin esto, el éxito es imposible.

Doy gran importancia a la comunicación con la naturaleza en la enseñanza y la crianza de los niños. Es la naturaleza en toda su belleza la que inspira a la gente a crear: representar, decorar, construir.

La naturaleza ha dotado a los niños de la capacidad de empatizar vívida y emocionalmente con cosas nuevas y de percibir el mundo de manera integral. A diferencia de los adultos, los niños no tienen las herramientas para encarnar lo que sienten. Este complejo contenido ideológico y emocional de un objeto inicialmente vive sólo en el alma del niño, es "invisible" y no tiene una apariencia externa prefabricada; Hay que imaginarla, es decir, darle las imágenes y la forma adecuadas, en las que la idea se vuelva visible, tangible y accesible para otras personas. Para ello, necesito enriquecer el arsenal de formas que tienen los niños de expresarse; necesito darles la oportunidad de explorar el mundo y manipularlo.

A veces se encuentra la opinión de que un niño trabaja de forma creativa cuando el maestro le da total libertad para dibujar sobre los temas: elegir un tema, momento, forma de imagen. Cuanto más amplia sea esta elección, más condiciones favorables se crearán para la manifestación de su iniciativa. Por ejemplo, cuando se trabaja en una ilustración, se le indica un cuento de hadas, entre el que puede elegir en cualquier momento. O incluso más amplio: puede elegir cualquier cuento de hadas. Sin embargo, en estos casos no existe una tarea específica que deba estimular la actividad del niño en la búsqueda de medios visuales para resolver la respuesta a la tarea visual que se le ha asignado. En otras palabras, la tarea que se le ha encomendado es tan amplia y ambigua que cualquier imagen puede significar que la tarea ha sido completada. La experiencia demuestra que en estos casos los niños eligen el camino de menor resistencia. Representan lo que vieron en los dibujos de sus compañeros, en las ilustraciones de libros o lo que les dice el maestro con un dibujo en la pizarra. Pero tal dibujo no requiere mucha actividad, fuerza de voluntad, tensión de memoria y otros componentes de una búsqueda genuina.

Esto significa que no todas las formas de enseñanza desarrollan las capacidades creativas de los niños. La unidad de estimulación educativa y creativa debe lograrse a través de tareas que introduzcan a los estudiantes en conceptos e ideas elementales sobre la realidad y las características de las imágenes en un plano, mediante el desarrollo de diversas habilidades para dominar los conceptos básicos de una imagen realista. Incluyo varios ejercicios elementales entre dichas tareas. Pueden estar determinados por diferentes tareas educativas en el trabajo desde la vida, desde la memoria y desde la imaginación, en el trabajo decorativo. Junto con los ejercicios-estudios sencillos y de corta duración, también incluyo tareas complejas más complejas, donde se resuelven varios problemas simultáneamente. Por otro lado, es necesario acotar y especificar tareas temáticas, es decir, planteo tareas visuales específicas para los niños, que deben resolver de forma independiente. En estas condiciones, ambas líneas (alfabetización y desarrollo de la creatividad) se implementan con éxito. La iniciativa y la búsqueda creativa del niño debe estar presente en todas las tareas.

Creo que una condición importante para el desarrollo de la imaginación creativa de los niños es el uso de una variedad de materiales y técnicas, así como un cambio en los tipos de actividades visuales.

La estructura más efectiva del contenido de aprendizaje es variable, ya que permite el uso de un enfoque diferenciado para los estudiantes y les permite desarrollar sus habilidades de acuerdo con sus habilidades individuales.

Dominar tantas técnicas diferentes como sea posible le permite enriquecer y desarrollar el mundo interior del niño, mostrar imaginación creativa: la capacidad de crear una imagen sensual que revele el contenido interior.

Es necesario despertar el interés personal del niño por el arte. Las tareas que requieren la expresión del propio sentido de actitud, estado de ánimo e intención me ayudan con esto.

Las tareas creativas son abiertas y no tienen una respuesta correcta. Hay tantas respuestas como niños. Mi función no es sólo comprender y aceptar una variedad de decisiones, sino también mostrar a los niños la validez de estas diferencias.

El uso de la tecnología informática permite desarrollar el interés por las bellas artes en una nueva calidad. Para lograr los mejores resultados en el aprendizaje y el desarrollo de habilidades creativas, las tecnologías informáticas son indispensables, porque tienen mayores capacidades y permiten obtener los máximos resultados a un costo mínimo.

El uso de una computadora en las lecciones de bellas artes permite desarrollar activamente las habilidades creativas y cognitivas de cada estudiante; crea un estado de ánimo emocional, esto a su vez tiene un efecto positivo en el desarrollo de la creatividad artística.

Todos los hallazgos interesantes sobre el desarrollo de la imaginación infantil se sistematizan para la organización de posteriores exposiciones colectivas y personales de obras infantiles.

. El docente como organizador y líder del proceso educativo en bellas artes.

Profesor de arte desarrolla el gusto estético, los conocimientos y habilidades artísticas, fomenta el deseo de conocimiento y perfección para hacer que todo lo que nos rodea sea mejor y más hermoso. El docente plantea tareas educativas al alumno, organiza sus observaciones en el proceso de construcción de una imagen de acuerdo con un determinado sistema, enseña el análisis de la naturaleza en el proceso de construcción de una imagen, indica el camino hacia la más rápida asimilación del material educativo, enseña análisis , dirige la atención a las características más importantes de la estructura y monitorea de cerca el trabajo de los pensamientos del estudiante, guiándolo y apoyándolo constantemente. sin perder de vista su trabajo. Desde el primer grado, sienta las bases de conocimientos y habilidades para la representación realista en los estudiantes y los aleja del dibujo ingenuo y primitivo.

Después de la explicación, la maestra recorre la clase y observa el trabajo de los niños. Al notar un error, llama la atención de uno o varios estudiantes sobre él y explica el motivo del error.

Al presentar material educativo, es necesario que todos los estudiantes comprendan el tema, mantengan la atención de los estudiantes, presenten hábilmente el tema de la lección, complicando las tareas con el tiempo. Al enseñar a dibujar del natural, el docente presta atención a las cuestiones de observación, percepción y análisis de la naturaleza, ilustra las explicaciones con dibujos en la pizarra o material didáctico. El dibujo pedagógico activa el trabajo y aumenta el interés por el arte. Puede utilizar el método: prepare previamente la pizarra para la lección marcando con puntos las dimensiones y proporciones de la imagen futura y, ya durante la lección, reproduzca rápidamente el dibujo siguiendo estas pautas.

Una planificación clara de las lecciones garantiza la distribución del material educativo a lo largo del tiempo. académico total año, la intensidad de las lecciones está determinada por la cantidad de material educativo. Este sistema permite utilizar eficazmente el tiempo de estudio y planificar claramente el trabajo según el programa para todo el año. Durante la lección, el maestro da los conceptos necesarios, revela la secuencia de presentación del material educativo, los métodos de uso de ayudas visuales y en las notas de la lección es necesario delinear la metodología de trabajo con la clase con el mayor detalle posible. .

. Planificación y organización de la labor docente en bellas artes para el curso y trimestre académico. Plan de lecciones temático-calendario ilustrado para bellas artes

Las principales funciones de un profesor de bellas artes en la escuela: educativas, educativas y organizativas.

El éxito de cualquier negocio depende de su organización. La organización del proceso educativo significa planificar todo el material de una asignatura desde la lección hasta el año y todos los años de estudio. Para lograr sistematicidad, coherencia y aceptabilidad de conocimientos, habilidades y capacidades, es necesario planificar el trabajo con niños por año. Para ello, elaboran un plan temático para el año (otro nombre es plan temático del calendario).

Formas del plan temático:

el formulario de informe es una tabla con secciones: clase, trimestre, número de lección, tema de la lección, tarea práctica, materiales para completar la tarea, nota;

la forma ilustrada es un mosaico de dibujos dispuestos en un sistema lógico (ver Figura 1), gracias a las ilustraciones que revelan el tema de la lección, los materiales de imagen, el nivel de dificultad de la tarea, haciendo visual el plan temático;

la forma combinada es un sistema de tarjetas (ver Figura 2), que contienen no solo información general sobre la lección planificada, que se requiere para la planificación temática, sino también parte de la información de planificación de la lección (equipo de la lección, plan de lección, métodos y técnicas de enseñanza y educación).

Requisitos para el plan temático en bellas artes:

Orientación moral del contenido de las clases.

Cumplimiento del material planificado con el programa.

Disponibilidad del material previsto para la edad de los niños.

Aumento constante de la complejidad de las tareas educativas, aceptabilidad del material didáctico.

La presencia de conexiones interdisciplinarias y entre lecciones (principio de planificación temática de bloques).

Cumplimiento del calendario natural y social.

Al elaborar un plan temático, se debe considerar lo siguiente:

) número de lecciones por año: 35;

) número de lecciones por trimestre: en el primer y segundo trimestre - 8 lecciones cada uno, en el tercer trimestre - 12 lecciones, en el cuarto trimestre - 7 lecciones.

) límites temporales de los trimestres académicos: I trimestre: del 1 de septiembre al 5 de noviembre; II trimestre: 10 de noviembre - 30 de diciembre; III trimestre: 12 de enero - 22 de marzo; IV trimestre: 1 de abril - 30 de mayo.

La creatividad del docente se expresa, en primer lugar, en la lógica de construir bloques de lecciones a partir de los temas de las lecciones propuestas por los programas.

Por ejemplo: un bloque de arte sobre el tema "Vacaciones de la gente" puede incluir lecciones con los siguientes temas:

“Paisaje de la tierra natal” (dibujo temático).

“Rasgos de la decoración del hogar nacional y costumbres de los pueblos que habitan la región” (conversación con bocetos de elementos de la decoración del hogar y vestimenta).

“Bodegón decorativo”, compuesto por artículos del hogar (dibujo del natural).

“Bocetos de una figura humana en movimiento tomados del natural”.

“Celebración festiva popular” (“Feria”) (trabajo individual, grupal o colectivo en un panel temático) Los requisitos modernos para la gestión de una institución educativa requieren enfoques competentes para organizar el proceso educativo por parte del cuerpo administrativo y docente. El plan de estudios es un documento normativo que define: 1) el contenido de los conocimientos y habilidades básicos en cada materia académica; 2) la lógica y secuencia del estudio de los temas; 3) la cantidad total de tiempo para estudiar ciertos temas. Los planes de estudio se dividen en varios tipos principales: 1) programas estándar; 2) programas de trabajo; 3) programas originales. A nivel de las instituciones educativas, se han desarrollado enfoques unificados para el desarrollo y diseño de programas de trabajo de los docentes. Programa de trabajo de cursos y disciplinas de formación. Un programa de trabajo es un documento normativo y de gestión de una institución educativa que caracteriza el sistema de organización de las actividades educativas de un docente. Los principales documentos que definen los requisitos para el nivel de preparación de los estudiantes y el contenido mínimo de la educación son: el estándar educativo estatal (componentes federales y nacional-regionales; el plan de estudios básico de las escuelas de la Federación de Rusia, incluida la distribución del contenido educativo por parte); campos educativos, disciplinas académicas; programas educativos estándar (aproximados) para cada disciplina académica del plan de estudios básico. La peculiaridad del programa de trabajo es que se crea para una institución educativa específica (específica), y la individualidad es que es desarrollada por el docente para sus actividades. Por lo tanto, el programa de trabajo del docente debe mostrar cómo, teniendo en cuenta las condiciones específicas, las necesidades educativas y las características de desarrollo de los estudiantes, el docente crea un modelo pedagógico individual de educación basado en los estándares estatales. El programa de trabajo de una asignatura académica es una herramienta individual para el docente, que proporciona los contenidos, formas, métodos y técnicas más óptimos y efectivos para organizar el proceso educativo de una clase en particular con el fin de obtener un resultado que cumpla con los requisitos de la norma. . Plan temático Para el docente, el plan temático es el documento principal de la actividad. Se compila por un cierto período de tiempo, pero generalmente por un año. El objetivo principal de este documento es planificar las actividades lectivas del profesor. La planificación se presenta con mayor frecuencia en forma de tabla, que tiene varios elementos obligatorios: número de lección, tema de la lección, propósito y objetivos de la lección, contenido de la lección, material adicional, tarea. En el plan temático también se debe indicar: - Prueba, laboratorio, trabajos prácticos (cantidad), listado de excursiones - Requisitos para el nivel de preparación de los estudiantes para cada tema (conocimientos, habilidades), etc. Requisitos generales de planificación: cumplimiento con el contenido de los programas;

cumplimiento del volumen de horas incluidas en el programa y plan de estudios;

tipos alternos de actividades;

correspondencia con acontecimientos de la vida de la sociedad y los estudiantes;

Cumplimiento de los principios de la didáctica. El plan general debe reflejar los siguientes puntos:

§ lugar de la lección en el sistema de lecciones; tema de la lección; la clase en la que se lleva a cabo; objetivos de educación, desarrollo y educación; tipo de material didáctico (incluido el software de la lección, indicando la secuencia de sus etapas y la distribución aproximada del contenido del material educativo); de ejercicios y tareas para la organización de las actividades de los estudiantes; métodos de enseñanza en cada etapa de la lección; tarea.

Tema de la lección: Clase: Metas: educativas - Tipo de lección: Herramientas de aprendizaje:

educativo - dominar el concepto..., practicar habilidades..., practicar habilidades de aplicación..., generalizar y sistematizar conocimientos sobre...

educativo - educación de la moral, actividad, trabajo duro, ...

desarrollando - desarrollo de un estilo de pensamiento algorítmico, combinatorio...

Tipos de lecciones:

una lección sobre el estudio y la consolidación inicial de nuevos conocimientos una lección sobre el desarrollo de habilidades

lección de aplicación de conocimientos, destrezas y habilidades lección de generalización y sistematización de conocimientos

lección sobre control y corrección de conocimientos, destrezas y habilidades lección combinada

. Dibujo pedagógico en las clases de bellas artes en la escuela. Tipos de dibujo pedagógico. Requisitos para la implementación de dibujos pedagógicos.

Lo principal en un dibujo pedagógico es la concisión de la imagen, su sencillez y claridad. Los dibujos en la pizarra deben transmitir la idea más importante del profesor, omitiendo todo lo aleatorio y sin importancia. En las clases de dibujo la claridad del aprendizaje es primordial, siendo uno de los principales medios de información sobre el material que se estudia. A partir de la impresión visual obtenida durante el examen, acompañada de una explicación del profesor, los escolares reciben una comprensión completa del material que se está estudiando, les resulta más fácil comprender, comprender y recordar lo principal del tema de la lección.

Métodos de enseñanza visuales.

Un dibujo en una pizarra ayuda a comprender lo que ve e influye en el desarrollo mental del niño y en la exactitud de sus juicios.

El boceto del profesor en los márgenes del dibujo del alumno es necesario si uno o dos alumnos notan un error en el dibujo y no tiene sentido distraer la atención de toda la clase.

Corregir errores en el dibujo de un estudiante de la mano del maestro es de gran importancia educativa. Al observar al maestro trabajar en su álbum, el alumno recuerda todos los detalles de este proceso y luego intenta hacer lo que le dijo el maestro.

La demostración de dibujos de artistas destacados jugará un papel importante en el aprendizaje, porque el estudiante, al mirar el dibujo realizado por la mano de un gran maestro, ve la expresividad que se puede lograr dibujando con un lápiz común y corriente. .

El principio de visibilidad requiere tal presentación del material (educativo), en la que los conceptos e ideas de los estudiantes se vuelven más claros y específicos. Al aprender a dibujar del natural, se presta especial atención a la representación correcta de la naturaleza, a la transferencia correcta de los fenómenos en perspectiva, las características de luces y sombras y los diseños del sujeto. Para facilitar estas tareas básicas, es recomendable instalar modelos especiales (de alambre y cartón) junto a la naturaleza para que el cajón pueda ver claramente y comprender claramente tal o cual fenómeno, comprender el diseño de la forma del objeto, sus características. características.

Las principales ayudas visuales utilizadas en las lecciones de dibujo natural:

dibujos esquemáticos y tablas;

moldes de esculturas clásicas, modelos de alambre;

modelos y dispositivos especiales para demostrar la perspectiva y la luz y las sombras;

dibujos y tablas de la secuencia metodológica de trabajo sobre la imagen;

reproducciones de pinturas y dibujos de maestros;

películas que revelan la técnica del trabajo con lápiz y pincel;

dispositivos especiales: "Rueda cromática" y "Rueda tonal" para desarrollar el sentido del color y el tono en los niños.

. La visualización como medio para potenciar las actividades visuales de los escolares.

El principio de visibilidad radica en la percepción visual de un objeto en cualquier tipo de clase de dibujo: dibujo del natural, dibujo sobre temas, artes creativas, conversaciones sobre arte.

Dibujar de la vida es un método de aprendizaje visual. Consideramos que la visualización en la enseñanza del dibujo natural es la principal herramienta de enseñanza.

El mejor medio de aprendizaje visual es el dibujo del profesor en la pizarra, en una hoja de papel o en los márgenes del trabajo del alumno. Le ayuda a comprender lo que ve e influye en la corrección de su trabajo. Lo principal es la concisión de la imagen, la sencillez y la claridad.

La visualización es más eficaz que la explicación verbal. Y. A. Komensky proclamó el principio de claridad como la "regla de oro de la didáctica". Las tablas metodológicas revelan claramente la secuencia y características del dibujo, las posibilidades de la técnica de ejecución y los medios para lograr la expresividad emocional.

De gran importancia educativa y educativa es la demostración de ilustraciones de pinturas de artistas destacados a partir de material didáctico, cuyos ejemplos pueden mostrar claramente cómo analizar la naturaleza,

Al dibujar del natural, se presta especial atención a su correcta interpretación. Para facilitar la tarea, es recomendable instalar modelos especiales junto a la naturaleza para comprender el diseño, la forma del objeto y sus rasgos característicos. Visualización: diagramas, dibujos, tablas, modelos de yeso, modelos de alambre, plexiglás y cartón ayudan al alumno a ver correctamente, comprender la forma, estructura, color y textura. La secuencia sobre la imagen debe considerarse como una divulgación de tareas educativas específicas.

. Aprendizaje basado en problemas. Métodos de aprendizaje basado en problemas. tipos de lecciones

Dependiendo del objetivo, de la misión de la escuela, el aprendizaje puede ser problemático o no problemático. .

Funciones básicas del aprendizaje basado en problemas. A partir de la tarea de una escuela de educación general y de las conclusiones de una comparación del tipo de aprendizaje tradicional con el aprendizaje basado en problemas, podemos formular las funciones principales del aprendizaje basado en problemas. Se pueden dividir en generales y especiales. Se pueden indicar las siguientes funciones generales del aprendizaje basado en problemas: la asimilación por parte de los estudiantes de un sistema de conocimientos y métodos de actividad mental y práctica, el desarrollo de la inteligencia de los estudiantes, es decir, su independencia cognitiva y habilidades creativas, la formación de dialéctica. pensamiento en los escolares, la formación de una personalidad integralmente desarrollada. Además, el aprendizaje basado en problemas tiene las siguientes funciones: fomentar habilidades en la adquisición de conocimientos creativos (uso de un sistema de técnicas lógicas o métodos individuales de actividad creativa), fomentar habilidades en la aplicación creativa de conocimientos (aplicación de los conocimientos adquiridos en una nueva situación ) y la capacidad de resolver problemas educativos, formación y acumulación de experiencia actividad creativa (dominio de métodos de investigación científica, resolución de problemas prácticos y representación artística de la realidad), formación de motivos de aprendizaje, necesidades sociales, morales y cognitivas.

Método de presentación del monólogo. El maestro informa los hechos en una secuencia determinada, les da las explicaciones necesarias y demuestra experimentos para confirmarlos. El uso de ayudas visuales y ayudas técnicas didácticas se acompaña de un texto explicativo. El docente revela solo aquellas conexiones entre fenómenos y conceptos que son necesarias para comprender este material, presentándolas en el orden de la información. La alternancia de hechos se construye en una secuencia lógica, sin embargo, durante la presentación no se especifica la atención de los estudiantes al análisis de las relaciones de causa y efecto. No se dan los hechos "a favor" y "en contra"; Si se crean situaciones problemáticas es sólo con el objetivo de atraer la atención de los estudiantes y despertar su interés. Para crear una situación problemática, el maestro a menudo solo cambia el orden de los hechos informados, demostraciones, experimentos, visualización de ayudas visuales y, como elementos adicionales de contenido, utiliza datos interesantes de la historia del desarrollo del concepto en cuestión. estudiados o hechos que hablan de la aplicación práctica de los conocimientos adquiridos en ciencia y tecnología. El papel del estudiante al utilizar este método es más bien pasivo; el nivel de independencia cognitiva requerido para trabajar con este método es bajo.

Método de enseñanza del razonamiento. Si el profesor se propone mostrar un ejemplo de investigación sobre la formulación y solución de un problema integral, entonces utiliza el método de razonamiento. En este caso, el material se divide en partes, el docente para cada etapa proporciona sistemas de preguntas retóricas de carácter problemático con el fin de atraer a los estudiantes a un análisis mental de situaciones problemáticas, expone contradicciones objetivas en el contenido, pero también resuelve el uso. de oraciones de tipo narrativo e interrogativo, no se hacen preguntas de información (es decir, preguntas cuya respuesta debe reproducir conocimientos ya conocidos, proporcionar información sobre conocimientos conocidos), la narración se lleva a cabo en forma de conferencia. El método de reestructuración del material para trabajar con este método se diferencia principalmente en que se introduce en el contenido un sistema de preguntas retóricas como elemento estructural adicional. El orden de los hechos relatados se elige de tal manera que las contradicciones objetivas en el contenido se presenten de manera particularmente enfatizada y destacada y despierten el interés cognitivo de los estudiantes y el deseo de resolverlas. . Habiendo elegido un método de enseñanza del razonamiento, el docente, en el proceso de organización del proceso de asimilación, utiliza un método de enseñanza explicativo, cuya esencia es que “incluye al docente informar los hechos de una ciencia determinada, su descripción y explicación, que es decir, revelar la esencia de nuevos conceptos con la ayuda de palabras, visualización y acciones prácticas."

Método dialógico de presentación. Si el profesor se propone involucrar a los estudiantes en la participación directa en la implementación de un método para resolver un problema con el fin de activarlos, aumentar el interés cognitivo y llamar la atención sobre lo ya conocido en el nuevo material, él, utilizando el misma estructura de contenidos, complementa su estructura con preguntas informativas, respuestas dadas por los estudiantes. El uso del método de enseñanza dialógica proporciona un mayor nivel de actividad cognitiva de los estudiantes en el proceso de aprendizaje, ya que ya están directamente involucrados en la resolución del problema bajo la cruel influencia del control del docente.

Método heurístico de presentación. Se utiliza el método heurístico donde el profesor se fija el objetivo de enseñar a los estudiantes elementos individuales para la resolución de un problema, organizando una búsqueda parcial de nuevos conocimientos y métodos de acción. Con el método heurístico, el maestro utiliza la misma estructura de material educativo que con el método dialógico, pero de alguna manera complementa su estructura al establecer tareas cognitivas y tareas para los estudiantes en cada etapa individual de la resolución de un problema educativo. Así, la forma de implementación de este método es la combinación de una conversación heurística con la solución de problemas y problemas problemáticos. La esencia del método heurístico es que el descubrimiento de una nueva ley, regla, etc. no lo logra el maestro con la participación de los estudiantes, sino los propios estudiantes bajo la guía y ayuda del maestro.

Método de investigación. El concepto de método de investigación fue revelado más plenamente por I. Ya Lerner, quien clasificó el método de investigación como un método que organiza el proceso de asimilación “mediante la resolución de problemas y problemas problemáticos. Su esencia es que el docente construye un sistema metodológico de problemas y tareas problemáticas, lo adapta a la situación específica del proceso educativo, lo presenta a los estudiantes, gestionando así sus actividades educativas, y los estudiantes, al resolver problemas, brindan un cambio en el estructura y nivel de actividad mental, dominando gradualmente el procedimiento de la creatividad y al mismo tiempo asimilando creativamente los métodos de cognición”. Al impartir una lección utilizando el método de investigación, se vuelve a utilizar la misma estructura del material y se toman los elementos de la estructura del método heurístico y el orden de las preguntas, instrucciones y tareas. Si en el proceso de implementación del método heurístico estas preguntas, instrucciones y tareas tienen un carácter proactivo, es decir, se plantean antes de resolver el subproblema que conforma el contenido de esta etapa, o en el proceso de resolución del mismo y realizar una guía. funcionan en el proceso de resolución, luego, en el caso de utilizar el método de investigación, las preguntas se plantean al final de la etapa, después de que la mayoría de los estudiantes hayan resuelto el subproblema.

Método de tareas programadas. El método de tareas programadas es la creación de un sistema de tareas programadas por parte del profesor. El nivel de eficacia de la formación está determinado por la presencia de situaciones problemáticas y la capacidad de plantear y resolver problemas de forma independiente. La aplicación de las tareas programadas es la siguiente: cada tarea consta de elementos de marco individuales; un cuadro contiene parte del material que se está estudiando, formulado en forma de preguntas y respuestas, o en forma de presentación de nuevas tareas, o en forma de ejercicios. Como resultado del trabajo realizado, podemos concluir que en esta etapa del desarrollo humano el aprendizaje basado en problemas es simplemente necesario, ya que el aprendizaje basado en problemas forma una personalidad creativa desarrollada armoniosamente capaz de pensar lógicamente, encontrar soluciones en diversas situaciones problemáticas. , capaz de sistematizar y acumular conocimientos, capaz de un alto autoanálisis, autodesarrollo y autocorrección.

bellas artes educacion artistica

30. Métodos de enseñanza de las bellas artes en los diferentes niveles de escolaridad (Continuidad de la educación preescolar y primaria, primaria y nivel medio, nivel medio y superior de secundaria)

La orientación decidida y coordinada de la actividad visual del niño, teniendo en cuenta tanto el desarrollo artístico previo como el desarrollo posterior, es una condición necesaria para una educación estética exitosa.

Mantener la continuidad en la enseñanza de las bellas artes a los niños determina una definición clara del volumen de conocimientos, destrezas y habilidades que los niños de primaria deben dominar en lecciones separadas, sobre temas separados, secciones durante todo el año escolar, en función del volumen de conocimientos, habilidades y habilidades que recibieron en las clases de arte en el jardín de infantes o en la familia. Se debe prestar especial atención a identificar conexiones específicas entre las principales formas organizativas de enseñanza de bellas artes a los niños en edad preescolar y primaria.

Las escuelas y los jardines de infancia enfrentan metas y objetivos comunes al enseñar a los niños los conceptos básicos de la alfabetización visual. Continuidad de los contenidos de las clases de bellas artes en los grupos superiores de educación infantil y primaria:

El jardín de infancia imparte periódicamente clases de dibujo, modelado, aplicaciones y diseño. La escuela ofrece clases de bellas artes. El modelado, aplicación y diseño en la escuela primaria se realizan durante las lecciones de formación laboral. El programa de bellas artes para los grados I - III señala la necesidad de coordinar las tareas y el contenido de estas lecciones. 2. Los tipos de dibujo en los grupos mayores del jardín de infancia y en los grados de primaria son los mismos. Sólo hay algunas diferencias en sus nombres.

Las habilidades y destrezas necesarias para las actividades visuales de un niño se coordinan en los programas de jardín de infantes y escuela primaria. 4. El análisis de las tareas específicas de los programas de los grupos mayores del jardín de infantes nos permite concluir que un niño que ingresa a la escuela desde el jardín de infantes está completamente preparado para completar con éxito el material educativo y componer composiciones, ilustraciones y patrones creativos. Está preparado para la percepción y el estudio posterior de la forma, el espacio, los patrones de la ciencia del color y la composición. Así, las tareas previstas en los programas, las tareas modelo y el contenido de conocimientos, destrezas y habilidades en las artes visuales en el jardín de infantes y la escuela primaria, y el desarrollo general de un niño de seis a siete años permiten asegurar la continuidad en las artes visuales de los niños de preescolar y primaria. Sin embargo, para ello se deben cumplir las siguientes condiciones:

Es obligatorio que los profesores de primaria tengan en cuenta la formación en dibujo que recibe un niño en el jardín de infancia, teniendo en cuenta el nivel de desarrollo de sus capacidades artísticas, creativas y de sensibilidad estética. 2. La orientación del maestro de escuela primaria hacia una mayor consolidación y desarrollo de las ideas e impresiones acumuladas por los niños en la edad preescolar. 3. La orientación del profesor para combinar los métodos de enseñanza de bellas artes a los niños en los grados primarios con los métodos de enseñanza a los niños a dibujar en el jardín de infantes. 4. Uso generalizado en las clases de primaria de diversos materiales visuales: lápices, acuarelas, gouache, crayones, sanguina, pasteles, rotuladores, tinta, papel tintado de colores. El uso de todos estos medios permitirá a los niños desarrollar con mayor éxito el gusto estético, la comprensión de la belleza, la independencia creativa y la imaginación, especialmente porque todos estos materiales son ampliamente recomendados en los jardines de infancia y los niños los utilizan con placer.

Así, el estricto cumplimiento de las tareas educativas previstas en el programa educativo en el jardín de infancia y el programa de artes visuales en la escuela primaria garantizará la continuidad de las actividades visuales de los niños en edad preescolar y primaria, lo cual es una condición necesaria para el desarrollo mental de los niños y la formación de su actitud emocional y estética ante la realidad. El principio de continuidad supone que las actividades educativas, especialmente en la etapa inicial, se llevan a cabo bajo la supervisión directa de la administración. Para solucionar el problema de la continuidad, se trabaja en tres direcciones:

. trabajo metodológico conjunto de profesores de primaria y profesores de asignaturas de secundaria;

. trabajar con estudiantes;

. trabajando con los padres.

La continuidad entre la escuela primaria y el 5º grado involucra las siguientes áreas:

. programas educativos;

. organización del proceso educativo;

. requisitos de uniforme para los estudiantes;

. estructura de la lección.

Propongo un plan de trabajo para la continuidad entre la educación primaria y general básica, que se viene aplicando con éxito en nuestro colegio desde hace varios años. El plan de trabajo se complementa con apéndices.

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Las bellas artes, como una de las materias académicas en las escuelas secundarias, ocupan un lugar importante en la educación de los estudiantes. Un análisis cuidadoso y una generalización de la mejor experiencia pedagógica indican que las clases de bellas artes son un medio importante para desarrollar la personalidad del estudiante. Las bellas artes, especialmente cercanas a los escolares más pequeños por su claridad, ocupan uno de los lugares principales en el proceso de desarrollar las habilidades creativas y el pensamiento creativo de los niños, presentándoles la belleza de su naturaleza nativa, la realidad circundante y los valores espirituales. de arte. Además, las clases de bellas artes ayudan a los niños a dominar una variedad de habilidades en el campo de las actividades visuales, constructivas y decorativas.

Objetivo La redacción de este trabajo de curso consiste en considerar las características de la metodología de enseñanza de las bellas artes en la escuela primaria, es decir, en los grados I-IV.

El trabajo tiene como objetivo: tareas:

Al estudiar la metodología de la enseñanza de las bellas artes en la escuela primaria, considerar sus características,

Identificar las condiciones pedagógicas para la enseñanza exitosa de bellas artes a niños en edad escolar primaria, así como elaborar un plan temático anual y un plan de lecciones para estudiantes de primaria.

Capítulo 1. Características de la metodología de la enseñanza de las bellas artes en la escuela primaria.

1.1. Condiciones pedagógicas para la enseñanza de bellas artes en la escuela primaria.

En el desarrollo de la creatividad artística de los niños, incluida la creatividad visual, es necesario observar el principio de libertad, que generalmente es una condición indispensable para toda creatividad. Esto significa que las actividades creativas de los niños no pueden ser obligatorias ni obligatorias y sólo pueden surgir de los intereses de los niños. Por lo tanto, el dibujo no puede ser un fenómeno masivo y universal, pero para los niños superdotados, e incluso para los niños que no tienen la intención de convertirse más adelante en artistas profesionales, el dibujo tiene un enorme significado cultural; Cuando los colores y los dibujos empiezan a hablarle a un niño, éste domina un nuevo lenguaje que amplía sus horizontes, profundiza sus sentimientos y le transmite en el lenguaje de las imágenes lo que de otra manera no puede traer a su conciencia.

Uno de los problemas del dibujo es que para los niños de primaria, la actividad de la imaginación creativa por sí sola ya no es suficiente, no se conforma con un dibujo realizado de alguna manera para encarnar su imaginación creativa, necesita adquirir una especial profesionalidad artística; destrezas y habilidades.

El éxito de la formación depende de la correcta definición de sus objetivos y contenidos, así como de las formas de alcanzar los objetivos, es decir, de los métodos de enseñanza. Ha habido debates sobre este tema entre los científicos desde el inicio de la escuela. Nos adherimos a la clasificación de métodos de enseñanza desarrollada por I.Ya. Lerner, MN. Skatkin, Yu.K. Babansky y M.I. Pajmutov. Según las investigaciones de estos autores, se pueden distinguir los siguientes métodos didácticos generales: explicativo-ilustrativo, reproductivo y de investigación.

1.2. Métodos de enseñanza de las bellas artes en I- IVclases

La enseñanza, por regla general, comienza con el método explicativo e ilustrativo, que consiste en presentar información a los niños de diferentes maneras: visual, auditiva, habla, etc. Las posibles formas de este método son comunicar información (cuento, conferencias), demostrando una variedad de material visual, incluido el uso de medios técnicos. El maestro organiza la percepción, los niños intentan comprender contenidos nuevos, construir conexiones accesibles entre conceptos y recordar información para una mayor manipulación.

El método explicativo e ilustrativo tiene como objetivo la asimilación de conocimientos, y para desarrollar habilidades y destrezas es necesario utilizar el método reproductivo, es decir, reproducir (reproducir) acciones muchas veces. Sus formas son variadas: ejercicios, resolución de problemas estereotipados, conversación, repetición de una descripción de una imagen visual de un objeto, lectura y memorización repetida de textos, historia repetida sobre un evento según un esquema predeterminado, etc. Se espera que los niños en edad preescolar trabajen. tanto de forma independiente como junto con el profesor. El método reproductivo permite utilizar los mismos medios que el método explicativo e ilustrativo: palabras, ayudas visuales, trabajo práctico.

Los métodos explicativos, ilustrativos y reproductivos no proporcionan el nivel necesario de desarrollo de las capacidades y habilidades creativas de los niños. Un método de enseñanza dirigido a que los niños en edad preescolar resuelvan problemas creativos de forma independiente se llama investigación. En el curso de la resolución de cada problema, implica la manifestación de uno o más aspectos de la actividad creativa. Al mismo tiempo, es necesario garantizar la disponibilidad de tareas creativas, diferenciandolas en función de la preparación de un niño en particular.

El método de investigación tiene determinadas formas: tareas de problemas de texto, experimentos, etc. Los problemas pueden ser inductivos o deductivos, según la naturaleza de la actividad. La esencia de este método es la adquisición creativa de conocimientos y la búsqueda de formas de actuar. Una vez más me gustaría enfatizar que este método se basa enteramente en el trabajo independiente.

Se debe prestar especial atención a la importancia del aprendizaje basado en problemas para el desarrollo de los niños. Se organiza mediante métodos: investigación, heurística, presentación de problemas. Ya hemos considerado el de investigación.

Otro método que ayuda al desarrollo creativo es el método heurístico: los niños resuelven un problema problemático con la ayuda de un maestro; su pregunta contiene una solución parcial al problema o sus etapas; Él puede decirte cómo dar el primer paso. La mejor manera de implementar este método es mediante una conversación heurística que, lamentablemente, rara vez se utiliza en la enseñanza. Al utilizar este método, también son importantes las palabras, el texto, la práctica, las ayudas visuales, etc.

Actualmente, se ha generalizado el método de presentación de problemas; el docente plantea problemas, revelando toda la inconsistencia de la solución, su lógica y el sistema de evidencia disponible. Los niños siguen la lógica de la presentación, la controlan y participan en el proceso de decisión. En el curso de la presentación de un problema se utilizan tanto una imagen como una demostración práctica de la acción.

Métodos de investigación, heurística y presentación de problemas - métodos de aprendizaje basado en problemas. Su implementación en el proceso educativo estimula a los niños en edad preescolar a obtener y aplicar creativamente conocimientos y habilidades, y ayuda a dominar los métodos del conocimiento científico. La enseñanza moderna debe incluir necesariamente los métodos didácticos generales considerados. Su utilización en las clases de bellas artes se realiza teniendo en cuenta sus particularidades, objetivos y contenidos. La eficacia de los métodos depende de las condiciones pedagógicas de su aplicación.

Como muestra la experiencia práctica, para organizar con éxito las clases de bellas artes es necesario crear un sistema especial de condiciones pedagógicas. De acuerdo con diferentes enfoques conceptuales, se definen de manera diferente. Hemos desarrollado un sistema de condiciones que influyen directamente en el desarrollo de la creatividad artística en niños en edad preescolar y proponemos considerarlo. Creemos que este grupo de condiciones se compone de:

Una condición importante para el desarrollo de la creatividad artística de los niños en edad preescolar en las clases de bellas artes es el uso por parte de los profesores de material didáctico técnico, especialmente equipos de video y audio, y ayudas visuales especiales. El papel de la visualización en el aprendizaje se fundamentó teóricamente ya en el siglo XVII. Ya.A. Komensky, más tarde, las ideas sobre su uso como herramienta didáctica más importante se desarrollaron en los trabajos de muchos profesores destacados: I.G. Pestalozzi, K.D. Ushinsky y otros La importancia de la claridad en la enseñanza fue enfatizada por el gran Leonardo da Vinci, los artistas A.P. Sapozhnikov, P.P. Chistyakov y otros.

La implementación exitosa del principio de claridad en la enseñanza es posible con la actividad mental activa de los niños, especialmente cuando hay un "movimiento" del pensamiento de lo concreto a lo abstracto o, por el contrario, de lo abstracto a lo concreto.

En todas las etapas de la lección, siempre que sea posible, se deben introducir tareas creativas, improvisadas y basadas en problemas. Uno de los principales requisitos en este caso es brindar a los niños la mayor independencia pedagógicamente conveniente posible, lo que no excluye brindarles asistencia pedagógica, en caso necesario. Entonces, por ejemplo, en los grados de primaria, especialmente en el primer grado, el maestro, al proponer tal o cual trama, en muchos casos puede llamar la atención de los niños en edad preescolar sobre lo principal que debe representarse en primer lugar, y puede mostrarse en la hoja la ubicación aproximada de los objetos de la composición. Esta ayuda es natural y necesaria y no conduce a la pasividad de los niños en la creatividad visual. A partir de las restricciones en la elección de un tema y una trama, el niño es llevado gradualmente a su elección independiente.

Capítulo 2. Planificación temática y producción de ayudas visuales para las lecciones del programa “Bellas Artes y Obras Artísticas”

Este es el mundo y en este mundo estoy yo.

Este es el mundo, y en este mundo estamos NOSOTROS.

Cada uno de nosotros tiene su propio camino.

Pero creamos según las mismas leyes.

Que el camino del creador sea largo y el pan del creador difícil.

Y a veces quiero darte un poco de holgura.

Pero aleja las palmas de tu cara.

Y nuevamente entregas tu corazón. Y otra vez.

El amor y el conocimiento son como buenos amigos.

La gente viene fácilmente a nuestra lección.

Y los niños brillan con luz.

Todos hasta que suene la campana.

Nosotros creamos. Creamos por una razón.

Damos un conocimiento a aquellos

¿Quién es el “consumidor” por ahora?

Para que luego pueda crecer como “creador”.

El programa "Bellas artes y obras artísticas" es un curso holístico integrado que incluye todos los tipos principales: pintura, gráfica, escultura, artes decorativas populares, arquitectura, diseño, entretenimiento y artes cinematográficas. Se estudian en el contexto de la interacción con otros tipos de artes y sus conexiones específicas con la vida de la sociedad y el hombre.

El método de sistematización consiste en identificar tres tipos principales de actividad artística para las artes visoespaciales: constructiva, visual y decorativa.

Estas tres actividades artísticas son la base para dividir las artes visual-espaciales en tipos: visuales - pintura, gráfica, escultura; constructivo - arquitectura, diseño; diversas artes y oficios. Pero al mismo tiempo, cada una de estas formas de actividad es inherente a la creación de cualquier obra de arte y, por lo tanto, es una base necesaria para integrar toda la variedad de tipos de arte en un solo sistema, no según el principio de enumerar tipos. , pero según el principio del tipo de actividad artística. Destacar el principio de la actividad artística se centra en desviar la atención no sólo a las obras de arte, sino también a la actividad humana, para identificar sus conexiones con el arte en el proceso de la vida diaria.

Las conexiones entre el arte y la vida humana, el papel del arte en la vida cotidiana, el papel del arte en la vida de la sociedad, la importancia del arte en el desarrollo de cada niño es el núcleo semántico principal del programa. Por tanto, a la hora de identificar tipos de actividad artística, es muy importante mostrar la diferencia en sus funciones sociales.

El programa está estructurado para brindar a los escolares una comprensión clara del sistema de interacción entre el arte y la vida. Se prevé incluir ampliamente las experiencias de vida de los niños y los ejemplos de la realidad circundante. Trabajar sobre la base de la observación y la experiencia estética de la realidad circundante es una condición importante para que los niños dominen el material del programa. El deseo de expresar la propia actitud ante la realidad debería servir como fuente para el desarrollo del pensamiento imaginativo.

Uno de los principales objetivos de la enseñanza del arte es desarrollar el interés del niño por el mundo interior de una persona, la capacidad de "profundizar en sí mismo" y la conciencia de sus experiencias internas. Ésta es la clave para desarrollar la capacidad de empatizar.

La actividad artística de los escolares en el aula encuentra diversas formas de expresión: representación en plano y en volumen (de la naturaleza, de la memoria, de la imaginación); trabajos decorativos y constructivos; percepción de la realidad y obras de arte; discusión sobre el trabajo de los compañeros, los resultados de la creatividad colectiva y el trabajo individual en clase; estudio del patrimonio artístico; selección de material ilustrativo para los temas en estudio; escuchar obras musicales y literarias (folclóricas, clásicas, modernas).

En las lecciones se introduce la dramaturgia del juego sobre el tema en estudio, se rastrean conexiones con la música, la literatura, la historia y el trabajo. Para experimentar la comunicación creativa, se introducen tareas colectivas en el programa. Es muy importante que la creatividad artística colectiva de los estudiantes encuentre aplicación en el diseño de interiores escolares.

El desarrollo sistemático del patrimonio artístico ayuda a entender el arte como una crónica espiritual de la humanidad, como el conocimiento del hombre sobre la relación con la naturaleza, la sociedad y la búsqueda de la verdad. A lo largo del curso, los escolares se familiarizan con obras destacadas de arquitectura, escultura, pintura, gráfica, artes decorativas y aplicadas, estudian el arte clásico y popular de diferentes países y épocas. Comprender la cultura artística de tu pueblo es de gran importancia.

La integridad temática y la coherencia del desarrollo del programa ayudan a asegurar fuertes contactos emocionales con el arte en cada etapa de la educación, evitando repeticiones mecánicas, aumentando año tras año, de lección en lección, a lo largo de los pasos del conocimiento del niño sobre las conexiones humanas personales. con todo el mundo de la cultura artística y emocional.

Los conocimientos, destrezas y habilidades artísticas son el principal medio de familiarización con la cultura artística. Forma, proporciones, espacio, tonalidad de luz, color, línea, volumen, textura material, ritmo, composición se agrupan en torno a los patrones generales de los lenguajes artísticos y figurativos de las artes bellas, decorativas y constructivas. Los estudiantes dominan estos medios de expresión artística a lo largo de sus estudios.

Tres métodos de exploración artística de la realidad (pictórico, decorativo y constructivo) en la escuela primaria actúan para los niños como tipos de actividad artística bien comprendidos, interesantes y accesibles: imágenes, decoraciones, edificios. La constante participación práctica de los escolares en estos tres tipos de actividades les permite introducirlos sistemáticamente en el mundo del arte. Hay que tener en cuenta que, presentados en la escuela primaria de forma lúdica como “hermanos-maestros” de imágenes, decoraciones y edificios, estos tres tipos de actividad artística deben acompañar a los estudiantes durante todos los años de estudio. Primero ayudan a dividir estructuralmente y, por lo tanto, a comprender las actividades de las artes en la vida circundante, y luego ayudan a una comprensión más compleja del arte.

Con toda la supuesta libertad de la creatividad pedagógica, es necesario tener constantemente presente la clara integridad estructural de este programa, las principales metas y objetivos de cada año y trimestre, asegurando la continuidad del desarrollo progresivo de los estudiantes.

2.1. Fundamentos de la Interpretación Artística (Plan de Estudios de la Escuela Primaria)

1ª clase (30-60 horas)

Representas, decoras y construyes.

La base de la primera clase introductoria son tres tipos de actividad artística que determinan toda la diversidad de las artes visuales y espaciales.

Una forma lúdica y figurativa de iniciación viene en ayuda de los niños (y del maestro): "Tres hermanos maestros: Maestro de la Imagen, Maestro de la Decoración y Maestro de la Construcción". Debería ser una revelación para los niños que muchos de sus juegos cotidianos sean actividades artísticas, lo mismo que hacen los artistas adultos (aún no son arte). Ver el trabajo de uno u otro hermano maestro en la vida que nos rodea es un juego interesante. Aquí comienza el conocimiento de las conexiones entre el arte y la vida. Aquí el profesor sienta las bases para el conocimiento del enorme y complejo mundo de las artes plásticas. La tarea de este año también incluye darse cuenta de que los “Maestros” trabajan con ciertos materiales, e incluye también el dominio inicial de estos materiales.

Pero los “Maestros” no aparecen todos a la vez ante los niños. Al principio están bajo el “límite de invisibilidad”. En el primer cuarto, el “Maestro de la Imagen” se quita el “sombrero” y comienza a jugar abiertamente con los niños. En el segundo trimestre ayudará a quitarle el “sombrero de la invisibilidad” al “Maestro de la Decoración”, en el tercero – al “Maestro de la Construcción”. Y en el cuarto, les muestran a los niños que no pueden vivir el uno sin el otro y trabajar siempre juntos. También es necesario tener en cuenta el significado especial de las lecciones generales: a través del trabajo de cada “Maestro” conectan el trabajo artístico de los niños con el arte de los adultos y con la realidad circundante.

Tema 1. Estás fingiendo.
Introducción al "Image Master" (8-16 horas)

"Master of Image" te enseña a ver y representar.
Y todos los años posteriores de educación ayudarán a los niños en esto: les ayudarán a ver, a considerar el mundo. Para ver no sólo hay que mirar, sino también dibujarse. Tienes que aprender esto. Aquí sólo se sientan las bases para comprender el enorme papel de la actividad de las imágenes en la vida de las personas; en los años futuros el profesor desarrollará esta comprensión. Los descubrimientos del barrio también incluyen el hecho de que en el arte no sólo hay un Artista, sino también un Espectador. Ser un buen espectador también requiere aprendizaje, y “Master of Image” nos lo enseña.

La tarea del “Maestro” es también enseñar a los niños la experiencia primaria de utilizar los materiales disponibles en las escuelas primarias. Esta experiencia se profundizará y ampliará en todos los trabajos futuros.

"Image Master" te ayuda a ver, te enseña a mirar

Desarrollo de las capacidades de observación y análisis del ojo. Fragmentos de la naturaleza. Animales: en qué se parecen y en qué se diferencian entre sí.

Materiales: papel, rotuladores o lápices de colores o crayones.

rango visual: diapositivas que representan dibujos de animales o animales vivos.

Serie literaria: poemas sobre animales, sobre narices y colas.

Serie de musica: C. Saint-Saens, suite "Carnaval de los animales".

Puede representarse como un lugar.

Mire de cerca diferentes puntos (musgo en una piedra, pedregal en una pared, patrones en el mármol del metro) e intente ver algunas imágenes en ellos. Convierte el lugar en la imagen de un animal. La mancha, pegada o dibujada, la prepara el profesor.

Materiales: lápiz, crayones, tinta negra, rotulador negro.

rango visual: ilustraciones para libros sobre animales de E. Charushin, V. Lebedev, T. Mavrina, M. Miturich y otros artistas que trabajan con manchas.

Se puede representar en volumen.

Convirtamos un trozo de plastilina en un pájaro. Modelado. Mire y piense en qué objetos tridimensionales se parecen a algo, por ejemplo, patatas y otras verduras, madera flotante en un bosque o parque.

Materiales: plastilina, pilas, tablero.

rango visual: diapositivas de volúmenes naturales de formas expresivas o guijarros reales, cuya forma se asemeja a algo.

Se puede representar con una línea.

Se nota con una línea. “Cuéntanos sobre ti”: un dibujo o una serie de dibujos secuenciales.

Materiales: papel, rotulador negro o lápiz.

rango visual: ilustraciones lineales de libros infantiles, dibujos sobre temas de poemas de S. Marshak, A. Barto, D. Kharms con un desarrollo alegre y travieso de la trama.

Serie literaria: poemas divertidos sobre la vida en casa.

Serie de musica: canciones infantiles sobre la vida familiar.

También puedes representar lo invisible. (ánimo)

Finge estar feliz y finge tristeza. Dibujar música: la tarea es expresar en la imagen imágenes de piezas musicales que tienen estados de ánimo contrastantes.

Materiales: papel blanco, rotuladores de colores, lápices o crayones de colores.

Serie de musica: melodías alegres y tristes.

Nuestras pinturas

Muestra de colores. La alegría de comunicarse con los colores. Dominar las habilidades de organizar un lugar de trabajo y usar pinturas. Nombre del color. ¿A qué te recuerda cada color en la vida? Imagen del juego de una colorida alfombra multicolor.

Materiales: pinturas, gouache, pinceles grandes y finos, papel blanco.

Artistas y espectadores (resumen del tema)

Ser espectador es interesante y desafiante. Tienes que aprender esto. Introducción al concepto de "obra de arte". Cuadro. Escultura. Color y pinturas en cuadros de artistas. Desarrollo de habilidades de percepción. Conversación.

rango visual: V. Van Gogh "Girasoles", N. Roerich "Invitados de ultramar", V. Vasnetsov "Tres héroes", S. Konchalovsky "Lila", M. Vrubel "La princesa cisne".

Tema 2. Tú decoras.
Encuentro con el "Maestro de la Decoración" (7-14 h)

El “Maestro de la Imagen”, a quien los niños conocieron en el primer trimestre, es el “Maestro de la Cognición”, una mirada cuidadosa a la vida. El “Maestro de la Decoración” hace algo completamente diferente en la vida: es un “Maestro de la Comunicación”. Organiza la comunicación entre las personas, ayudándolas a identificar abiertamente sus roles. Hoy vamos de excursión, mañana al trabajo, luego al baile, y con nuestra ropa hablamos de nuestros roles, de quiénes somos hoy, de lo que haremos. Más claramente, por supuesto, este trabajo del "Maestro de la Decoración" se manifiesta en bailes, carnavales y representaciones teatrales.

Y en la naturaleza distinguimos unos pájaros o mariposas de otros por sus adornos.

El mundo natural está lleno de decoraciones.

Desarrollo de habilidades de observación. Experiencia de impresiones estéticas. Decoración de alas de mariposa. La mariposa se decora con un espacio en blanco recortado por el profesor o los niños en clase pueden dibujarla (en gran medida, en toda la hoja). La variedad y belleza de los patrones en la naturaleza.

Materiales: gouache, pinceles grandes y finos, papel blanco o de color.

rango visual: diapositivas "Mariposas", colecciones de mariposas, libros con sus imágenes.

Una imagen de un pájaro elegante utilizando la técnica de aplique tridimensional y collage. Desarrollo del sentido decorativo de la combinación de materiales, su color y textura.

Materiales: papel multicolor y textura múltiple, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas y libros que representan varias aves.

Serie de musica: canciones infantiles o populares con un elemento decorativo lúdico pronunciado (sonido de campana, imitación del canto de los pájaros).

Tienes que poder notar la belleza.

Belleza discreta e “inesperada” en la naturaleza. Examen de diversas superficies: corteza de árbol, espuma ondulada, gotas sobre ramas, etc. Desarrollo de un sentido decorativo de textura. Experiencia de impresiones poéticas visuales.

Imagen del lomo de un lagarto o de la corteza de un árbol. La belleza de la textura y el diseño. Introducción a la técnica del monotipo monocolor.

Materiales: para el profesor: rodillo moleteador, gouache o tinta de imprenta diluida en agua; para niños: una tabla de plástico, linóleo o baldosas, trozos de papel, un lápiz.

rango visual: diapositivas de diversas superficies: cortezas, musgo, ondas del agua, así como diapositivas que muestran lagartos, serpientes, ranas. Si es posible, corteza natural, cortes de madera, piedras.

¿Cómo, cuándo y por qué se adorna una persona?

Todas las joyas humanas dicen algo sobre su dueño. ¿Qué pueden decir las joyas? Observamos a los personajes de los cuentos de hadas: qué tipo de joyas tienen. Cómo nos ayudan a reconocer a los héroes. Imágenes de personajes de cuentos de hadas seleccionados y sus decoraciones.

Materiales: papel de colores, gouache, pincel.

rango visual: diapositivas o ilustraciones con personajes de cuentos de hadas famosos.

Serie literaria: fragmentos de cuentos de hadas que describen la aparición del héroe.

Serie de musica: canciones de héroes de cuentos de hadas.

"Maestro de las decoraciones" ayuda a hacer unas vacaciones

Decoración de habitaciones. Confección de guirnaldas y estrellas festivas de Año Nuevo. Decorando tu aula y tu hogar para las vacaciones de Año Nuevo. Panel colectivo "Árbol de Año Nuevo".

Materiales: papel de colores, tijeras, pegamento, papel de aluminio, serpentina.

rango visual: trabajo infantil completado en un trimestre.

Serie literaria: poemas sobre las vacaciones de Año Nuevo.

Serie de musica: Canciones navideñas y navideñas, fragmentos de P. Tchaikovsky del ballet "El Cascanueces".

Tema 3. Estás construyendo.
Encuentro con el "Maestro de la Construcción" (10-20 horas)

“Maestro de la Imagen” es “Maestro de la Cognición”, “Maestro de la Decoración” es “Maestro de la Comunicación”, “Maestro de la Construcción” es “Maestro de la Creación” del entorno objetivo de la vida.

Durante este trimestre, sus hermanos le quitan el “sombrero de la invisibilidad” y le entregan las riendas del gobierno. Las personas pueden explorar el mundo y comunicarse sólo si tienen un entorno humanamente organizado. Cada nación ha estado construyendo desde tiempos primitivos. Los niños también construyen sus juegos con arena, cubos, sillas y cualquier material que tengan a mano. Antes del inicio del trimestre, el profesor (con la ayuda de los niños) debe recoger la mayor cantidad posible de “material de construcción”: cartones de leche, yogures, zapatos, etc.

Hogar para ti

Una imagen de una casa que imaginaste para ti mismo. Desarrollo de la imaginación. Invéntate un hogar. Diferentes casas para diferentes personajes de cuentos de hadas. ¿Cómo puedes adivinar quién vive en la casa? Diferentes casas para diferentes cosas.

Materiales: papel de colores, gouache, pinceles; o marcadores o lápices de colores.

rango visual: ilustraciones de libros infantiles que representan viviendas.

Serie de musica: canciones infantiles sobre constructores soñadores.

¿Qué tipo de casas se te ocurren?

Modelar casas de hadas con forma de verduras y frutas. Construcción de casas cómodas para un elefante, una jirafa y un cocodrilo a partir de cajas y papel. El elefante es grande y casi cuadrado, la jirafa tiene un cuello largo y el cocodrilo es muy largo. Los niños aprenden a comprender la expresividad de las proporciones y el diseño de la forma.

Materiales: plastilina, pilas, trapo, tabla.

rango visual: ilustraciones para los cuentos de hadas de A. Milne "Winnie the Pooh", N. Nosov "Dunno in the Flower City", J. Rodari "Cipollino", A. Volkova "El mago de la ciudad esmeralda".

Serie literaria: descripciones de pueblos de cuento de hadas.

Serie de musica: música para la caricatura y ballet "Cipollino".

"Master of Construction" ayuda a inventar una ciudad

"Ciudad de cuento de hadas" Imagen de una imagen de una ciudad para un cuento de hadas específico. Construcción de una ciudad de juego. Juego de arquitectos.

Materiales: gouache, papel de color o blanco, pinceles anchos y finos, cajas de diferentes formas, papel grueso, tijeras, pegamento.

rango visual: ilustraciones de libros infantiles.

Serie literaria: descripciones de una ciudad de cuento de hadas a partir de una obra literaria.

Todo lo que vemos tiene un diseño.

Haga imágenes de diferentes animales: una construcción de zoológico a partir de cajas. Haz perros divertidos de diferentes razas a partir de cajas. El material se puede reemplazar con apliques: se hacen varias imágenes de perros pegando trozos de papel monocolor previamente preparados de diferentes formas geométricas en una hoja.

Materiales: varias cajas, papel grueso blanco y de colores, pegamento, tijeras.

rango visual: fotografías de animales o reproducciones de pinturas que representan animales.

Todos los elementos se pueden construir.

Diseño a partir de papel, embalajes, stands, flores y juguetes.

Materiales: papel blanco o de color, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas de varios elementos relevantes para la tarea.

Serie literaria: poemas sobre artesanos alegres y trabajadores.

Casa por fuera y por dentro

La casa “mira” a la calle, pero ellos viven dentro de la casa. "Adentro" y "afuera" están muy interconectados. Una imagen de una casa en forma de letras del alfabeto como si tuvieran paredes transparentes. Qué poca gente alfabética podría vivir en las casas de letras, cómo se encuentran allí las habitaciones, las escaleras y las ventanas.

Materiales: papel (blanco o de color), lápices o crayones.

rango visual: ilustraciones de libros infantiles.

La ciudad donde vivimos

Tarea: "Dibujo mi ciudad favorita". Imagen de impresión después del recorrido.

Materiales: papel, gouache, pinceles o crayones (a elección del profesor).

Serie literaria: poemas sobre tu ciudad.

Serie de musica: canciones sobre tu ciudad.

Generalización del tema del trimestre.

Ejercicio: una exposición de obras realizadas durante el trimestre. Los niños aprenden a observar y discutir el trabajo de los demás. Un juego de artistas y espectadores. Puedes hacer un panel generalizador "Nuestra ciudad" o "Moscú".

Tema 4. “Maestros de la imagen, decoración, construcción” siempre trabajan juntos (5-10 horas)

Reconoceremos el trabajo conjunto de los “Maestros” en nuestras obras de trimestres pasados ​​y en obras de arte.

El resumen aquí es la lección 1. Su propósito es mostrar a los niños que, de hecho, nuestros tres “Maestros” son inseparables. Se ayudan mutuamente constantemente. Pero cada “Maestro” tiene su propio trabajo, su propio propósito. Y en una determinada obra siempre está a cargo uno de los “Maestros”. Aquí, por ejemplo, están nuestros dibujos: ¿dónde está aquí el trabajo del “Maestro de la Construcción”? Y ahora estas obras decoran el aula. Y en las obras donde lo principal era el “Maestro de la Decoración”, ¿cómo le ayudó el “Maestro de la Imagen”, el “Maestro de la Construcción”? Lo principal es recordar con los muchachos cuál es exactamente el papel de cada "Maestro" y qué ayudó a aprender. Los mejores trabajos de los niños durante todo el año deben exponerse en el aula. Una especie de exposición periodística. Es recomendable que cada niño tenga algún tipo de obra a la vista. Los niños aprenden a hablar de sus obras y de los dibujos de sus compañeros. Al final de la lección se muestran diapositivas de obras de arte para adultos, y los niños deben resaltar la “participación” de cada “Maestro” en estas obras: un jarrón con un dibujo figurativo; un jarrón cuya forma representa algo; pintar con un edificio arquitectónico; fuente con escultura; interior del palacio con decoración luminosa, esculturas y pinturas; Interior de un edificio moderno con pintura monumental.

"Masters" nos ayudará a ver el mundo de un cuento de hadas y dibujarlo.

Panel colectivo e imágenes individuales basadas en el cuento de hadas.

Materiales: papel, gouache, pinceles, tijeras, pegamento, papel de colores, papel de aluminio.

rango visual: música de dibujos animados, películas o ballets basados ​​en este cuento de hadas.

Serie literaria: un cuento de hadas elegido por el profesor.

Una lección de amor. capacidad de ver

Observación de la naturaleza viva desde el punto de vista de los “Tres Maestros”. Composición "¡Hola verano!" según impresiones de la naturaleza.

2da clase (34-68 horas)

tu y el arte

El tema “Tú y el arte” es el más importante para este concepto; contiene los subtemas fundamentales necesarios para la introducción inicial al arte como cultura. Aquí se encuentran los elementos primarios del lenguaje (estructura figurativa) de las artes plásticas y la base para comprender sus conexiones con la vida que rodea al niño. La comprensión del lenguaje y las conexiones con la vida se construyen en una secuencia metodológica clara. Violarlo es indeseable.

El objetivo de todos estos temas es introducir a los niños en el mundo del arte, que está conectado emocionalmente con el mundo de sus observaciones, experiencias y pensamientos personales.

Tema 1. Qué y cómo trabajan los artistas (8-16 horas)

La tarea principal aquí es familiarizarse con las capacidades expresivas de los materiales artísticos. Descubrimiento de su originalidad, belleza y naturaleza del material.

Tres colores básicos que construyen el mundo multicolor

Colores primarios y compuestos. La capacidad de mezclar pinturas inmediatamente en el trabajo es una conexión viva entre colores. Dibuja flores, llenando toda la hoja con imágenes grandes (sin dibujo previo) de memoria e impresión.

Materiales: gouache (tres colores), pinceles grandes, hojas grandes de papel blanco.

rango visual: flores frescas, diapositivas de flores, pradera en flor; ayudas visuales que demuestran los tres colores primarios y su mezcla (colores compuestos); Demostración práctica de cómo mezclar pinturas gouache.

Cinco colores: toda la riqueza de colores y tonos.

Oscuro y claro. Tonos de color. Posibilidad de mezclar pinturas de colores con blanco y negro. Imagen de elementos naturales en grandes hojas de papel con grandes pinceles sin dibujo previo: tormenta, tormenta, erupción volcánica, lluvia, niebla, día soleado.

Materiales: gouache (cinco colores), pincel grande, hojas grandes de cualquier papel.

rango visual: diapositivas de la naturaleza en estados pronunciados: tormenta, tormenta, etc. en obras de artistas (N. Roerich, I. Levitan, A. Kuindzhi, etc.); Demostración práctica de mezcla de colores.

Pastel y crayones, acuarela: posibilidades expresivas.

Pastel suave y aterciopelado, fluidez de la acuarela transparente: aprendemos a comprender la belleza y la expresividad de estos materiales.

Una imagen de un bosque otoñal (de memoria e impresión) en pastel o acuarela.

Materiales: pastel o crayones, acuarela, blanco, papel rugoso (papel de regalo).

rango visual: observación de la naturaleza, diapositivas del bosque otoñal y obras de artistas sobre este tema.

Serie literaria: A. Poemas de Pushkin, Poemas de S. Yesenin.

Serie de musica: P. Tchaikovsky "Otoño" (del ciclo "Estaciones").

Posibilidades de aplicaciones expresivas.

Una idea del ritmo de las manchas. Una alfombra sobre el tema de la tierra otoñal con hojas caídas. Trabajo en grupo (1-3 paneles), basado en la memoria y la impresión.

Materiales: papel de colores, trozos de tela, hilo, tijeras, pegamento, papel o lienzo.

rango visual: hojas vivas, toboganes del bosque otoñal, tierra, asfalto con hojas caídas.

Serie literaria: F. Tyutchev "Hojas".

Serie de musica: F. Chopin nocturnos, P. Tchaikovsky "Septiembre" (del ciclo "Las estaciones").

Capacidades expresivas de los materiales gráficos.

Belleza y expresividad de la línea. Líneas finas y gruesas, móviles y viscosas. Imagen de un bosque invernal sobre hojas de papel blancas (de impresión y memoria).

Materiales: tinta (gouache negro, tinta), bolígrafo, palo, pincel fino o carboncillo.

rango visual: observaciones de la naturaleza o deslizamientos de árboles en un bosque invernal.

Serie literaria: M. Prishvin “Historias sobre la naturaleza”.

Serie de musica: P. Tchaikovsky "Diciembre" (del ciclo "Estaciones").

Expresividad de materiales para trabajar en volumen.

Representación de animales de la tierra natal a partir de la impresión y la memoria.

Materiales: plastilina, pilas, tablero.

rango visual: observación de volúmenes expresivos en la naturaleza: raíces, piedras, diapositivas de animales y obras escultóricas, diapositivas y pequeños plásticos de diferentes materiales en el original; reproducciones de obras del escultor V. Vatagin.

Serie literaria: V. Bianchi “Cuentos sobre animales”.

El poder expresivo del papel

Dominar el trabajo de doblar, cortar, pegar papel. Conversión de una hoja plana en una variedad de formas volumétricas. Pegar formas tridimensionales simples (cono, cilindro, “escalera”, “acordeón”). Construcción de un parque infantil para animales esculpidos (individualmente, en grupos, colectivamente). Trabajo de imaginación; Si tienes una lección adicional, puedes dar una tarea de origami.

Materiales: papel, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas de obras de arquitectura, maquetas de años anteriores realizadas por alumnos, demostración de técnicas de trabajo con papel.

Para un artista, cualquier material puede volverse expresivo. (resumiendo el tema del trimestre)

Comprender la belleza de los materiales artísticos y sus diferencias: gouache, acuarela, crayones, pasteles, materiales gráficos, plastilina y papel, materiales “inesperados”.

Imagen de una ciudad festiva de noche utilizando materiales “inesperados”: serpentinas, confeti, semillas, hilos, hierba, etc. sobre un fondo de papel oscuro.

Tema 2. Realidad y fantasía (7-14 horas)

Imagen y realidad

La capacidad de mirar, ver, ser observador. "Image Master" nos enseña a ver el mundo que nos rodea. Imágenes de animales o bestias vistas en el zoológico, en el pueblo.

Materiales: gouache (una o dos pinturas), papel de colores, pincel.

rango visual: obras de arte, fotografías de animales.

Imagen y fantasía

La capacidad de fantasear. Fantasía en la vida de las personas. La imagen de animales y pájaros fabulosos e inexistentes, combinando elementos de diferentes animales e incluso plantas. Personajes de cuentos de hadas: dragones, centauros, etc.

Materiales: gouache, pinceles, una hoja grande de papel, preferiblemente de color, teñida.

rango visual: diapositivas de animales reales y fantásticos en tallas rusas de madera y piedra, en arte europeo y oriental.

Serie de musica: imágenes fantásticas de obras musicales.

Decoración y realidad

Desarrollo de habilidades de observación. La capacidad de ver la belleza en la naturaleza. El "Maestro de la Decoración" aprende de la naturaleza. Imagen de telarañas con rocío y ramas de árboles, copos de nieve y otros prototipos de decoración mediante líneas (individualmente, de memoria).

Materiales: carboncillo, tiza, pincel fino, tinta o gouache (de un solo color), papel.

rango visual: diapositivas de fragmentos de la naturaleza vistos a través de los ojos de un artista.

Decoración y fantasía

Sin imaginación es imposible crear una sola pieza de joyería. Decoración de una forma determinada (cuello, cenefa, kokoshnik, marcador).

Materiales: cualquier material gráfico (uno o dos colores).

rango visual: chanclas de encaje, bisutería, pedrería, bordados, etc.

Serie de musica: combinaciones rítmicas con predominio de un ritmo repetitivo.

Construcción y realidad

El "Maestro de la Construcción" aprende de la naturaleza. La belleza y el significado de las estructuras naturales: panales de abejas, cabezas de amapola y formas del mundo submarino: medusas, algas. Trabajo individual-en equipo. Construcción del "Mundo Submarino" a partir de papel.

Materiales: papel, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas de una amplia variedad de edificios (casas, cosas), estructuras y formas naturales.

Construcción y fantasía

"Master of Construction" muestra las posibilidades de la imaginación humana en la creación de objetos.

Creando modelos de edificios y estructuras fantásticas: una ciudad fantástica. Trabajo individual y grupal sobre la imaginación.

Materiales: papel, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas de edificios que pueden despertar la imaginación de los niños, obras y proyectos de arquitectos (L. Corbusier, A. Gaudí), trabajos de estudiantes de años anteriores.

"Hermanos-Maestros de Imágenes, Decoraciones y Construcciones" siempre trabajan juntos (resumen del tema)

Interacción de tres tipos de actividad artística. Diseño (modelado) en la decoración de adornos para árboles de Navidad que representan personas, animales y plantas. Panel colectivo.

Materiales: papel, tijeras, pegamento, gouache, pinceles finos.

rango visual: trabajos infantiles del trimestre, diapositivas y obras originales.

Tema 3. Lo que dice el arte (11-22 h)

Este es el tema central y más importante del año. Los dos anteriores conducen a ello. La tarea principal es comprender el hecho de que en el arte nada se representa, se adorna o se construye así simplemente por el bien de la habilidad. “Hermanos - Maestros”, es decir, el arte, expresa sentimientos y pensamientos humanos, comprensión, es decir, la actitud hacia lo que las personas representan, hacia quién o qué decoran, con el edificio expresan la actitud hacia aquel para quién y para lo que están construyendo. Antes, la cuestión de la expresión sólo debía ser sentida en el nivel emocional por los niños en sus obras. Ahora bien, para los niños todo esto debería pasar al nivel de la conciencia, convertirse en el siguiente y más importante descubrimiento. Para todos los trimestres y años de estudio posteriores en el programa, este tema debe enfatizarse constantemente, en cada trimestre, en cada tarea, reforzado a través del proceso de percepción y el proceso de creación. Cada tarea debe tener una orientación emocional, desarrollar la capacidad de percibir matices de sentimientos y expresarlos en el trabajo práctico.

Expresión del carácter de los animales representados.

Imágenes de animales alegres, veloces y amenazadores. La capacidad de sentir y expresar el carácter de un animal en una imagen.

Materiales: gouache (dos o tres colores o un color).

Serie literaria: R. Kipling cuento de hadas "Mowgli".

rango visual: ilustraciones de V. Vatagin para “Mowgli” y otros libros.

Serie de musica: C. Saint-Saens "Carnaval de los animales".

Expresión del carácter de una persona en una imagen; imagen masculina

Si el profesor lo desea, puede utilizar la trama de un cuento de hadas para todas las tareas posteriores. Por ejemplo, "El cuento del zar Saltan" de A. Pushkin ofrece ricas posibilidades para conectar soluciones figurativas para todos los temas posteriores.

Imagen de un guerrero del bien y del mal.

Materiales: gouache (paleta limitada), papel tapiz, papel de regalo (rugoso), papel de colores.

rango visual: diapositivas de obras de V. Vasnetsov, M. Vrubel, I. Bilibin y otros.

Serie literaria: “El cuento del zar Saltan” de A. Pushkin, extractos de epopeyas.

Serie de musica: música de N. Rimsky-Korsakov para la ópera "El cuento del zar Saltan".

Expresión del carácter de una persona en una imagen; imagen femenina

Representación de imágenes de cuentos de hadas de naturaleza opuesta (La princesa cisne y Baba Babarikha, Cenicienta y madrastra, etc.). La clase se divide en dos partes: algunas representan personas buenas, otras, malas.

Materiales: gouache o pastel (crayones) sobre un fondo de papel de colores.

rango visual: diapositivas de obras de V. Vasnetsov, M. Vrubel, I. Bilibin.

Serie literaria: "El cuento del zar Saltan" de A. Pushkin.

La imagen de una persona y su carácter, expresada en volumen.

Creación en volumen de imágenes de carácter pronunciado: la Princesa Cisne, Baba Babarikha, Baba Yaga, Bogatyr, Koschey el Inmortal, etc.

Materiales: plastilina, pilas, tablones.

rango visual: diapositivas de imágenes escultóricas de obras de S. Konenkov, A. Golubkina, cerámica de M. Vrubel, escultura medieval europea.

Imagen de la naturaleza en diferentes estados.

Representación de estados contrastantes de la naturaleza (el mar es tierno, cariñoso, tormentoso, ansioso, alegre, etc.); individualmente.

Materiales

rango visual: diapositivas que capturan los estados de ánimo contrastantes de la naturaleza, o diapositivas de pinturas de artistas que representan diferentes estados del mar.

Serie literaria: cuentos de hadas de A. Pushkin “Sobre el zar Saltan”, “Sobre el pescador y el pez”.

Serie de musica: ópera "Sadko", "Scheherazade" de N. Rimsky-Korsakov o "El mar" de M. Churlionis.

Expresar el carácter de una persona a través de la decoración.

Al adornarse, cualquier persona habla de sí misma: quién es, cómo es: un guerrero valiente, un protector o una amenaza. Las decoraciones de la Princesa Cisne y Baba Babarikha serán diferentes. Decoración de armaduras heroicas recortadas en papel, kokoshniks de una forma determinada, collares (individualmente).

Materiales: gouache, pinceles (grandes y finos), espacios en blanco de hojas de papel grandes.

rango visual: diapositivas de armas rusas antiguas, encajes, trajes de mujer.

Expresar intenciones a través de la decoración.

Decoración de dos flotas de cuento de hadas con intenciones opuestas (buena, festiva y malvada, pirata). El trabajo es colectivo e individual. Solicitud.

Materiales: gouache, pinceles grandes y finos, cola, alfileres, láminas encoladas o papel pintado.

rango visual: diapositivas de obras de artistas (N. Roerich), ilustraciones de libros infantiles (I. Bilibin), obras de arte popular.

Juntos, los "Maestros de la imagen, la decoración y la construcción" crean casas para personajes de cuentos de hadas. (resumen del tema)

Tres "Hermanos-Maestros" junto con niños (grupos) representan varios paneles, donde, con la ayuda de aplicaciones y pintura, crean el mundo de varios héroes de cuentos de hadas: el bien y el mal (por ejemplo: la torre de la Princesa Cisne). , la casa de Baba Yaga, la cabaña del Bogatyr, etc. ).

En el panel se crea una casa (con pegatinas), el fondo es un paisaje como entorno figurativo de esta casa y la figura es la imagen del dueño de la casa, expresando estas imágenes por la naturaleza del edificio, la ropa. , la forma de la figura, la naturaleza de los árboles contra los que se alza la casa.

La generalización se puede completar con una exposición de trabajos a partir de los resultados del trimestre y su discusión junto con los padres. Se deben preparar grupos de “guías turísticos” para la discusión. El profesor podrá utilizar horas adicionales para este fin. La exposición preparada por el docente y su presentación a los padres (espectadores) debe convertirse en un evento para los estudiantes y sus seres queridos y ayudar a consolidar en la mente de los niños el significado esencial de este tema.

Tema 4. Cómo habla el arte (8-16 h)

A partir de este trimestre, es necesario prestar atención constantemente a la expresividad de los medios. ¿Quieres expresar esto? ¿Y cómo, con qué?

El color como medio de expresión: colores cálidos y fríos. Lucha cálida y fría

La imagen de un fuego agonizante es una “lucha” entre el calor y el frío. Al llenar toda la hoja, mezcle libremente las pinturas entre sí. El fuego se representa como desde arriba, apagándose (trabajando a partir de la memoria y la impresión). "Pluma del pájaro de fuego". Los colores se mezclan directamente sobre la hoja. No se utilizan pinturas en blanco y negro.

Materiales: gouache sin pinturas en blanco y negro, pinceles grandes, hojas de papel grandes.

rango visual: diapositivas de un fuego agonizante; manual metodológico sobre la ciencia del color.

Serie de musica: N. Rimsky-Korsakov fragmentos de la ópera "La doncella de las nieves".

El color como medio de expresión: tranquilo (sordo)y colores sonoros. Mezclar con pinturas negras, grises y blancas.(tonos de color oscuros y delicados)

La capacidad de observar la lucha de los colores en la vida. Imagen de tierra primaveral (basada individualmente en memoria e impresión). Si hay lecciones adicionales, se pueden dar sobre temas como crear un “reino cálido” (Sunny City), un “reino frío” (Snow Queen), logrando riqueza colorística dentro de un esquema de color.

Materiales: gouache, pinceles grandes, hojas de papel grandes.

rango visual: diapositivas de tierra primaveral, cielo tormentoso, niebla, material didáctico sobre la ciencia del color.

Serie de musica: E.Grieg. "Mañana" (fragmento de la suite "Peer Gynt").

Serie literaria: Cuentos de M. Prishvin, poemas de S. Yesenin sobre la primavera.

La línea como medio de expresión: el ritmo de las líneas

Imagen de arroyos de primavera.

Materiales: pasteles o crayones de colores.

Serie de musica: A. Arsensky "Forest Stream", "Preludio"; E. Grieg "En primavera".

Serie literaria: M. Prishvin “Corriente del bosque”.

La línea como medio de expresión: la naturaleza de las líneas.

Imagen de una rama con cierto carácter y humor (individualmente o dos personas, según impresión y recuerdo): ramas delicadas y poderosas, aunque hay que destacar la capacidad de crear diferentes texturas con carboncillo y sanguina.

Materiales: gouache, pincel, palo, carboncillo, sanguina y grandes hojas de papel.

rango visual: ramas grandes y primaverales (abedul, roble, pino), diapositivas con imágenes de ramas.

Serie literaria: tercetos japoneses (tanki).

El ritmo de los spots como medio de expresión

Conocimientos básicos de composición. Cambiar la posición de puntos incluso idénticos en la hoja cambia el contenido de la composición. Disposición rítmica de pájaros en vuelo (trabajo individual o colectivo).

Materiales

rango visual: ayudas visuales.

Serie de musica: fragmentos con una organización rítmica pronunciada.

Las proporciones expresan el carácter.

Diseñar o esculpir pájaros con diferentes proporciones - cola grande - cabeza pequeña - pico grande.

Materiales: papel blanco, papel de colores, tijeras, pegamento o plastilina, pilas, cartulina.

rango visual: pájaros reales y fabulosos (diapositivas de ilustraciones de libros, juguetes).

Ritmo de líneas y manchas, color, proporciones: medios de expresión. (resumen del tema)

Creación de un panel colectivo sobre el tema "Primavera. El sonido de los pájaros".

Materiales: hojas grandes para paneles, gouache, papel, tijeras, cola.

rango visual: obras infantiles realizadas sobre el tema "Primavera", toboganes de ramas, motivos primaverales.

Lección resumida del año.

La clase está decorada con el trabajo de los niños completado durante el año. La inauguración de la exposición debería convertirse en una fiesta alegre, un acontecimiento en la vida escolar. Las lecciones se llevan a cabo en forma de conversación, recordando constantemente a los niños todos los temas del trimestre académico. En el juego-conversación, el profesor cuenta con la ayuda de tres "hermanos-maestros". Se invita a los padres y otros profesores (si es posible) a asistir a las clases.

rango visual: obras infantiles que expresan los objetivos de cada trimestre, diapositivas, reproducciones de obras de artistas y arte popular, que ayudan a revelar temas.

3er grado (34-68 horas)

Arte a nuestro alrededor

Una de las ideas principales del programa: "Desde el umbral nativo hasta el mundo de la cultura de la Tierra", es decir, desde el conocimiento de la cultura de su pueblo, incluso de la cultura de su "pequeña patria", sin esto no hay camino hacia la cultura universal.

La educación en esta clase se basa en introducir a los niños en el mundo del arte a través del conocimiento del mundo objetivo que los rodea y su significado artístico. A los niños se les hace comprender que los objetos no sólo tienen un propósito utilitario, sino que también son portadores de cultura espiritual, y esto siempre ha sido así, desde la antigüedad hasta nuestros días. Es necesario ayudar al niño a ver la belleza de las cosas, objetos, objetos y obras de arte que lo rodean, prestando especial atención al papel de los artistas - "Maestros de la imagen, la decoración, la construcción" - en la creación del entorno para la vida humana. .

Al final del año, los niños deben sentir que su vida, la vida de cada persona, está diariamente conectada con las actividades artísticas. Las lecciones finales de cada trimestre deben contener la pregunta: "¿Qué hubiera pasado si los "Hermanos Maestros" no hubieran participado en la creación del mundo que te rodea, en casa, en la calle, etc.?" Comprender el enorme papel que desempeñan las artes en la vida cotidiana debería ser una revelación para los niños y sus padres.

Tema 1. Arte en tu casa (8-16 h)

Aquí los "Maestros" llevan al niño a su apartamento y descubren qué "hizo" cada uno de ellos en el entorno inmediato del niño, y al final resulta que sin su participación no se habría creado ni un solo objeto en la casa. y la casa misma no habría existido.

tus juguetes

Los juguetes, como deberían ser, fueron inventados por el artista. Juguetes infantiles, juguetes populares, juguetes caseros. Modelar juguetes con plastilina o arcilla.

Materiales: plastilina o arcilla, paja, espacios en blanco de madera, papel, gouache, pintura a base de agua; cepillos pequeños, tampones.

rango visual: juguete popular (toboganes): neblina, Gorodets, Filimonovo, juguete tallado de Bogorodskaya, juguetes hechos con materiales de desecho: embalajes, telas, pieles.

Serie literaria: refranes, refranes, folclore, cuentos populares rusos.

Serie de musica: Música folclórica rusa, P. Tchaikovsky "Álbum infantil".

Platos a tu domicilio

Vajilla de uso diario y festivo. El diseño, forma de objetos y pintura y decoración de platos. La labor de los “Maestros de la Construcción, la Decoración y la Imaginería” en la fabricación de vajillas. Imagen sobre papel. Modelar platos de plastilina con pintura sobre una imprimación blanca.

Al mismo tiempo, hay que destacar la finalidad de los platos: para quién es, para qué ocasión.

Materiales: papel teñido, gouache, plastilina, arcilla, pintura a base de agua.

rango visual: muestras de platos del caldo natural, portaobjetos de platos populares, platos de distintos materiales (metal, madera, plástico).

la bufanda de mamá

Boceto de un pañuelo: para niña, para abuela, es decir, diferente en contenido, ritmo de diseño, color, como medio de expresión.

Materiales: gouache, pinceles, papel blanco y de colores.

rango visual: diapositivas de motivos naturales de bufandas, pañuelos y telas, muestras de trabajos infantiles sobre este tema.

Serie de musica: Música folclórica rusa (como fondo).

Papel pintado y cortinas en tu hogar

Bocetos de papel pintado o cortinas para una estancia que tenga un propósito claro: dormitorio, salón, habitación infantil. También se puede realizar mediante la técnica del estampado del talón.

Materiales: gouache, pinceles, clichés, papel o tela.

rango visual: extractos de un cuento de hadas, que proporciona una descripción verbal de las habitaciones de un palacio de cuento de hadas.

Serie de musica: extractos musicales que caracterizan diferentes estados: tormentoso (F. Chopin “Polonesa” en la bemol mayor, op. 53), tranquilo, líricamente tierno (F. Chopin “Mazurka” en la menor, op. 17).

Tus libros

El artista y el libro. Ilustraciones. Formulario de libro. Fuente. Letra inicial. Ilustrar un cuento de hadas elegido o construir un libro de juguetes.

Materiales: gouache, pinceles, papel blanco o de color, crayones.

rango visual: portadas e ilustraciones de cuentos de hadas conocidos (ilustraciones de diferentes autores para el mismo cuento de hadas), diapositivas, libros de juguetes, libros para niños.

Serie literaria: texto del cuento de hadas seleccionado.

tarjeta de felicitación

Boceto de una postal o marcapáginas decorativo (motivos vegetales). Es posible utilizar la técnica del papel rayado, el grabado con pegatinas o el monotipo gráfico.

Materiales: papel pequeño, tinta, bolígrafo, palo.

rango visual: diapositivas de grabados en madera, linóleo, aguafuertes, litografías, muestras de obras infantiles en diferentes técnicas.

¿Qué hizo el artista en nuestra casa? (resumiendo el tema). El artista participó en la creación de todos los objetos de la casa. Le ayudaron nuestros “Maestros de la Imagen, la Decoración y la Construcción”. Comprender el papel de cada uno de ellos. La forma del objeto y su decoración. Durante la lección general, puedes organizar un juego de artistas y espectadores o un juego de guías turísticos en una exposición de obras realizadas durante el trimestre. Tres “Maestros” mantienen una conversación. Cuentan y muestran qué objetos rodean a las personas en casa en la vida cotidiana. ¿Hay algún objeto en casa en el que los artistas no hayan trabajado? Comprender que todo lo relacionado con nuestra vida no existiría sin el trabajo de los artistas, sin las bellas artes, decorativas y aplicadas, la arquitectura, el diseño, esto debe ser el resultado y al mismo tiempo un descubrimiento.

Tema 2. Arte en las calles de tu ciudad (7-14 h)

Todo comienza "desde el umbral de la propia casa". Este trimestre está dedicado a este “umbral”. Y no hay Patria sin él. No sólo Moscú o Tula, sino precisamente su calle natal, que pasa "frente" a su casa, muy pisada por sus pies.

Monumentos arquitectónicos: herencia de siglos

Estudiar y representar un monumento arquitectónico, los lugares de origen.

Materiales: papel teñido, ceras o gouache, papel blanco.

Serie literaria: materiales relacionados con el monumento arquitectónico seleccionado.

Parques, plazas, bulevares.

Arquitectura, construcción de parques. Imagen del parque. Parques recreativos, parques museo, parques infantiles. Imagen de un parque, plaza, collage posible.

Materiales: papel blanco, de colores, gouache o crayones de cera, tijeras, pegamento.

rango visual: ver diapositivas, reproducciones de cuadros.

Vallas caladas

Vallas de hierro fundido en San Petersburgo y Moscú, en mi ciudad natal, arquitrabes de madera calados. Un proyecto para una celosía o puerta calada, recortándola de papel de colores doblado y pegándola en una composición sobre el tema "Parques, plazas, bulevares".

Materiales: papel de colores, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas de vallas antiguas en Moscú y San Petersburgo. Rejas y vallas decorativas modernas en nuestras ciudades.

Faroles en las calles y parques.

¿Qué tipos de faroles existen? El artista también crea la forma de las linternas: una linterna festiva, ceremonial, una linterna lírica. Linternas en las calles de la ciudad. Los faroles son la decoración de la ciudad. Imagen o diseño con forma de farolillo de papel.

Materiales

Escaparates

Si tienes tiempo extra, puedes hacer diseños tridimensionales grupales.

Materiales: papel blanco y de colores, tijeras, pegamento.

rango visual: toboganes con vitrinas decoradas. Trabajos infantiles de años anteriores.

Transporte en la ciudad

El artista también participa en la creación de la forma de las máquinas. Coches de diferentes épocas. La capacidad de ver imágenes en forma de máquinas. Inventa, dibuja o construye imágenes de máquinas fantásticas (tierra, agua, aire) con papel.

Materiales: papel blanco y de colores, tijeras, pegamento, material gráfico.

rango visual: fotografías de transporte. Toboganes de transporte antiguo. Reproducciones de revistas.

¿Qué hizo el artista en las calles de mi ciudad? (en mi pueblo)

Debe surgir nuevamente la pregunta: ¿qué pasaría si nuestros “Hermanos Maestros” no tocaran nada en las calles de nuestra ciudad? En esta lección, se crean uno o más paneles colectivos a partir de obras individuales. Podría ser un panorama de una calle de distrito a partir de varios dibujos pegados en una tira en forma de diorama. Aquí puedes colocar vallas y faroles, transporte. El diorama se complementa con figuras de personas, recortes planos de árboles y arbustos. Puedes jugar a “guías turísticos” y “periodistas”. Los guías hablan de su ciudad, del papel de los artistas que crean la apariencia artística de la ciudad.

Tema 3. Artista y espectáculo (10-20 h)

Los "Master Brothers" han estado involucrados en las artes escénicas desde la antigüedad. Pero aún hoy su papel es irreemplazable. A discreción del profesor, es posible combinar la mayoría de las lecciones sobre el tema con la idea de crear un espectáculo de marionetas, para el cual se representan secuencialmente un telón, escenografía, disfraces, muñecos y un cartel. Al final de la lección general, puede organizar una representación teatral.

Máscaras de teatro

Máscaras de diferentes épocas y pueblos. Máscaras en imágenes antiguas, en el teatro, en un festival. Diseño de máscaras expresivas y de carácter nítido.

Materiales: papel de colores, tijeras, pegamento.

rango visual: fotografías de máscaras de diferentes naciones y máscaras teatrales.

Artista en el teatro

Ficción y verdad del teatro. Festival de Teatro. Decoraciones y disfraces de personajes. Teatro sobre la mesa. Realización de una maqueta de la escenografía de la obra.

Materiales: caja de cartón, papel multicolor, pinturas, pinceles, pegamento, tijeras.

rango visual: diapositivas de bocetos de artistas de teatro.

Serie literaria: cuento de hadas seleccionado.

Teatro de marionetas

Muñecas de teatro. Teatro Petrushka. Títeres de guante, títeres de caña, títeres. Trabajo del artista sobre una muñeca. Caracteres. La imagen del muñeco, su diseño y decoración. Hacer una muñeca en clase.

Materiales: plastilina, papel, tijeras, pegamento, tela, hilo, botones pequeños.

rango visual: diapositivas con imágenes de títeres teatrales, reproducciones de libros sobre teatro de títeres, tiras de película.

telón de teatro

El papel del telón en el teatro. Telón e imagen de la actuación. Boceto de un telón para una actuación (trabajo en equipo, 2-4 personas).

Materiales: gouache, pinceles, papel grande (puede ser de papel tapiz).

rango visual: diapositivas de telones de teatro, reproducciones de libros sobre teatro de marionetas.

Programa, cartel

El significado del cartel. La imagen de la actuación, su expresión en el cartel. Fuente. Imagen.

Boceto de un cartel para la actuación.

Materiales: papel de colores de gran formato, gouache, pinceles, cola.

rango visual: carteles de teatro y circo.

El artista y el circo

El papel del artista en el circo. Una imagen de un espectáculo alegre y misterioso. Imagen de un espectáculo de circo y sus personajes.

Materiales: papel de colores, crayones, gouache, pinceles.

Cómo los artistas ayudan a hacer unas vacaciones. El artista y el espectáculo (lección resumida)

Vacaciones en la ciudad. "Maestros de la Imagen, la Decoración y la Construcción" ayudan a crear la Fiesta. Bosquejo de la decoración de la ciudad para las vacaciones. Organizar una exposición de todos los trabajos sobre el tema en el aula. Sería fantástico si pudieras montar una actuación e invitar a invitados y padres.

Tema 4. Artista y museo (8-16 h)

Conociendo el papel del artista en nuestra vida cotidiana, con las diferentes formas de arte aplicadas, terminamos el año con un tema sobre el arte que se guarda en los museos. Cada ciudad puede estar orgullosa de sus museos. Los museos de Moscú, San Petersburgo y otras ciudades rusas son custodios de las mejores obras del arte mundial y ruso. Y cada niño debería tocar estas obras maestras y aprender a estar orgulloso de que sea su ciudad natal la que almacene obras tan maravillosas. Se conservan en museos. En Moscú hay un museo, un santuario de la cultura rusa, la Galería Tretyakov. En primer lugar, tenemos que hablar de ello. Hoy en día, el Hermitage y el Museo Ruso desempeñan un papel muy importante: hay muchos museos y salas de exposiciones pequeños e interesantes como centros de relaciones artísticas internacionales;

Sin embargo, el tema de los "Museos" es más amplio. Hay museos no sólo de arte, sino de todos los aspectos de la cultura humana. También hay "museos caseros" en forma de álbumes familiares que cuentan la historia de la familia y etapas interesantes de la vida. Podría haber un museo en casa de juguetes, sellos, hallazgos arqueológicos o simplemente recuerdos personales. Todo esto es parte de nuestra cultura. Los "Hermanos-Maestros" ayudan en la organización competente de estos museos.

Museos en la vida de la ciudad.

Varios museos. El papel del artista en la organización de la exposición. Los museos de arte más grandes: Galería Tretyakov, Museo de Bellas Artes. COMO. Pushkin, Hermitage, Museo Ruso, museos de su ciudad natal.

Arte que se alberga en estos museos

¿Qué es una "imagen"? Pintura de bodegones. Género de bodegones. Naturaleza muerta como historia sobre una persona. La imagen de una naturaleza muerta por presentación, la expresión del estado de ánimo.

Materiales: gouache, papel, pinceles.

rango visual: diapositivas de naturalezas muertas con un estado de ánimo pronunciado (J.B. Chardin, K. Petrov-Vodkin, P. Konchalovsky, M. Saryan, P. Kuznetsov, V. Stozharov, V. Van Gogh, etc.).

Asignación de tareas: contemplar naturalezas muertas de diferentes autores en un museo o en una exposición.

Pintura de paisaje

Observamos paisajes famosos: I. Levitan, A. Savrasov, N. Roerich, A. Kuindzhi, V. Van Gogh, K. Koro. Imagen de un paisaje presentado con un humor pronunciado: un paisaje alegre y festivo; paisaje lúgubre y lúgubre; paisaje suave y melodioso.

En esta lección, los niños recordarán qué estados de ánimo se pueden expresar con colores fríos y cálidos, apagados y estridentes, y qué puede pasar cuando se mezclan.

Materiales: papel blanco, gouache, pinceles.

rango visual: diapositivas con ejemplos de paisajes pintorescos con un estado de ánimo pronunciado (V. Van Gogh, N. Roerich, I. Levitan, A. Rylov, A. Kuindzhi, V. Byalynitsky-Birulya).

Serie de musica: La música de esta lección se puede utilizar para crear un determinado estado de ánimo.

pintura de retrato

Introducción al género del retrato. Retrato de memoria o idea (retrato de un amigo, amiga).

Materiales: papel, gouache, pinceles (o pastel).

rango visual: diapositivas de retratos pintorescos de F. Rokotov, V. Serov, V. Van Gogh, I. Repin.

Los museos mantienen esculturas de maestros famosos

Aprender a mirar la escultura. Escultura en el museo y en la calle. Monumentos. Escultura del parque. Esculpir una figura humana o animal (en movimiento) para una escultura de parque.

Materiales: plastilina, pilas, soporte de cartón.

rango visual: diapositivas de los conjuntos “Galería Tretyakov”, “Museo Ruso”, “Hermitage” (obras de A.L. Bari, P. Trubetskoy, E. Lansere).

Cuadros históricos y cuadros de la vida cotidiana.

Conocimiento de obras de género histórico y cotidiano. Una imagen que represente un acontecimiento histórico (sobre el tema de la historia épica rusa o la historia de la Edad Media, o una imagen de la vida cotidiana: desayuno en familia, jugamos, etc.).

Materiales: hoja grande de papel de colores, crayones.

Los museos preservan la historia de la cultura artística, las creaciones de grandes artistas. (resumen del tema)

Un “recorrido” por la exposición de las mejores obras del año, una celebración de las artes con escenario propio. En resumen: cuál es el papel del artista en la vida de cada persona.

4to grado (34-68 horas)

Cada nación es un artista (imagen, decoración, construcción).
en la creatividad de los pueblos de toda la tierra)

El objetivo de la educación y formación artística de un niño en 4º grado es formarse una idea de la diversidad de culturas artísticas de los pueblos de la Tierra y la unidad de las ideas de las personas sobre la belleza espiritual del hombre.

La diversidad de culturas no es accidental: siempre expresa la profunda relación de cada pueblo con la vida de la naturaleza, en cuyo entorno se configura su historia. Estas relaciones no son estacionarias: viven y se desarrollan con el tiempo, asociadas con la influencia de una cultura sobre otra. Esta es la base de la singularidad de las culturas nacionales y su interconexión. La diversidad de estas culturas es la riqueza de la cultura humana.

La integridad de cada cultura es también el elemento de contenido más importante que los niños necesitan experimentar. El niño de hoy está rodeado por un desorden multifacético de fenómenos culturales que le llegan a través de los medios de comunicación. Un sano sentido artístico busca el orden en este caos de imágenes, por lo que cada cultura debe presentarse como una “personalidad artística integral”.

Las representaciones artísticas deben presentarse como relatos visibles de culturas. Los niños aún no están preparados para el pensamiento histórico. Pero se caracterizan por el deseo y la sensibilidad hacia una comprensión figurativa del mundo, correlacionada con la conciencia expresada en las artes populares. Aquí “debe” dominar la verdad de la imagen artística.

Al familiarizarse, a través de la co-creación y la percepción, con los orígenes de la cultura de su pueblo o de otros pueblos de la Tierra, los niños comienzan a sentirse partícipes del desarrollo de la humanidad, abriéndose el camino para ampliar aún más su sensibilidad hacia las riquezas de la cultura humana.

La variedad de ideas de diferentes pueblos sobre la belleza se revela en el proceso de comparar la naturaleza, el trabajo, la arquitectura y la belleza humana nativa con la cultura de otros pueblos.

Las tareas educativas del año prevén un mayor desarrollo de las habilidades para trabajar con gouache, pastel, plastilina y papel. Las tareas de la educación laboral están orgánicamente relacionadas con las artísticas. En el proceso de dominar las habilidades de trabajar con una variedad de materiales, los niños llegan a comprender la belleza de la creatividad.

En 4to grado aumenta la importancia del trabajo colectivo en el proceso educativo. Las obras musicales y literarias desempeñan un papel importante en el plan de estudios de cuarto grado, lo que permite crear una comprensión holística de la cultura del pueblo.

Tema 1. Los orígenes de las artes de tu pueblo (8-16 h)

El trabajo práctico en el aula debe combinar formas individuales y colectivas.

Paisaje de la tierra natal.

Rasgos característicos, originalidad del paisaje autóctono. Una imagen del paisaje de tu país natal. Revelando su especial belleza.

Materiales: gouache, pinceles, crayones.

rango visual: diapositivas de la naturaleza, reproducciones de cuadros de artistas rusos.

Serie de musica: Canciones populares rusas.

Imagen de una casa tradicional rusa. (cabañas)

Conocimiento del diseño de la cabaña, el significado de sus partes.

Ejercicio: modelado en papel (o modelado) de una cabaña. Trabajo individual-en equipo.

Material: papel, cartón, plastilina, tijeras, pilas.

rango visual: diapositivas de conjuntos de madera de museos etnográficos.

Asignación de tareas: encuentra imágenes de un pueblo ruso y sus edificios.

Decoraciones de edificios de madera y su significado.

Unidad en la obra de los "Tres Maestros". Ideas mágicas como imágenes poéticas del mundo. Izba es una imagen del rostro de una persona; las ventanas, los ojos de la casa, estaban decoradas con plataformas; fachada - "frente" - placa frontal, pilares. Decoración de edificios de “madera” creados en la última lección (individual y colectivamente). Además, una imagen de una choza (gouache, pinceles).

Materiales: papel blanco, tintado o de regalo, tijeras, pegamento o plastilina para construcciones tridimensionales.

rango visual: diapositivas de la serie “Museos etnográficos”, “Arte popular ruso”, “Arquitectura de madera de Rusia”.

Serie de musica: V. Belov "Muchacho".

Pueblo - mundo de madera

Conocimiento de la arquitectura de madera rusa: chozas, puertas, graneros, pozos... Arquitectura de iglesias de madera. Imagen de un pueblo. Panel colectivo o trabajo individual.

Materiales: gouache, papel, pegamento, tijeras.

Imagen de la belleza humana.

Cada nación tiene su propia imagen de la belleza femenina y masculina. La ropa tradicional expresa esto. La imagen de un hombre es inseparable de su obra. Combina ideas sobre la unidad de la fuerza poderosa y la bondad: un buen tipo. En la imagen de una mujer, la comprensión de su belleza siempre expresa la capacidad de soñar, el deseo de superar la vida cotidiana. La belleza también es un talismán. Las imágenes femeninas están profundamente conectadas con la imagen de un pájaro: la felicidad (cisne).

Imágenes de imágenes populares femeninas y masculinas individualmente o para paneles (pegadas en paneles por el grupo del artista principal). Tenga en cuenta que las figuras de las obras infantiles deben estar en movimiento y no parecerse a una exposición de ropa. Las lecciones adicionales incluyen hacer muñecos similares a trapos populares o figuras de estuco para una "aldea" ya creada.

Materiales: papel, gouache, pegamento, tijeras.

rango visual: diapositivas de materiales de museos etnográficos, libros sobre arte popular, reproducciones de obras de artistas: I. Bilibin, I. Argunov, A. Venetsianov, M. Vrubel, etc.

Serie literaria: fragmentos de epopeyas, cuentos de hadas rusos, extractos de poemas de Nekrasov.

Serie de musica: Canciones folk.

Asignación de tareas: encuentre imágenes de imágenes masculinas y femeninas de trabajo y celebración.

días festivos nacionales

El papel de las vacaciones en la vida de las personas. Días festivos: fiesta de la cosecha de otoño, feria. Unas vacaciones son una imagen de una vida ideal y feliz.

Creación de trabajos sobre el tema de una fiesta nacional con una generalización del material sobre el tema.

Materiales: papel pintado pegado para paneles u hojas de papel, gouache, pinceles.

rango visual: B. Kustodiev, K. Yuon, F. Malyavin, obras de arte decorativo popular.

Serie literaria: I. Tokmakova "Feria".

Serie de musica: R. Shchedrin "Cancioneros traviesos", N. Rimsky-Korsakov "Doncella de las nieves".

Tema 2. Ciudades antiguas de tu tierra (7-14 h)

Cada ciudad es especial. Tiene su propia cara única, su propio carácter, cada ciudad tiene su propio destino especial. Sus edificios en su apariencia capturaron el camino histórico de la gente, los acontecimientos de su vida. La palabra "ciudad" proviene de "cercar", "cercar" con una muralla de fortaleza, fortificar. En las altas colinas, reflejadas en ríos y lagos, crecieron ciudades con muros blancos, iglesias con cúpulas y repique de campanas. No hay ciudades como ésta en ningún otro lugar. Revela su belleza, la sabiduría de su organización arquitectónica.

Antigua ciudad rusa - fortaleza

Tarea: estudiar los diseños y proporciones de las torres de las fortalezas. Construcción de murallas y torres de fortaleza con papel o plastilina. Es posible una opción pictórica.

Materiales: según la opción de tarea seleccionada.

Catedrales antiguas

Las catedrales encarnaban la belleza, el poder y la fuerza del estado. Eran el centro arquitectónico y semántico de la ciudad. Estos eran los santuarios de la ciudad.

Conocimiento de la arquitectura del antiguo templo de piedra ruso. Diseño, simbolismo. Construcción de papel. Trabajo en equipo.

Materiales: papel, tijeras, pegamento, plastilina, pilas.

rango visual: V. Vasnetsov, I. Bilibin, N. Roerich, diapositivas “Paseo por el Kremlin”, “Catedrales del Kremlin de Moscú”.

La ciudad antigua y sus habitantes.

Modelización de toda la población residencial de la ciudad. Finalización de la “construcción” de la ciudad antigua. Posible opción: imagen de una antigua ciudad rusa.

Viejos guerreros rusos - defensores

Imagen de los antiguos guerreros rusos del escuadrón principesco. Ropa y armas.

Materiales: gouache, papel, pinceles.

rango visual: I. Bilibin, V. Vasnetsov, ilustraciones para libros infantiles.

Ciudades antiguas de la tierra rusa.

Moscú, Novgorod, Pskov, Vladimir, Suzdal y otros.

Conociendo la singularidad de diferentes ciudades antiguas. Son similares y diferentes entre sí. Representación de diferentes personajes de ciudades rusas. Trabajo práctico o conversación.

Materiales: para técnicas gráficas - crayones, para monotipo o pintura - gouache, pinceles.

Torres estampadas

Imágenes de arquitectura de cámara. Interiores pintados. Losas. Imagen del interior de la cámara: preparando el fondo para la siguiente tarea.

Materiales: papel (teñido o coloreado), gouache, pinceles.

rango visual: diapositivas “Cámaras antiguas del Kremlin de Moscú”, V. Vasnetsov “Cámaras del zar Berendey”, I. Bilibin, A. Ryabushkin reproducciones de pinturas.

Fiesta festiva en las cámaras.

Panel aplicativo colectivo o imágenes individuales de una fiesta.

Materiales: papel pintado pegado para paneles y hojas de papel, gouache, pinceles, cola, tijeras.

rango visual: diapositivas del Kremlin y sus cámaras, ilustraciones de V. Vasnetsov para cuentos de hadas rusos.

Serie literaria: A. Pushkin "Ruslan y Lyudmila".

Serie de musica: F. Glinka, N. Rimsky-Korsakov.

Tema 3. Cada nación es un artista (11-22 h)

Los "Master Brothers" llevan a los niños desde el encuentro con las raíces de su cultura nativa hasta la comprensión de la diversidad de culturas artísticas del mundo. El profesor puede elegir las culturas óptimas para tener tiempo de vivirlas de forma interesante con los niños. Ofrecemos tres en el contexto de sus conexiones con la cultura del mundo moderno. Esta es la cultura de la Antigua Grecia, la Europa medieval (gótica) y Japón como ejemplo de la cultura de Oriente, pero el profesor puede tomar para estudiar Egipto, China, India, las culturas de Asia Central, etc. Es importante que los niños se den cuenta de que el mundo de la vida artística en la Tierra es extremadamente diverso, y esto es muy interesante y alegre. A través del arte nos familiarizamos con la cosmovisión, el alma de diferentes pueblos, empatizamos con ellos y nos volvemos más ricos espiritualmente. Esto es exactamente lo que hay que desarrollar en este tipo de lecciones.

Las culturas artísticas del mundo no son la historia de las artes de estos pueblos. Este es el mundo espacial y objetivo de la cultura, en el que se expresa el alma del pueblo.

Existe una manera metodológica y lúdica conveniente de no estudiar historia, sino de ver la imagen holística de la cultura: el viaje de un héroe de cuento de hadas a través de estos países (Sadko, Simbad el marinero, Odiseo, los argonautas, etc.).

Cada cultura se considera según cuatro parámetros: la naturaleza y el carácter de los edificios, las personas en este entorno y las vacaciones de los pueblos como expresión de ideas sobre la felicidad y la belleza de la vida.

Una imagen de la cultura artística de la Antigua Grecia

Lección 1: la comprensión griega antigua de la belleza humana, masculina y femenina, utilizando el ejemplo de las obras escultóricas de Mirón, Policleto, Fidias (el hombre es la “medida de todas las cosas”). Las dimensiones, proporciones y diseños de los templos estaban armoniosamente relacionados con el hombre. La admiración por una persona atlética y armoniosa es una característica de la cosmovisión del pueblo de la antigua Grecia. Imagen de figuras de atletas olímpicos (figuras en movimiento) y participantes de la procesión (figuras vestidas).

Lección 2: armonía humana con la naturaleza y la arquitectura circundante. La idea de los sistemas de orden dórico (“masculino”) y jónico (“femenino”) como la naturaleza de las proporciones en la construcción de un templo griego. Imágenes de templos griegos (aplicaciones semivolumétricas o planas) para paneles o modelado tridimensional en papel.

Lección 3 - Fiestas griegas antiguas (paneles). Podrían ser los Juegos Olímpicos o la fiesta de la Gran Panatenea (una procesión solemne en honor a la belleza humana, la perfección física y la fuerza, que los griegos adoraban).

Materiales: gouache, pinceles, tijeras, pegamento, papel.

rango visual: diapositivas del aspecto moderno de Grecia, diapositivas de obras de escultores griegos antiguos.

Serie literaria: mitos de la Antigua Grecia.

Imagen de la cultura artística japonesa.

Representación de la naturaleza a través de detalles propios de los artistas japoneses: una rama de árbol con un pájaro, una flor con una mariposa, hierba con saltamontes, libélulas, una rama de cerezos en flor sobre un fondo de niebla, montañas lejanas...

Una imagen de mujeres japonesas con ropa nacional (kimono) que muestra rasgos faciales, peinados, movimientos ondulados y figuras característicos.

Panel colectivo “Festival de los Cerezos en Flor” o “Festival del Crisantemo”. Las figuras individuales se fabrican individualmente y luego se pegan en el panel general. El grupo de "artistas principales" está trabajando en segundo plano.

Materiales: hojas grandes de papel para trabajar en grupo, gouache, pastel, lápices, tijeras, pegamento.

rango visual: grabados de Utamaro, Hokusai - imágenes femeninas, paisajes; diapositivas de las ciudades modernas.

Serie literaria: poesía japonesa.

Una imagen de la cultura artística de la Europa occidental medieval.

Las tiendas de artesanía eran el principal punto fuerte de estas ciudades. Cada taller tenía su propia ropa, su propia insignia y sus miembros estaban orgullosos de su habilidad, de su comunidad.

Trabajo en el panel “Festival de Talleres de Artesanía en la Plaza de la Ciudad” con las etapas preparatorias del estudio de la arquitectura, la vestimenta humana y su entorno (mundo objetivo).

Materiales: hojas grandes de papel, gouache, pastel, pinceles, tijeras, pegamento.

rango visual: diapositivas de ciudades de Europa occidental, escultura y vestimenta medievales.

Diversidad de culturas artísticas en el mundo. (resumen del tema)

Una exposición, una conversación: consolidar en la mente de los niños el tema del trimestre “Cada nación es un artista” como tema principal de los tres trimestres de este año. El resultado no es la memorización de nombres, sino la alegría de compartir descubrimientos de otros mundos culturales que los niños ya han vivido. Nuestros tres "Hermanos Maestros" en esta lección deberían ayudar al maestro y a los niños no a estudiar, a memorizar monumentos, sino a comprender las diferencias en su trabajo en diferentes culturas; ayudarlos a comprender por qué los edificios, la ropa y las decoraciones son tan diferentes.

Tema 4. El arte une a los pueblos (8-16 horas)

El último trimestre de este grado completa el programa de la escuela primaria. Finaliza la primera etapa de formación. El profesor debe completar las líneas principales de la comprensión del arte por parte del niño.

Los temas del año presentaron a los niños la riqueza y diversidad de las ideas de la gente sobre la belleza de los fenómenos de la vida. Aquí está todo: la comprensión de la naturaleza, la conexión de los edificios con ella, la ropa y las vacaciones: todo es diferente. Tuvimos que darnos cuenta: esto es precisamente lo maravilloso, que la humanidad es tan rica en diferentes culturas artísticas y que no es casualidad que sean diferentes. En el cuarto trimestre, las tareas cambian fundamentalmente (son, por así decirlo, opuestas) de ideas sobre una gran diversidad a ideas sobre la unidad de todos los pueblos para comprender la belleza y la fealdad de los fenómenos fundamentales de la vida. Los niños deberían ver que, por diferentes que sean, las personas siguen siendo personas y hay algo que todos los pueblos de la Tierra perciben como igualmente hermoso. Somos una tribu de la Tierra, a pesar de todas nuestras diferencias, somos hermanos. Todos los pueblos tienen en común las ideas no sobre las manifestaciones externas, sino sobre las más profundas, no subordinadas a las condiciones externas de la naturaleza y la historia.

Todas las naciones cantan a la maternidad

Cada persona en el mundo tiene una relación especial con su madre. En el arte de todas las naciones existe el tema de glorificar la maternidad, la madre que da vida. Existen grandes obras de arte sobre este tema, comprensibles y comunes a todas las personas. Los niños, según su presentación, retratan a madre e hijo, intentando expresar su unidad, su cariño, su relación mutua.

Materiales

rango visual: “Nuestra Señora de Vladimir”, Rafael “Madonna Sixtina”, M. Savitsky “Madonna partidista”, B. Nemensky “Silencio”, etc.

Serie de musica: canción de cuna.

Todas las naciones cantan la sabiduría de la vejez.

Hay belleza externa e interna. La belleza de la vida espiritual. Belleza en la que se expresa la experiencia de vida. La belleza de la conexión entre generaciones.

Tarea para representar a una querida persona mayor. El deseo de expresar su mundo interior.

Materiales: gouache (pastel), papel, pinceles.

rango visual: retratos de Rembrandt, autorretratos de V. Tropinin, Leonardo da Vinci, El Greco.

La empatía es el gran tema del arte

Desde la antigüedad, el arte ha buscado evocar la empatía del espectador. El arte afecta nuestros sentimientos. Representación del sufrimiento en el arte. A través del arte, el artista expresa su simpatía por quienes sufren, les enseña a empatizar con el dolor y el sufrimiento de otras personas.

Ejercicio: un dibujo con una trama dramática inventada por el autor (un animal enfermo, un árbol muerto).

Materiales: gouache (blanco o negro), papel, pinceles.

rango visual: S. Botticelli "Abandonado", Picasso "Mendigos", Rembrandt "El regreso del hijo pródigo".

Serie literaria: N. Nekrasov “El llanto de los niños”.

Héroes, luchadores y defensores.

En la lucha por la libertad y la justicia, todos los pueblos ven una manifestación de belleza espiritual. Todas las naciones cantan alabanzas a sus héroes. Cada nación tiene muchas obras de arte (pintura, escultura, música, literatura) dedicadas a este tema. Tema heroico en el arte de diferentes naciones. Boceto de un monumento a un héroe elegido por el autor (niño).

Materiales: plastilina, pilas, tablero.

rango visual: monumentos a héroes de diferentes naciones, monumentos del Renacimiento, obras escultóricas de los siglos XIX y XX.

Juventud y esperanzas

Tema de la infancia y la juventud en el arte. Una imagen de la alegría de la infancia, sueños de felicidad, de hazañas, de viajes, de descubrimientos.

Arte de los pueblos del mundo. (resumen del tema)

Exposición final de obras. Lección abierta para padres y profesores. Discusión.

Materiales: papel para diseñar obras, pegamento, tijeras, etc.

rango visual: las mejores obras del año o de toda la escuela primaria, paneles colectivos, material de historia del arte recopilado por niños sobre temas.

Serie literaria y musical.: a criterio del docente como ilustración de los mensajes de los guías.

Como resultado del estudio del programa, los estudiantes:

• dominar los conceptos básicos de las ideas primarias sobre tres tipos de actividad artística: imagen en plano y volumen; construcción o diseño artístico en un plano, en volumen y espacio; decoración o actividad artística decorativa utilizando diversos materiales artísticos;
• adquirir habilidades primarias en el trabajo artístico en los siguientes tipos de arte: pintura, gráficos, escultura, diseño, los inicios de la arquitectura, artes y oficios y formas de arte popular;
• desarrollar sus habilidades de observación y cognitivas, su capacidad de respuesta emocional a los fenómenos estéticos de la naturaleza y la actividad humana;
• desarrollar la fantasía y la imaginación, manifestadas en formas específicas de actividad artística creativa;
• dominar las capacidades expresivas de los materiales artísticos: pinturas, gouache, acuarelas, pasteles y crayones, carboncillo, lápiz, plastilina, cartulina;
• adquirir habilidades primarias en la percepción artística de diversos tipos de arte; una comprensión inicial de las características del lenguaje figurativo de diferentes tipos de arte y su papel social: significado en la vida humana y la sociedad;
• aprender a analizar obras de arte; adquirir conocimiento de obras específicas de artistas destacados en diversas formas de arte; aprender a utilizar activamente términos y conceptos artísticos;
• dominar la experiencia inicial de la actividad creativa independiente y también adquirir habilidades de creatividad colectiva, la capacidad de interactuar en el proceso de actividad artística conjunta;
• adquirir habilidades primarias para representar el mundo objetivo, representar plantas y animales, habilidades iniciales para representar el espacio en un plano y estructuras espaciales, ideas primarias sobre representar a una persona en un plano y en volumen;
• adquirir habilidades comunicativas a través de la expresión de significados artísticos, la expresión de un estado emocional, su actitud hacia la actividad artística creativa, así como al percibir obras de arte y la creatividad de sus compañeros;
• adquirir conocimientos sobre el papel del artista en diversas esferas de la vida humana, sobre el papel del artista en la organización de formas de comunicación entre las personas, creando el entorno de vida y el mundo objetivo;
• adquirir ideas sobre las actividades del artista en formas de arte sintéticas y espectaculares (en teatro y cine);
• adquirir ideas primarias sobre la riqueza y diversidad de las culturas artísticas de los pueblos de la Tierra y los fundamentos de esta diversidad, sobre la unidad de las relaciones emocionales y valorativas con los fenómenos de la vida.

2.2. Diseño de un programa de educación artística escolar.

Este diagrama revela el contenido del programa: sus “tres etapas”.

La primera etapa, la escuela primaria, es como el pedestal de todo el edificio: se compone de cuatro escalones y tiene una importancia fundamental. Sin haber recibido el desarrollo aquí establecido, es (casi) inútil conocer las siguientes etapas. Pueden resultar externos y no formar parte de la estructura de la personalidad. Repetimos constantemente a los maestros: no importa en qué grado comience a trabajar con niños "crudos" y no preparados, debe comenzar desde esta etapa.

Y aquí el contenido de las dos primeras clases es especialmente significativo: no se pueden pasar por alto, sientan las bases de todo el curso, de todas las etapas de la formación del pensamiento artístico.

Saltarse los conceptos básicos establecidos aquí es como perder un conocimiento básico de la existencia de los números en matemáticas, con la capacidad de sumarlos y restarlos. Aunque aquí también se sientan bases del arte más complejas.

Como sugiere el diagrama, la primera etapa, las clases de primaria, tienen como objetivo la implicación emocional en las conexiones entre el arte y la vida. En general, este problema es la base de la esencia del programa. El arte se conoce precisamente en este sentido: se reconoce su papel en la vida de cada uno de nosotros y se realizan los medios, el lenguaje a través del cual el arte cumple esta función.

En la primera etapa, las artes no se dividen en tipos y géneros: sus roles vitales se aprenden, por así decirlo, desde la personalidad del niño hasta la inmensidad de las culturas de los pueblos de la Tierra.

La segunda etapa es completamente diferente. Aquí podemos rastrear conexiones con la vida precisamente de los tipos y géneros de arte. Se dedica un gran bloque, de al menos un año de duración, a cada persona. Inmersión en sentimientos y pensamientos y conciencia de las peculiaridades del lenguaje de cada tipo de arte y las razones de esta especialidad, la singularidad de la función espiritual, social, el papel en la vida humana y la sociedad. Año - artes decorativas y aplicadas. Dos años: bellas artes. El año es constructivo. Noveno grado - artes sintéticas.

Y la tercera etapa es completar la educación secundaria. Aquí es necesario que todos tengan un nivel bastante serio de conocimiento de la historia del arte, ya sea en el curso "Cultura artística mundial" o en cursos en programas paralelos de artes plásticas, música, literatura y cine. Cada opción tiene sus ventajas y desventajas.

Pero paralelamente a este curso teórico, sería necesario impartir, a elección del alumno, pero específicamente a cada uno, uno de los cursos prácticos: “bellas artes”, “decorativo”, “diseño”, “fundamentos de la cultura del entretenimiento”. ”. Sólo creando una unidad dual de teoría y práctica en la etapa de finalización de la educación general podremos competir con los países económicamente desarrollados en la economía (y en la cultura). Esta vía para completar la educación secundaria, por ejemplo, ha estado vigente en Japón durante más de cincuenta años.

Hoy planteamos el problema de la conexión entre las artes y la cosmovisión. Pero sus conexiones con la economía no son menos significativas. Es este aspecto el que destacan los expertos de diferentes países donde se le da cabida al arte (hasta seis horas semanales).

Este programa está diseñado para 1-2 horas lectivas sobre cada tema. De manera óptima, la implementación de todos los temas debería tomar al menos dos horas (lección doble).

Sin embargo, con un uso claro de la metodología desarrollada, es posible (aunque debilitado) impartir clases sobre el tema en una sola lección. Todo depende de la comprensión que tenga la escuela del papel de la educación artística.

Conclusión

En la formación de la personalidad de un niño son invaluables varios tipos de actividades artísticas y creativas: dibujar, modelar, recortar figuras de papel y pegarlas, crear diversos diseños a partir de materiales naturales, etc.

Estas actividades brindan a los niños la alegría del aprendizaje y la creatividad. Habiendo experimentado este sentimiento una vez, el niño se esforzará por contar en sus dibujos, aplicaciones y manualidades lo que aprendió, vio y experimentó.

La actividad visual de un niño, que apenas comienza a dominar, necesita la guía calificada de un adulto.

Pero para desarrollar en cada alumno las capacidades creativas inherentes a la naturaleza, el propio maestro debe comprender las bellas artes, la creatividad de los niños y dominar los métodos necesarios de la actividad artística. El docente debe liderar todos los procesos asociados con la creación de una imagen expresiva: con la percepción estética del objeto en sí, la formación de una idea sobre las propiedades y apariencia general del objeto, cultivando la capacidad de imaginar a partir de ideas existentes, dominando las propiedades expresivas de los colores, líneas, formas y la encarnación de los niños de sus ideas en un dibujo, modelado, aplicaciones, etc.

Así, en el proceso de la actividad visual se llevan a cabo diversos aspectos de la educación: sensorial, mental, estética, moral y laboral. Esta actividad es de primordial importancia para la educación estética; También es importante para preparar a los niños para la escuela.

Cabe destacar que el desarrollo integral del estudiante sólo se puede asegurar si la atención del docente se dirige a la solución de este problema, si se implementa el programa de formación en artes visuales y se utiliza la metodología correcta y variada.

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Principios didácticos y métodos de enseñanza. en bellas artes y lecciones artísticas

Introducción

A lo largo de los siglos, la escuela ha acumulado mucha experiencia en la enseñanza de niños. Así, han surgido diferentes puntos de vista sobre el concepto y la eficacia del uso de diversos métodos y principios de enseñanza.

El proceso de aprendizaje es un fenómeno bastante complejo y no puede representarse como una simple transferencia de conocimientos por parte de un profesor a estudiantes que aún no poseen estos conocimientos. Aquí, naturalmente, surgen las preguntas: “¿Qué enseñar?” y “¿Cómo enseñar?”

Las leyes o reglas que operan en cualquier ciencia reflejan sus conexiones objetivas, significativas y estables, y también indican ciertas tendencias en su desarrollo. Sin embargo, estas leyes no contienen instrucciones directas para acciones prácticas: son sólo una base teórica para desarrollar tecnología para actividades prácticas.

La tarea de la didáctica es, a partir del conocimiento sobre el desarrollo objetivo del proceso educativo, descubrir cómo, a partir de las leyes de su desarrollo, se desarrollan principios y reglas de enseñanza que orientan al docente en su labor práctica. Todo esto actualiza el tema de investigación.

Objeto de estudio: lecciones de bellas artes y trabajos artísticos.

Tema de estudio: Principios didácticos y métodos de enseñanza de las bellas artes y del trabajo artístico.

Hipótesis: El uso correcto, hábilmente organizado y metodológicamente competente de principios didácticos y métodos de enseñanza en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes ayuda a aumentar la efectividad del proceso educativo, a saber:

· Contribuye a una mayor actividad e interés de los estudiantes, lo que se refleja en los resultados del trabajo.

· Promueve el desarrollo del amor por las bellas artes y el trabajo artístico.

· Desarrolla cualidades como: percepción, atención, imaginación, pensamiento, memoria, habla, autocontrol, etc.

· Promueve la asimilación rápida y duradera de conocimientos, que se desarrollan en habilidades y capacidades.

· Forma la capacidad de aplicar los conocimientos adquiridos en la práctica.

C trabajo de abeto: Estudio y fundamentación de la influencia de los principios didácticos y métodos de enseñanza en el proceso educativo en las lecciones de trabajo artístico y bellas artes.

Del objetivo se desprende lo siguiente: tareas :

1. Considere los conceptos de “principios didácticos” y métodos de enseñanza.

2. Considerar la clasificación de métodos y principios de enseñanza, sus relaciones.

3.Identificar los métodos y principios básicos de enseñanza utilizados en las clases de arte y bellas artes.

4.Estudiar las características de la implementación de los métodos y principios básicos utilizados en estas lecciones.

5. Fundamentar la influencia de los principios didácticos y métodos de enseñanza en la actividad de los escolares y la eficacia del proceso educativo.

Para la redacción del trabajo se utilizó lo siguiente: métodos investigación psicológica y pedagógica:

1. Estudio de la literatura metodológica, psicológica y pedagógica sobre el tema en consideración.

2. Observación de los estudiantes.

3. Análisis de la propia experiencia de trabajo en la escuela.

4. Análisis de lecciones de obra artística y bellas artes.

Importancia práctica del trabajo: El material presentado se puede utilizar como resultado de la preparación para lecciones de bellas artes y trabajos artísticos.

Base de investigación: escuela secundaria núm. 165 en Minsk.

Carga de trabajo: introducción, parte principal y conclusión.

1. Principios didácticos y métodos de enseñanza en bellas artes y enseñanzas artísticas.

1.1 El concepto de principios didácticos de la enseñanza y su clasificación.

Los principios del aprendizaje son una herramienta necesaria en la enseñanza. Gracias a estos principios se produce el proceso de combinar las ideas teóricas con la práctica pedagógica. Los principios de la enseñanza de la pedagogía son, ante todo, de carácter consultivo y no obligatorios. Esto sucede porque la actividad del docente, durante el proceso de aprendizaje, puede refractarse a través de diversas formas y técnicas.

Los principios de la formación son directrices que subyacen a la formación y determinan su contenido, métodos y formas de organización.

Los principios son los puntos de partida básicos de cualquier teoría, la ciencia en su conjunto, estos son los requisitos básicos de algo.

Los principios pedagógicos son las ideas básicas, cuyo seguimiento ayuda a lograr mejor los objetivos pedagógicos establecidos.

Comenius puso la experiencia sensorial como base para el conocimiento y el aprendizaje y fundamentó teóricamente y reveló en detalle el principio de claridad. La visibilidad se utilizó ante él. Los educadores humanistas, por ejemplo Tomás Moro, hablaron de ello, caracterizando la educación en la isla como “utopía”. Los libros, tanto escritos a mano como impresos, a menudo contaban con dibujos, pero esto fue, por así decirlo, una aplicación empírica de la claridad sin su justificación teórica, que fue dada por primera vez por Comenius.

Entendió la visibilidad en un sentido amplio, no sólo como percepción visual, sino también como la atracción de todos los sentidos hacia una percepción mejor y más clara de las cosas y los fenómenos. Comenius exigió que la enseñanza comenzara no con una interpretación verbal de las cosas, sino con observaciones específicas de ellas.

Hay que observar lo que es posible en la naturaleza; y si es imposible observar directamente las cosas, hay que sustituirlas por pinturas, maquetas, dibujos.

El gran mérito de Comenius radica en el desarrollo de la visualización como uno de los principios didácticos más importantes: fundamentó, generalizó, profundizó y amplió brillantemente algunas experiencias prácticas de enseñanza visual que ya existían en ese momento, y aplicó ampliamente la visualización en la práctica, proporcionando dibujos a sus libros de texto. .

Comenius insistió en la enseñanza sistemática. Señaló la necesidad de que los estudiantes comprendan la conexión entre los fenómenos y de organizar el material educativo de tal manera que no les parezca un caos, sino que se presente brevemente en forma de algunos principios básicos. Creía que en la enseñanza es necesario pasar de los hechos a las conclusiones, de los ejemplos a reglas que sistematicen y generalicen estos hechos y ejemplos; pasar de lo concreto a lo abstracto, de lo fácil a lo difícil, de lo general a lo específico; Primero dé una idea general de un objeto o fenómeno, luego continúe con el estudio de sus aspectos individuales.

Según Komensky, la secuencia del entrenamiento es de gran importancia. Todo lo que se ofrece a los estudiantes para su asimilación debe organizarse de manera que el estudio del nuevo material esté preparado con lecciones anteriores. Teniendo en cuenta las características de edad de los niños, Komensky aconseja desarrollar primero las sensaciones (sentimientos) de los alumnos, luego la memoria, luego el pensamiento y, finalmente, el habla y la mano, ya que el alumno debe poder expresar correctamente lo aprendido y aplicarlo. en la práctica.

Komensky dio valiosas instrucciones, planteando el requisito didáctico de que el aprendizaje fuera factible para los estudiantes. A los niños se les debe enseñar sólo lo que es apropiado para su edad. La viabilidad y accesibilidad en el aprendizaje se logran mediante la claridad de la enseñanza, la comunicación de lo principal sin detalles innecesarios.

Habiendo planteado la exigencia didáctica de que los estudiantes asimilen firmemente el material educativo, Comenius afirmó que es necesario sentar una “base sólida”, no apresurarse en el aprendizaje, para que los estudiantes comprendan plenamente lo que se les enseña: todo lo que tiene un La conexión debe enseñarse "en conexión". Cada tema debe resumirse en reglas concisas y precisas.

Los ejercicios y la repetición del material aprendido por los estudiantes son de gran importancia para un aprendizaje duradero. Habiendo comunicado nuevo material educativo a los alumnos, el profesor exige que el alumno al que ha llamado exponga y repita lo que le ha dicho; llama a otro estudiante para que haga lo mismo. Gracias a este ejercicio y repetición, el profesor ve claramente lo que los alumnos no entendieron de su exposición. Repetido varias veces se recuerda firmemente. En esta repetición en voz alta juega un papel importante el desarrollo de la capacidad de expresar lo aprendido y la asimilación misma se vuelve más clara y duradera. Para ello, Comenius recomienda que los estudiantes, una vez aprendido algo, intenten enseñárselo a otros.

“Lo que hay que hacer, hay que aprenderlo haciendo”, dice Comenius, dando reglas según las cuales se deben organizar los ejercicios. “Que aprendan en las escuelas a escribir practicando la escritura, a hablar practicando el habla, a cantar practicando el canto, a razonar practicando la inferencia, etc., para que las escuelas no sean más que talleres en los que se trabaja a pleno rendimiento”. .

Para enseñar habilidades correctamente, a los estudiantes se les debe dar una cierta forma y estándar sobre qué hacer; mostrar el uso de herramientas (por ejemplo, al dibujar, etc.) en la práctica, y no solo decir cómo usar las herramientas. Los ejercicios deben comenzar con elementos y no con la ejecución de obras completas; esto se aplica a la lectura (primero letras y sílabas, luego palabras, finalmente frases), al dibujo (realización de ejercicios para dibujar formas individuales) y al trabajo artístico (primero conociendo los tipos de costuras y luego haciendo juguetes), y a la escritura, a la gramática y a otras habilidades.

Después de haber mostrado a los estudiantes un modelo a seguir, el profesor primero debe exigir una imitación estricta y precisa de la forma; luego la implementación puede ser más libre; Todas las desviaciones de las muestras realizadas por los estudiantes deben ser corregidas inmediatamente por el profesor, quien respalda sus comentarios con referencia a las reglas. A la hora de enseñar es necesario combinar la síntesis con el análisis.

Comenius buscó, quizás, desarrollar más fuertemente las capacidades cognitivas de los estudiantes, “encender la sed de conocimiento y el celo ardiente por aprender”, para lo cual es necesario, señaló, combinar negocios con placer, fomentar la curiosidad de los niños.

“En mis alumnos siempre desarrollo independencia en la observación, el habla, la práctica y la aplicación”, escribió.

El método de observación es la base de todo el sistema de enseñanza de las bellas artes. El éxito del desarrollo de sus habilidades creativas depende de qué tan bien los niños desarrollen su capacidad para observar su entorno, establecer conexiones entre los fenómenos de la realidad e identificar lo general y lo individual. E.A. hizo una gran contribución a su desarrollo. Flerina, N.P. Sakulina, Los Ángeles. Raeva. (37, 45)

Pero las observaciones por sí solas antes de la clase no garantizarán plenamente la posibilidad de representar lo visto. Es necesario enseñar al niño técnicas especiales de representación, formas de utilizar diversos materiales visuales. Sólo en el proceso de aprendizaje sistemático en el aula se forman plenamente las capacidades de los niños.

En el jardín de infantes, las clases de artes visuales utilizan una variedad de métodos y técnicas, que se pueden dividir en visuales y verbales. Un grupo de técnicas especial, específico para el jardín de infancia, son las técnicas de juego. Combinan el uso de imágenes y el uso de palabras.

El método de enseñanza, según la definición aceptada en pedagogía, se caracteriza por un enfoque unificado para resolver una tarea determinada y determina la naturaleza de todas las actividades tanto del niño como del maestro en una lección determinada.

Un método de enseñanza es un medio auxiliar más privado que no determina todos los detalles específicos de la actividad en la lección, sino que tiene solo un significado educativo limitado.

A veces, los métodos individuales pueden actuar solo como una técnica y no determinar la dirección del trabajo en la lección en su conjunto. Por ejemplo, si leer un poema (cuento) al comienzo de una lección tenía solo el objetivo de despertar el interés en la tarea y atraer la atención de los niños, entonces en este caso la lectura sirvió como una técnica para ayudar al maestro a resolver un problema. tarea estrecha: organizar el comienzo de la lección.

Métodos visuales y técnicas de enseñanza.

Los métodos y técnicas visuales de enseñanza incluyen el uso de la naturaleza, reproducciones de pinturas, muestras y otras ayudas visuales; examen de objetos individuales; demostración por parte del profesor de técnicas de imagen; Exhibición del trabajo de los niños al final de la lección, durante su evaluación.

Uso de la naturaleza. En las bellas artes, la vida se entiende como un objeto o fenómeno que se representa mediante la observación directa. Trabajar desde el natural implica representar un objeto desde un determinado punto de vista, en la posición en la que se encuentra en relación con el ojo del artista. Esta característica de la imagen de la vida también determina la originalidad de la percepción durante la lección. Lo principal aquí será la percepción visual, y cuando se representa en un plano (dibujo, aplique), el objeto se percibe solo desde un lado; Al modelar y diseñar, los niños deben poder rotar la naturaleza y analizar la forma tridimensional en varios giros.

La capacidad de percibir un objeto en la totalidad de sus cualidades ya es característica de un niño en edad preescolar primaria. Sin embargo, la necesidad de representar un objeto de la vida requiere la capacidad de analizar la relación de las partes y su ubicación en el espacio. Los psicólogos creen que un niño en edad preescolar es capaz de tal percepción analítica y sintética sólo bajo la condición de una orientación pedagógica adecuada.

La naturaleza, en primer lugar, facilita el trabajo de la memoria, ya que el proceso de visualización se combina con la percepción; ayuda al niño a comprender y transmitir correctamente la forma y estructura de un objeto, su color. A pesar de la capacidad de los niños de 4 a 5 años para realizar un análisis sencillo de objetos de imagen, el trabajo a partir de la vida a esta edad tiene sus diferencias con el uso de la naturaleza por parte de escolares y artistas.

Al percibir un objeto, el niño debe mostrar su volumen (dar una imagen bidimensional de carácter tridimensional en un plano), lo que se asocia con el uso de luces y sombras, transmitir cambios de perspectiva en el objeto y mostrar complejos. anglos. Estas técnicas de imagen no están disponibles para niños en edad preescolar. Por lo tanto, se seleccionan como naturaleza para ellos objetos de forma simple que tienen contornos claros y divisiones de partes.

La naturaleza está situada de manera que todos los niños la perciban desde su lado más característico. El docente debe examinar detalladamente la naturaleza con los niños, guiando y facilitando el proceso de análisis con palabras y gestos. Este proceso requiere una cierta cultura de educación y un pensamiento analítico desarrollado. Estas habilidades comienzan a desarrollarse en niños de 5 a 6 años. A esta edad aprenden a comparar y corregir su trabajo al dibujar de acuerdo con la naturaleza. Por ejemplo, en el grupo mayor, al representar una rama de abeto de la vida real, los niños transmiten la ubicación de la rama en el espacio (oblicuo o vertical), el número y tamaño de las ramas a la izquierda y a la derecha, y dibujan agujas gruesas en un color oscuro. o tono claro.

Como naturaleza se pueden utilizar hojas, ramas, flores, frutas, así como juguetes que representan personas, animales y vehículos.

Así, el uso de la naturaleza como método de enseñanza abarca todo el proceso de representación: análisis inicial del tema, comparación de la imagen con la naturaleza en forma, posición, color, valoración de los resultados del trabajo comparando el dibujo y la naturaleza.

A veces, la naturaleza se puede utilizar como una técnica privada y no afectar la naturaleza de la lección en su conjunto. Por ejemplo, en el proceso de dibujar según el plan, un niño pide ayuda para representar un objeto. El maestro coloca frente al niño el juguete necesario, que le sirve de modelo. Con carácter general, el trabajo sobre la imagen vendrá determinado por el contenido del plano. La naturaleza sólo ayudará a implementarlo mejor.

Examen de objetos al inicio de la lección. En los grupos junior y middle, a menudo se muestran objetos individuales al comienzo de las clases. Niños examinando una pelota, cintas, una pala, etc. Se lleva a cabo con el fin de atraer la atención de los niños hacia la tarea y revivir sus ideas. Durante el resto de la lección, los niños extraen ideas y no vuelven a la percepción de los objetos.

En el grupo de mayor edad, también es necesario introducir algunos elementos para su consideración. Por ejemplo, antes de dibujar o esculpir sobre el tema del cuento de hadas "Los tres osos", la maestra invita a los niños a examinar un osito de juguete, resaltar las características de la forma y proporciones de las partes individuales y rastrear el cambio en su ubicación según sobre la rotación del objeto. Cada niño representa un oso en la posición que corresponde al episodio elegido para el dibujo.

Usando una muestra. Un modelo, como la naturaleza, puede actuar como método y como técnica de enseñanza independiente.

En aquel tipo de actividades visuales donde el objetivo principal no es consolidar impresiones de la percepción del entorno, sino que las tareas son desarrollar aspectos individuales de esta actividad (generalmente en trabajos decorativos y constructivos), el modelo se utiliza como método de enseñanza. .

Por tanto, el objetivo principal de las clases de dibujo decorativo y aplicaciones es aprender a crear un patrón y desarrollar el gusto artístico. Los niños miran objetos bellos: alfombras, jarrones, bordados, etc., lo que aumenta la cultura estética general. En las clases de dibujo decorativo, los niños no sólo reflejan sus impresiones sobre estos objetos y repiten los patrones que ven en ellos, sino que también aprenden a crear un patrón por sí mismos, a hacer hermosas combinaciones de formas y colores. Por lo tanto, en la etapa inicial del entrenamiento, es posible copiar elementos del patrón de una muestra, tomando prestados los principios de disposición de elementos y combinaciones de colores.

A veces se pueden incluir varias muestras para su selección si los niños ya dominan una habilidad.

El uso de muestras está determinado por los objetivos de esta lección. Por lo tanto, se puede ofrecer una muestra sin instrucciones especiales del maestro, los niños, después de examinarla, realizan el trabajo de forma independiente; En este caso, el uso de la muestra contribuirá al desarrollo del pensamiento analítico-sintético del niño.

A veces un modelo actúa como técnica de enseñanza. Por ejemplo, en el dibujo o modelado de objetos, una muestra no se utiliza con el propósito de copiar, sino para aclarar las ideas de los niños sobre el objeto que se representa.

El uso de muestras con imágenes esquemáticas y simplificadas tiene un efecto negativo en el desarrollo de las capacidades creativas de los niños. Simplificar la imagen a un diagrama sólo crea una simplificación aparente de la tarea asignada a los niños. El diagrama no corresponde a la idea específica que el niño tiene del objeto, ya que carece de detalles característicos por los cuales el niño en edad preescolar reconoce el objeto.

No se debe reemplazar la idea formada sobre la base de una percepción específica por una imagen esquemática plana, desprovista de características individuales. Tal esquema no ayudará al niño a resaltar lo principal del tema, sino que simplemente reemplazará la imagen de un tema específico.

Con tales ejemplos, el maestro se olvida de una tarea educativa de actividad visual como consolidar las ideas de los niños sobre la realidad circundante.

La formación con el uso constante de muestras esquemáticas ya preparadas se reduce en última instancia a una tarea limitada: desarrollar la capacidad de crear formas simples. Entrenar la mano para crear tal forma está aislado del trabajo de la conciencia. Como resultado, aparecen patrones en los dibujos de los niños: una casa con techo triangular, pájaros en forma de marcas de verificación, etc. Esto empobrece el dibujo del niño; la forma esquemática adquirida de una vez por todas elimina la necesidad de más observaciones y la actividad visual se divorcia de la realidad. Una imagen esquemática adquirida inconscientemente a menudo pierde su parecido con un objeto real, ya que el niño repite las formas aprendidas sin pensar. Por ejemplo, un pájaro "garrapata" gira sus alas hacia abajo o hacia un lado cuando se lo representa.

Uso de pinturas. Las imágenes se utilizan principalmente para aclarar las ideas de los niños sobre la realidad circundante y para explicar los medios y métodos de representación.

La pintura, como imagen artística, transmite la imagen de forma vívida y emocional.

Los medios de expresión artística con los que el artista crea una obra de arte proporcionan una imagen percibida visualmente. Investigaciones realizadas por psicólogos y profesores han demostrado que niños de tan solo dos años pueden entender una imagen como la imagen de un objeto. La conexión entre los personajes de la imagen, es decir. La comprensión de la acción se logra algo más tarde, a la edad de 4-5 años.

Las observaciones de la realidad circundante suelen ser a corto plazo (por ejemplo, observaciones de animales en una ciudad). Por lo tanto, el uso de una imagen no solo asegurará la repetición de la percepción, sino que también resaltará la característica principal de la imagen posterior.

Se puede recomendar mirar pinturas en los casos en que el objeto deseado no esté disponible, y también puede servir como un medio para familiarizar a los niños con ciertas técnicas de representación en un avión. Por ejemplo, un maestro muestra una imagen para explicar la imagen de objetos distantes que en la vida el niño percibía ubicados en un terreno plano. Para ello, la imagen se puede utilizar en el trabajo con niños de seis años, que ya conocen este método de representación; Al mirar la imagen, el niño ve que la Tierra no está representada por una línea, sino por una franja ancha, y los objetos distantes están ubicados arriba, los cercanos, abajo, hasta el borde de la hoja.

Para que el niño comprenda la técnica utilizada por el artista es necesario explicarla, ya que en la imagen el niño percibe solo el resultado final. Es más conveniente realizar dicho examen y análisis de la imagen antes de la lección o al comienzo de la misma.

Una imagen dejada frente a los niños durante la lección puede dar lugar a una copia mecánica. Copiar a esta edad causa un gran daño: inhibe el desarrollo de las habilidades visuales. Es imposible que un niño en edad preescolar comprenda todas las técnicas y medios visuales utilizados por el artista, por lo que dibujará sin entender por qué fue dibujado de esta manera y no de otra.

A veces durante la lección se hace necesario mostrar a algunos niños una imagen para aclarar algún detalle. Luego se elimina la imagen, ya que su percepción posterior conducirá a la copia. Esta técnica debe usarse con precaución.

El profesor muestra cómo trabajar. El programa de jardín de infantes establece el alcance de las habilidades visuales que los niños deben dominar en el proceso de aprendizaje. Dominar una gama relativamente pequeña de habilidades permitirá al niño representar una amplia variedad de objetos. Por ejemplo, para dibujar una casa, es necesario conocer las técnicas para representar una forma rectangular, es decir, Ser capaz de conectar líneas en ángulo recto. Se necesitarán las mismas técnicas para representar un automóvil, un tren o cualquier otro objeto que tenga un contorno rectangular.

La demostración de métodos de imágenes por parte del maestro es una técnica visualmente efectiva que enseña a los niños a crear conscientemente la forma deseada basándose en su experiencia específica. La demostración puede ser de dos tipos: demostración mediante gestos y demostración de técnicas de imagen. En todos los casos, la demostración va acompañada de explicaciones verbales.

El gesto explica la ubicación del objeto en la hoja. El movimiento de una mano o un lápiz sobre una hoja de papel suele ser suficiente para que los niños, incluso de 3 a 4 años, comprendan las tareas de la imagen. Un gesto puede restaurar en la memoria del niño la forma básica de un objeto, si es simple, o de sus partes individuales.

Es eficaz repetir el movimiento con el que el profesor acompañó su explicación durante la percepción. Esta repetición facilita la reproducción de las conexiones formadas en la conciencia. Por ejemplo, cuando los niños observan la construcción de una casa, el maestro hace gestos para mostrar los contornos de los edificios en construcción, enfatizando su dirección hacia arriba. Repite el mismo movimiento al comienzo de la lección, en el que los niños dibujan un edificio de gran altura.

Un gesto que reproduce la forma de un objeto ayuda a la memoria y permite mostrar el movimiento de la mano del cajón durante la imagen. Cuanto más pequeño es el niño, más importante es para su aprendizaje la demostración de los movimientos de las manos.

El niño en edad preescolar aún no controla completamente sus movimientos y, por lo tanto, no sabe qué movimiento será necesario para representar tal o cual forma.

También existe una técnica muy conocida, cuando un maestro de un grupo más joven dibuja una imagen junto con el niño, llevándolo de la mano.

Con un gesto puedes delinear todo el objeto si su forma es simple (bola, libro, manzana), o detalles de la forma (la disposición de las ramas de un abeto, la curvatura del cuello de los pájaros). El maestro demuestra detalles más pequeños al dibujar o modelar.

La naturaleza de la demostración depende de las tareas que el profesor establezca en esta lección.

Mostrar una imagen del objeto completo se proporciona si la tarea es enseñar cómo representar correctamente la forma básica del objeto. Normalmente esta técnica se utiliza en el grupo más joven. Por ejemplo, para enseñar a los niños a dibujar formas redondas, el maestro dibuja una pelota o una manzana y explica sus acciones.

Si, al representar un objeto, es necesario transmitir con precisión la secuencia de dibujo de un detalle particular, entonces también se puede ofrecer una visualización holística de todo el objeto. Con tal demostración, es deseable que el maestro involucre a los niños en el análisis del tema con la pregunta: "¿Qué debemos dibujar ahora?"

Al enseñar a niños mayores, se utiliza con mayor frecuencia la visualización parcial: una imagen de un detalle o un elemento individual que los niños en edad preescolar aún no saben cómo representar. Por ejemplo, los niños de 4 a 5 años dibujan el tronco de un árbol en forma de triángulo con una base ancha. Este error a veces se debe a la explicación del maestro: “El tronco del árbol es estrecho arriba y ancho abajo”, y los niños siguen literalmente esta instrucción. El profesor debe, junto con las instrucciones verbales, mostrar una imagen del tronco de un árbol.

En un grupo de dibujo de la escuela preparatoria sobre el tema "Hermosa casa", el maestro muestra en la pizarra cuán diferentes pueden ser las formas de ventanas y puertas. Esta exhibición no limita la capacidad del niño para crear el dibujo completo.

Durante los ejercicios repetidos para consolidar habilidades y luego utilizarlas de forma independiente, las demostraciones se realizan sólo de forma individual a los niños que no han dominado una habilidad en particular.

Demostrar constantemente cómo completar una tarea enseñará a los niños a esperar instrucciones y ayuda del maestro en todos los casos, lo que conduce a la pasividad y la inhibición de los procesos de pensamiento. La demostración del profesor siempre es necesaria a la hora de explicar nuevas técnicas.

Análisis de obras infantiles. El desarrollo del pensamiento analítico, que da como resultado una actitud crítica ante lo percibido, permite a los niños evaluar objetivamente el trabajo realizado por sus compañeros y su propio trabajo. Pero un niño alcanza este nivel de desarrollo a la edad de cinco años.

A una edad temprana, un niño no puede controlar ni evaluar plenamente sus acciones y sus resultados. Si el proceso de trabajo le produjo placer, estará satisfecho con el resultado y esperará la aprobación del profesor.

En el grupo más joven, al final de la lección, el profesor muestra varios trabajos bien hechos sin analizarlos. El objetivo del espectáculo es atraer la atención de los niños sobre los resultados de sus actividades. La maestra también aprueba el trabajo de los demás niños. Una valoración positiva de ellos ayuda a mantener el interés por las artes visuales.

En los grupos intermedio y superior, el maestro utiliza la exhibición y el análisis del trabajo de los niños como técnica para ayudarlos a comprender los logros y errores en la imagen. La capacidad de ver con qué precisión se representa un objeto ayuda a desarrollar una actitud consciente hacia la elección de medios y métodos de trabajo para mejorar toda actividad creativa.

Después de completar la tarea, el maestro muestra una de las obras y señala sus aspectos positivos: “Qué bien y pulcramente está pintada la casa”, “Qué bellamente se eligen los colores en el patrón: oscuros y claros uno al lado del otro, se pueden combinar claramente visto”, “Qué interesante está esculpido el esquiador”, etc. d. Si hay errores similares en todos los trabajos, entonces debes prestarles atención y preguntar cómo se pueden corregir.

No se debe considerar un error el trabajo de un niño con todos los niños, ya que su conciencia sólo le importará a este niño. Es mejor analizar las causas del error y las formas de solucionarlo en una conversación individual.

En el grupo mayor, todos los niños deben participar en el análisis. Sin embargo, en ocasiones el propio profesor da la valoración. Por ejemplo, queriendo animar a un niño que dibuja mal y anticipándose a las críticas de otros niños a su trabajo, el profesor es el primero en señalar los aspectos positivos del dibujo.

El análisis del trabajo de los niños se puede realizar de varias formas. La mayoría de las veces, para ahorrar tiempo, el profesor toma selectivamente varios trabajos para analizarlos. Debes evitar mostrar el trabajo del mismo niño en cada lección, incluso si realmente destaca. Como resultado de los elogios constantes, puede desarrollar una confianza injustificada en sí mismo y un sentimiento de superioridad sobre los demás niños. Los niños superdotados deben trabajarse de forma individual, teniendo en cuenta sus capacidades y destrezas visuales.

A veces el profesor confía a los niños la elección del trabajo a analizar. En estos casos, todas las obras se disponen sobre una mesa (o sujetas a un soporte) y se pide a los niños que elijan las que más les gusten. Luego, el profesor analiza en detalle las obras seleccionadas con los niños.

La discusión sobre el trabajo de cada niño es posible en el grupo preparatorio; los niños ya están interesados ​​​​en los resultados del trabajo de sus compañeros. Pero dicho análisis debe realizarse en el tiempo libre de clases, ya que 2-3 minutos al final de la clase no son suficientes.

A los niños de seis años se les puede pedir que analicen su trabajo, comparándolos con la naturaleza o un modelo. Esto inculca en los niños una actitud crítica no sólo hacia el trabajo de sus compañeros, sino también hacia el suyo propio.

Métodos verbales y técnicas de enseñanza.

Los métodos verbales y técnicas de enseñanza incluyen la conversación, las instrucciones del profesor al inicio y durante la lección y el uso de una imagen artística.

Conversación al inicio de la lección. Las clases de artes visuales, por regla general, comienzan con una conversación entre el maestro y los niños. El objetivo de la conversación es evocar en la memoria de los niños imágenes previamente percibidas y despertar el interés por la actividad. El papel de la conversación es especialmente importante en aquellas clases en las que los niños trabajarán a partir de una presentación (según sus propias ideas o sobre un tema propuesto por el profesor), sin utilizar ayudas visuales.

La conversación debe ser breve, pero significativa y emotiva. El profesor presta atención principalmente a lo que será importante para el trabajo posterior, es decir, sobre color constructivo y soluciones compositivas para dibujo, modelado, etc.

Si las impresiones de los niños fueron ricas y tienen las habilidades necesarias para transmitirlas, esa conversación suele ser suficiente para completar la tarea sin técnicas adicionales.

Para aclarar las ideas de los niños sobre un tema o familiarizarlos con nuevas técnicas de representación, el maestro muestra el objeto o imagen deseado durante o después de la conversación y, antes de que los niños comiencen a completar la tarea, les muestra el método de trabajo.

La conversación como método de enseñanza se utiliza principalmente cuando se trabaja con niños de 4 a 7 años. En los grupos más jóvenes, la conversación se utiliza en los casos en que es necesario recordar a los niños el objeto que representarán o explicar nuevas técnicas de trabajo. En estos casos, la conversación se utiliza como técnica para ayudar a los niños a comprender mejor el propósito y propósito de la imagen.

La conversación, tanto como método como técnica, debe ser breve y no durar más de 3 a 5 minutos, para que las ideas y emociones de los niños se animen y el estado de ánimo creativo no se desvanezca.

Así, una conversación adecuadamente organizada contribuirá a un mejor desempeño de la tarea por parte de los niños.

Utilizando imágenes de ficción. Una imagen artística plasmada en una palabra (poema, cuento, acertijo, etc.) tiene una claridad única. Contiene eso característico, típico que es característico de este fenómeno y lo distingue de los demás.

La lectura expresiva de obras de arte contribuye a la creación de un estado de ánimo creativo, un trabajo activo de pensamiento e imaginación. Para ello, la palabra artística se puede utilizar no sólo en las clases de ilustración de obras literarias, sino también en la representación de objetos después de su percepción.

En todos los grupos de edad, se puede comenzar la lección con un acertijo que evocará una imagen vívida de un objeto en la mente de los niños, por ejemplo: “Una cola con patrones, botas con espuelas…” El acertijo señala algunos detalles del forma: una hermosa cola, espuelas y hábitos de gallo que lo distinguen de otras aves.

Para revivir en la memoria de los niños imágenes de objetos previamente percibidas, se pueden utilizar poemas breves y extractos de obras de arte.

En algunos casos, una imagen verbal acompaña a una demostración de la naturaleza o técnicas de representación.

Al dibujar o esculpir temas de obras literarias, el uso de otras técnicas de enseñanza al inicio de la lección es inapropiado, ya que pueden interferir con el trabajo de la imaginación. Una pintura o una naturaleza vincularán al niño a una determinada forma pictórica, la imagen verbal se desvanecerá.

El profesor debe abordar seriamente la selección de obras de arte y extractos de ellas para ilustración. Una imagen verbal debe incluir un aspecto pictórico y mostrar aquellas características de un objeto que están asociadas con su percepción visual (color, forma, posición). Por ejemplo, al ilustrar un poema de N.A. Casi todos los muchachos hicieron un buen trabajo en "El abuelo Mazai y las liebres" de Nekrasov, ya que en este trabajo el autor describió vívidamente la apariencia de los animales y sus poses. Estas imágenes visibles ayudan al niño a transmitirlas de forma específica. Una imagen literaria artística provoca el trabajo no solo de una imagen reproductora, sino también creativa.

Incluso si la imagen verbal es muy específica y vívida, el niño necesita pensar e imaginar mucho: el entorno, la ubicación, los detalles y mucho más.

Instrucciones y explicaciones del profesor durante la lección. Las instrucciones del profesor acompañan necesariamente a todas las técnicas visuales, pero también pueden utilizarse como método de enseñanza independiente. Depende de la edad de los niños y de los objetivos de la lección.

Normalmente, el profesor da instrucciones en relación con la explicación de las tareas educativas asignadas.

Cuando se enseña a niños en edad preescolar primaria, rara vez se utilizan instrucciones puramente verbales. Los niños todavía tienen muy poca experiencia y no tienen suficientes habilidades visuales para comprender la explicación del maestro sin la participación de analizadores sensoriales. Sólo si los niños tienen habilidades firmemente establecidas, el maestro no podrá acompañar la demostración visual con acciones.

En la mente de los niños de 5 a 6 años, una palabra evoca el recuerdo de la técnica requerida y qué acción se debe realizar al utilizarla.

Las instrucciones del profesor pueden dirigirse tanto a todo el grupo como a cada niño individualmente.

Para todos los niños, las instrucciones generalmente se dan al comienzo de la lección. Su objetivo es explicar el tema del trabajo y las técnicas para su implementación. Dichas instrucciones deben ser muy concisas, claras y concisas. Para comprobar cómo los niños entendieron la explicación, el profesor de los grupos medio y superior puede preguntar a uno de ellos sobre la secuencia y los métodos de realización del trabajo. Esta repetición verbal de la tarea ayuda a los niños a comprender mejor sus acciones. En el grupo más joven, después de la explicación y la demostración, se debe recordar al profesor dónde empezar a trabajar.

Una vez que todos los niños hayan comenzado a trabajar, el maestro no debe apresurarse a brindar instrucciones y ayuda individuales. Es necesario determinar quién no inició el trabajo o lo inició incorrectamente. Con estos niños, el profesor descubre los motivos de la mala comprensión de la tarea y repite su explicación, mostrando algunas técnicas de trabajo.

No todos los niños necesitan orientación individual. Algunas personas lo piensan por su cuenta, marcan la imagen con un lápiz en una hoja de papel, para no necesitar explicaciones adicionales. Los niños indecisos, tímidos y que no están seguros de sus capacidades necesitan instrucciones al principio de la lección. Necesitan estar convencidos de que el trabajo ciertamente saldrá bien.

Sin embargo, no siempre se deben prevenir las dificultades que enfrentan los niños. A algunos de ellos se les pueden negar explicaciones adicionales si el profesor está seguro de que pueden resolver el problema por sí solos, simplemente les falta paciencia y perseverancia. Además, para fomentar la actividad creativa, es importante que el niño encuentre dificultades y aprenda a superarlas.

La forma de las instrucciones no puede ser la misma para todos los niños. Necesitan un tono alentador que despierte interés en el trabajo y confianza en sus capacidades. Los niños seguros de sí mismos deberían ser más exigentes.

Las instrucciones del maestro no deben ser un dictado directo a los niños sobre cómo representar un objeto en un caso particular. Deben hacer pensar al niño, pensar. Al señalar un error, es necesario llamar la atención del niño sobre la violación del significado y la lógica en la imagen: "El vestido de la niña parece roto" (mal sombreado), "Los árboles están cayendo" (mal colocado), "El hombre es tan grande que no podrá entrar a la casa". Al mismo tiempo, no se debe explicar cómo corregir el error; dejar que el niño lo piense por sí mismo.

Los comentarios deben hacerse en un tono amigable para que los niños sientan el interés del maestro por su trabajo.

Las instrucciones individuales no deben atraer la atención de todos los niños, por lo que deben darse en voz baja. Se dan instrucciones a todos los niños durante la lección si muchos cometen errores. Luego el profesor invita a todos a dejar de trabajar y escuchar su explicación. Estos descansos sólo deben tomarse cuando sean absolutamente necesarios, ya que interrumpen el proceso creativo.

Técnicas de enseñanza de juegos.

El uso de momentos de juego en actividades visuales se refiere a métodos de enseñanza visuales y efectivos. Cuanto más pequeño es el niño, más lugar debe ocupar el juego en su crianza y educación. Las técnicas de enseñanza de juegos ayudarán a atraer la atención de los niños hacia la tarea que tienen entre manos y facilitarán el trabajo del pensamiento y la imaginación.

G.G. revela técnicas de juego para enseñar a niños en edad preescolar. Grigorieva. (10)

Aprender a dibujar desde pequeño comienza con ejercicios de juego. Su objetivo es hacer más eficaz el proceso de enseñar a los niños a crear formas lineales simples y el desarrollo de los movimientos de las manos. Los niños, siguiendo al maestro, primero dibujan varias líneas en el aire con la mano, luego con el dedo sobre el papel, complementando los movimientos con explicaciones: “Este es un niño corriendo por el camino”, “Así es como una abuela sacude un pelota”, etcétera. La combinación de imagen y movimiento en una situación de juego acelera significativamente la adquisición de la capacidad de representar líneas y formas simples.

La inclusión de momentos lúdicos en las actividades visuales del grupo más joven continúa a la hora de representar objetos. Por ejemplo, una muñeca nueva viene a visitar a los niños y ellos le preparan un regalo: panqueques, tartas, galletas. En el proceso de este trabajo, los niños dominan la habilidad de aplanar una pelota.

En el grupo del medio, los niños dibujan un osito de peluche del natural. Y este momento se puede desarrollar con éxito. El oso llama a la puerta, saluda a los niños y les pide que lo dibujen. Al final de la lección, participa en el visionado de las obras de los niños, elige el mejor retrato siguiendo el consejo de los niños y lo cuelga en el rincón de juegos.

Incluso los niños de seis años pueden utilizar técnicas de juego, por supuesto, en menor medida que en el grupo más joven. Por ejemplo, mientras caminan, los niños usan cámaras caseras para observar el paisaje, los árboles, los animales, “tomar fotografías” y, cuando llegan al jardín de infantes, “revelarlas e imprimirlas”, representando lo que percibieron en un dibujo.

Al utilizar momentos de juego, el maestro no debe convertir todo el proceso de aprendizaje en un juego, ya que esto puede distraer a los niños de completar la tarea educativa e interrumpir el sistema en la adquisición de conocimientos, habilidades y habilidades.

Así, la elección de determinados métodos y técnicas depende de:

Sobre la edad de los niños y su desarrollo;

Dependiendo del tipo de materiales visuales con los que trabajen los niños.

En las clases donde el foco está en la tarea de consolidar ideas sobre el entorno, se utilizan principalmente métodos verbales: conversación, preguntas a los niños, que ayudan al niño a recordar lo que ha visto.

En diferentes tipos de actividades visuales, los métodos de enseñanza son específicos, ya que la imagen se crea por diferentes medios. Por ejemplo, la tarea de enseñar composición en temas de la trama requiere una explicación de la imagen en el dibujo, mostrando en el dibujo cómo los objetos distantes se dibujan más arriba y los cercanos más abajo. En el modelado, este problema se soluciona ordenando las figuras según su acción: una al lado de la otra o separadas unas de otras, una tras otra, etc. Aquí no se requiere ninguna explicación especial ni exhibición del trabajo.

No se puede utilizar ninguna técnica sin pensar detenidamente en las tareas en cuestión, el material del programa de la lección y las características de desarrollo de los niños de este grupo.

Los métodos y técnicas individuales, visuales y verbales, se combinan y acompañan en un único proceso de aprendizaje en el aula.

La visibilidad renueva la base material y sensorial de la actividad visual de los niños; la palabra ayuda a crear una correcta representación, análisis y generalización de lo que se percibe y representa.